Dadá ruso: 1914-1924

Tristan Tzara por Robert Delaunay

En pocas palabras: La propuesta del Reina Sofía para este verano-otoño es esta exposición que trata sobre el arte de vanguardia en Rusia entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Lenin (1914-1924).
Organizadores: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Comisaria: Margarita Tupitsyn.
Descripción:El recorrido consta de 17 salas que se agrupan en 3 secciones. Todo comienza con un panel introductorio que explica el contexto de la exposición y está seguido de la primera sala que tiene una serie de fotografías como la de Hannah Höch junto a Raoul Hausmann en la Primera Feria Internacional de Arte Dadá (Berlín, 1920).

Luego pasamos a la primera sección que se titula "Protodadá y Primera Guerra Mundial". En la sala 2 nos encontramos con la proyección de la ópera anti-bélica considerada protodadaísta: "Victoria sobre el sol". Conviene quedarse unos minutos frente a ella para apreciar el carácter absurdista que tiene. La sala siguiente (sala 3) presenta diversos diseños de Malévich para la mencionada ópera. En la sala 4 destacan diversas obras, entre ellas el curioso "Autorretrato con una sierra" de Iván Kliun y "En la calle" de Olga Rózanova. La sala 5, que incluye la proyección de escenas de un documental sobre la Primera Guerra Mundial, también expone ilustraciones de Olga Rózanova para el libro "La guerra" (1916).

Continuamos con la sala 6 donde empieza la segunda sección que versa sobre "El triunfo de la Revolución". Aquí se exponen la portada original del álbum conmemorativo del levantamiento de Octubre 1917/18 junto con diversas ilustraciones muy curiosas de personajes diversos como el obrero, la lavandera, la costurera o el banquero (realizads por diversos artistas). La sala siguiente (sala 7) es una sala muy enigmática que proyecta sonidos de sirenas y de fábrica. La sala 8 expone obras como "Construcción espacial" de Klutsis (1922) y una excepcional "Figura roja" de una mujer artista: Nadezhda Udaltsova.

"Figura roja" de Nadezhda Udaltsova

En la sala 9 nos encontramos con divertidas escenografías y diseños de vestuario de Mayakovski para "Misterio bufo" (1919).

Escenografías y diseños de vestuario para "Misterio bufo" de Mayakovski 

Sigue la exposición con las salas 10 (donde, por ejemplo, se proyecta la película "El diario de Glúmov"); la sala 11 con múltiples obras de Rodchenko, Klutsis, Iván Kliun y Varvara Stepánova; y la sala 12 que trata sobre la muerte de Lenin. En esta última se expone un cuadro espectacular titulado "Sublevación o Insurrección" de Redkó (1924-25).

"Sublevación" de Kliment Redkó (1924-25)

La tercera sección se titula "Dada Bridge" y en ella nos encontramos con las últimas salas. En la sala 13 se centran en el fin de la Primera Guerra Mundial y también en el puente entre los dadaístas y los artistas rusos que viajaron a París, Berlín y Nueva York. En ella se exponen diversas litografías como los "Deportistas" de El Lisitzki.La sala 14 incluye en vitrinas textos interesantes como la carta que Tristan Tzara le dirigió en 1924 a Zdanévich. En esta sala se expone un impresionante retrato de Tristan Tzara hecho por Robert Delaunay en 1923. En la sala 15 se proyectan "Las aventuras de Mr. West en el país de los bolcheviques" (una interesante parodia norteamericana sobre Rusia). Finalmente, en la sala 16 se proyecta otro video titulado "Fiebre de ajedrez" junto con una fotografía de Man Ray que representa a Duchamp jugando al ajedrez (1924); y en la última sala (sala 17) se puede ver un vídeo de Chaplin titulado "Armas al hombro" (1918) así como la octavilla del Manifiesto Dadá titulada "El dadá lo levanta todo" (1921).
Lo mejor: "Figura roja" de Nadezhda Udaltsova
Comentario: Como suele suceder cuando se visitan exposiciones del Museo Reina Sofía, en esta ocasión nos volvemos a encontrar con una exposición muy trabajada en la que el trabajo del equipo se puede apreciar en cada obra, en cada sala y en cada sección. Se trata de una exposición muy completa, con una selección de obras dispuestas en un orden impecable. La exposición propone que entendamos los vínculos entre los movimientos de vanguardia y Rusia en una época convulsa, centrándose en la experiencia dadaísta y acotada temporalmente entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Lenin. Como siempre, ahondan mucho en el tema que tratan y presentan al público un trabajo intelectual consolidado y serio. Aprovechan los espacios para incluir en la visita obras de carácter multimedia e incluyen paneles explicativos para que uno no se pierda. Da gusto visitar estas exposiciones que, además, enseñan aspectos de la historia del arte poco conocidos que merece la pena explorar.
Puntuación:Sobresaliente
Datos prácticos: "Dadá ruso: 1914-1924" Museo Reina Sofía. Del 6 de junio al 22 de octubre 2018. Precio 10 euros (se puede visitar el resto del museo con la entrada). No hace falta audioguía pues hay suficientes paneles explicativos para entender toda la exposición. En Internet se facilita un "dossier de prensa" que también resulta muy didáctico para entender un poco más la exposición. 

Cecil Beaton: Mitos del siglo XX

En pocas palabras: Exposición incluida en la selección oficial de PhotoEspaña 2018. Se trata de una retrospectiva de la obra del fotógrafo Cecil Beaton.
Organizadores: Comisarias: Joanna Ling, responsable del departamento The Cecil Beaton Studio Archive Sotheby’s Picture Library y Oliva María Rubio, Directora artística de La Fábrica.
Descripción: En la primer sala nos encontramos con un gran panel explicativo que destaca la importancia de Cecil Beaton en su contexto histórico así como grandes hitos de su carrera como el hecho de que ganara dos óscars (uno por dirección artística y otro por diseño de vestuario).

Entrada a la exposición

A continuación, comienza el recorrido de esta exposición que consta de cuatro secciones temáticas:

• Cine y Hollywood: En esta sección se exponen las fotografías que Cecil Beaton realizó de estrellas de Hollywood. Sin ánimo de citarlas a todas, destacamos los retratos de Marlene Dietrich coetáneo de la época en que realizó la película "El diablo era mujer" así como las fotografías agrupadas de Gary Cooper, John Wayne y Buster Keaton. También se expone una fotografía de Orson Welles (1937) en la que se aprecia la influencia del surrealismo en esos años. Por otra parte, podemos contemplar a Deborah Kerr cuando representaba la obra de George Bernard Shaw "La casa de los corazones rotos" con vestuario de Cecil Beaton o a Vivien Leigh también con vestuario de Cecil Beaton posando en la época de "Ana Karenina". En la pared de la derecha, hay abundantes fotografías (algunas de ellas en color) de grandes artistas como Audrey Hepburn, Marilyn Monroe, Julie Andrews, Joan Crawford, Ingrid Bergman, Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Marlon Brando, y Barbra Streisand.

  

  Audrey Hepburn, fotografía de Cecil Beaton
• Arte y cultura: Esta sección pretende poner de relieve aquellas fotografías de figuras internacionales del arte y la cultura como David y Gala (1936), Picasso en su estudio de la Rue des Grands Augustins (1944), Georgia O'Keeffe, Dora Maar en su estudio de Paris (1944), Francis Bacon, Giacometti, Kokoschka, y Chagall. Pero también otras artistas como la escultora Louise Nevelson (1978), Mick Jagger (1969) o Maria Callas (1957). En la siguiente sala de esta misma sección nos encontramos con las deliciosas fotografías de Gertrude Stein y su compañera Alicia B. Toklas (1937),  Colette (1930) y la fotografía intimista de Jean Cocteau con Jean Marais (finales de 1940). Ttambién se exponen fotografías de Arthur Miller, Tennesse Williams y André Malraux (entre otros).
• Moda y belleza: Cecil Beaton fotografió a numerosos iconos de la moda. En esta sala se exponen las fotografías a modelos como Twiggy, Penelope Tree y otras personalidades del mundo de la moda como Helena Rubinstein, Christian Dior, Coco Chanel o Balenciaga. Destacan también fotografías de bailarines como Nuréyev y bailarinas como Martha Graham.
• Sociedad y política:  Finalmente, en el último tramo de la exposición, se exponen fotografías de personajes del mundo de la política o la sociedad. Por ejemplo, hay fotografías de los Duques de Windsor (1937), de la reina Isabel II posando con su hijo recién nacido (el Príncipe Carlos) en 1948 o durante su coronación en 1953. También se exponen fotografías de la Princesa Margaret en su boda con Anthony Armstrong-Jones y de Churchill en 1940 cuando era Primer Ministro. En las vitrinas del final de la exposición se exponen folletos y portadas de revistas "Life" con fotografías del artista como aquella que hizo de una niña de 3 años llamada Eileen Dunne destinada a captar fondos americanos que ayudaran a recuperar la Europa de la posguerra.

 Lo mejor: La fotografía de Audrey Hepburn posando en bicicleta en el plató de "My Fair Lady" (1963).
Comentario: Se trata de una exposición bastante completa que traza la trayectoria de Cecil Beaton como fotógrafo. Junto a cada una de las fotografías hay un pequeño panel explicativo que contextualiza la obra en un momento concreto y aporta datos relevantes sobre la identidad del personaje retratado. La instalación, como siempre en la Fundación Canal, está muy cuidada y resulta elegante. Así, en el último tramo de la galería de fotografías se ha intentado reproducir con una valla blanca una de las escenas de la película "My Fair Lady" (aquella que tiene lugar en las carreras de caballos de Ascot). Pero lo que de verdad merece la pena son las fotografías en sí, todas sorprendentes y algunas muy curiosas. 

Dalí y Gala, fotografía de Cecil Beaton

Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: "Cecil Beaton: Mitos del siglo XX". Fundación Canal. Del 31 de mayo al 19 de agosto de 2018. Entrada gratuita. L-M-J-V-S-D-F 11-20h. Miércoles 11-15h.

Brassaï

Un traje para dos en Magic City

En pocas palabras: Según dice el dossier de prensa, esta exposición es la primera exposición retrospectiva de Brassaï organizada desde el año 2000 (Centro Pompidou) y la primera que tiene lugar en España desde 1993. Se trata por tanto de una excepcional ocasión para apreciar las fotografías de Brassaï.
Organizadores: Fundación Mapfre. Comisario: Peter Galassi, conservador jefe del Departamento de Fotografía del Museum of Modern Art de Nueva York entre 1991 y 2011.
Descripción: El contenido de la exposición no es cronológico sino temático. El recorrido consta oficialmente de 12 secciones, aunque nosotros consideramos que son 13 porque algunas salas están divididas en varios ámbitos:

• París de día: En la primera sala, la exposición arranca con fuerza con obras procedentes del Metropolitan Museum de Nueva York como "París" (1933-35); del Museum of Modern Art de Nueva York como "Accidente en el extrarradio" (c. 1932); y la famosa "Escalera de Montmartre" de 1927 de la Estate Brassaï Succesion de Paris. También se expone el autorretrato de 1932 en el Hôtel des Terrasses (c. 1932). Personalmente, nos quedamos con la famosa secuencia de fotografías de "Un hombre muere en la calle" (Boulevard Augsute-Blanqui, 1932).
• Minotaure: "Minotaure" es la revista de arte lanzada en junio de 1933 por el editor suizo Albert Skira. En esta segunda sala se exponen en una vitrina ejemplares de esta revista con fotografías de Brassaï de cuerpos femeninos desnudos. También se expone, por ejemplo, uno de los números de la revista con un artículo escrito por el artista titulado "Du mur des cavernes au mur d'usine" con fotografías de grafitis hechas también por Brassaï.
• Grafitis: En esta misma sala se expone otra sección titulada "Grafitis" con diversos grafitis fotografíados por Brassaï. La mayoría son obras "Sin título" datadas a mediados del siglo XX.
• Sociedad: En esta segunda sala también hay un espacio titulado "Sociedad" en el que se exponen fotografías de veladas de gala como "Saliendo de Au Lapin Agile" (1935); "Velada de gala en Maxim's" (1949) y un interesante "Retrato de Christian Dior en su casa" (1947).
• Personajes: Esta sección incluye diversos personajes como "La Môme Bijou" en el Bar de La Lune (1932). Puede que recordéis un dibujo inspirado en esta fotografía, hecho por el personaje de Jack Dawson ("Madame Bijou") en la película "Titanic".
• Lugares y cosas: Esta sección está en la misma segunda sala y en ella se incluyen fotografías audaces como "La Sagrada Familia de Gaudí" (1954) dividida a lo largo de su eje vertical.
• Sueño: Esta sección, situada en la tercera sala, incluye fotografías de personajes durmiendo realizadas para la revista "Labyrinthe" de Skira tras el cierre de "Minotaure" en 1939.  Destacan por ejemplo "Tramoyista durmiendo en Folies Bergères" (1932).
  
• París de noche: Una vez en la segunda planta nos encontramos con las fotografías más célebres del artista. En esta sección se encuentran las fotografías que fueron publicadas en el libro "Paris de Nuit" (París de noche) publicado en 1932. Se expone la portada del libro "Paris de Nuit" junto con un autorretrato de Brassaï en una calle de París de noche ( Boulevard Saint Jacques, 1930-32), posando con su cámara Voigtländer Bergheil y un trípode. Además, nos encontramos con fotografías interesantes como "Adoquines parisinos" (1931-32) o "Una de mis primeras fotos nocturnas" (1929) donde podemos ver una hilera de árboles apenas iluminados que ya reflejan esas imágenes nítidas, estables, nada espontáneas que le caracterizan. También podemos apreciar la "Vista de París desde Notre Dame hacia el Hôtel Dieu y la torre Saint Jacques" con la gárgola a la derecha (1933) y los "Desatascadores de pozos negros cenando en el distrito de Saint Paul" (1931-32). 

  

  La Môme Bijou

• Placeres: En esta sección nos encontramos con fotografías que ilustran los bailes, las Folies Bergères, las ferias de barrios, y otros entretenimientos nocturnos (cafés, bares, salones de baile). En particular, destacan las fotografías de Kiki de Montparnasse como "Kiki en el cabaret des Fleurs" (1932) o "Kiki con sus amigas Thérèse Treize y Lily" (c. 1932). También son espectaculares las icónicas fotografías de la noche en el Magic City, un famoso baile frecuentado por homosexuales que durante la Cuaresma se disfrazaban de personas de la burguesía. Así, destacan la elegante fotografía "Un traje para dos" (1932). También resultan muy interesantes las fotografías "Conchita en la atracción de feria Sa Majesté, la femme" (Boulevard Auguste Blanqui, c. 1933) y "Conchita con unos marineros en un café Place d'Italie" (1933). El uso creativo d elos espejos en los bares y cafés parisinos se puede apreciar en fotografías como "Un grupo animado en Bal des Quatre Saisons" (rue de Lappe, c. 1932). No podíamos dejar de mencionar la famosa "Pareja en un café cerca de la Place d'Italie" (c. 1932). Antes de llegar a la siguiente sección, pasamos por una sala circular en la que se presentan todas las páginas del libro "Paris de Nuit" por medio de un vídeo.

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  Pareja en un café cerca de la Place d'Italie

• La siguiente sección no lleva título pero engloba, con carácter general, fotografías de prostitutas y maleantes. En ella se exponen, por ejemplo, obras como "Prostituta" (rue de Lappe, c. 1932); "Prostituta joven" y "Prostituta con traje de primavera" (cerca de la Place d'Italie, todas de 1932); así como "Dos maleantes" (cerca de la Place d'Italie, 1932-33) o "Dos policías con capa en bicicleta" (1932-32. En la pared de la izquierda de esta misma sección se exponen fotografías hechas en el interior de un prostíbulo conocido como "Chez Suzy" como "Retrato de la sous-maîtresse" o "El momento de la presentación" y también otras obras con escenas de chicas con clientes o una mujer después del servicio de espaldas a un espejo.
  
• Cuerpo de mujer: La siguiente sección oficial incluye dibujos que realizó Brassaï durante su estancia en Berlin como estudiante (1921-22) y durante la ocupación (1943-45). Por ejemplo, "Desnudo" hecho a carboncillo sobre papel. También se expone una escultura titulada "Ariane" de 1971 realizada en mármol rojo. En la vitrina de la izquierda, se exponen diversas revistas que publicaron fotografías de Brassaï como "Regards" (número 155) en la que la contraportada incluía una fotografía de Brassaï para anunciar el artículo "Les travaux forcés de l'amour" (1936).
• La calle: Continuando en la misma sala que la sección anterior, se abre este siguiente ámbito que recoge fotografías realizadas por Brassaï durante sus viajes para el Harper's Bazaar. La importancia de estas fotografías también radica en que el artista sustituye la técnica de las placas de vidrio por la de la cámara en mano con carrete, más práctica para los viajes. Destacan fotografías como "Barquero cerca del Pont Neuf" (c. 1935); "Amantes en la Gare Saint Lazare" (c. 1937); "Vallauris" (1946); "Conversación en Madrid" (1950-51); "Señoras en Monte Carlo" (c. 1934); "Cantante de gospel en Chicago" (1957); y "Desfile de Pascua en la Quinta Avenida de Nueva York" (1957).
• Retratos de artistas, escritores y amigos:La exposición termina con las fotografías que Brassaï hizo a sus amigos, artistas y escritores. No vamos a enumerarlos todos, sino algunos para que os hagáis una idea. Se incluyen retratos a Ionesco, Oska Kokoschka, Jacques Prévert, Jean Genet, Henry Miller, Anaïs Nin, etc. El cierre de esta exposición lo constituyen tres fotografías: "Dali y Gala en Villa Seurat" (Paris, 1932-33); "Matisse y su modelo" (Paris, 1939); y "Picasso en la Rue des Grands Augustins" (Paris, 1939).  

Lo mejor: "Un traje para dos" en el baile del Magic City.
Comentario: La exposición es muy completa y da una visión de conjunto de la obra fotográfica del artista. Aunque no vamos a citarlas todas, las obras procedían de numerosas instituciones entre las que destacan The Art Institute of Chicago, The Museum of Fine Arts (Houston), The Metropolitan Museum of Art (Nueva York), The Museum of Modern Art (Nueva York), el Musée National d’art moderne-Centre Pompidou (París), The Philadelphia Museum of Art, The San Francisco Museum of Modern Art, etc. Los paneles explicativos aportaban suficiente información como para seguir el hilo de la exposición incluyendo algunos datos biográficos y también algunas aportaciones sobre la técnica utilizada por el artista. También se incluyen algunos dibujos, un grabado (una xilografía titulada "Desnudo" datada en c. 1918) y una escultura. Por lo tanto, se trata de una exposición muy completa. La elección del criterio temático para agrupar las obras en lugar del criterio cronológico es discutible pero no merma la oportunidad de contemplar estas fotografías y de entenderlas dentro de su contexto histórico. Además, muchas de las obras reunidas en la muestra son las más famosas del artista por lo que la ocasión de apreciarlas juntas no se puede desaprovechar. 
Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: "Brassaï" Fundación Mapfre-Recoletos, Del 31 de mayo al 2 de septiembre. L 14-20h. M-S 10-20h. D-F 11-19h. Entrada 3 euros. 

La bailarina del futuro: de Isadora Duncan a Joséphine Baker

En pocas palabras: Exposición que se puede visitar en la Fundación Telefónica que dedica diversos espacios a figuras de la danza femenina de finales del siglo XIX y principios del siglo XX como Isadora Duncan, Tórtola Valencia y Joséphine Baker (entre otras).
Organizadores: Fundación Telefónica. Comisariada por Miguel A. Delgado y María Santoyo. 
Descripción: El recorrido consta de diversos espacios, cada uno de ellos dedicado a una figura femenina de la danza.

• El primer espacio está dedicado a la danza. Los primeros paneles como el de "La notación de la danza" nos hablan del origen de la danza y, sobre todo, del origen de la documentación de la danza indicando que no es hasta el Renacimiento cuando la danza es recogida en manuales teóricos. En el panel "Arquitectura de interior" se aportan detalles sobre los corsés y la moda femenina de finales del siglo XIX. En una vitrina se exponen diversos objetos procedentes del Museo Arqueológico Nacional como ánforas con figuras que representan escenas de baile.
• Continuamos con el primer espacio dedicado a una figura de la danza: Isadora Duncan. Se exponen diversos paneles explicativos de su biografía y se destaca su aportación al mundo de la danza. Si recordamos los corsés que se exponían al principio, con Isadora Duncan se rompe con al idea encorsetada del ballet clásico porque ella propuso una liberación de los movimientos del cuerpo femenino en la danza.
• El siguiente espacio está dedicado a la figura de Joséphine Baker. Se exponen algunos carteles de sus actuaciones en París como el de las Folies Bergère. 

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  Cartel de Joséphine Baker en las Folies Bergère

  En el espacio dedicado a Tórtola Valencia se expone su baúl de viajes y un traje utilizado por la artista durante una célebre actuación. Se exponen también diversas fotografías de la artista realizando su famosa "Danza de la Serpiente". Se acompañan diversos paneles biográficos que destacan la aportación de la bailarina al mundo de la danza destacando su fascinación por lo oriental.
• En el espacio titulado "París, ville lumière" se encuentra un ámbito dedicado a la bailarina Loïe Fuller. Algunos la recordaréis por las litografías de Jules Chéret o Georges de Feure.Pues bien, en esta exposición se presenta otra litografía menos conocida de la artista: el cartel de cabaré diseñado por Jean de Paleologou.En una instalación que incluye un vídeo de realización contemporánea se explican los métodos encontrados por la bailarina para crear esa sensación única de movimiento que unía baile con técnicas sofisticadas de iluminación que unían luz, color y movimiento.
  

  

  Loïe Fuller: cartel dePaleologou.

  
  

  

   Loïe Fuller, litografía de Jules Chéret

  
  

  

  Loïe Fuller como Salomé, litografía de Georges de Feure

  
  

• En el espacio dedicado al "Cine en danza" se comenta la presencia de bailarinas en las primeras películas. El siguiente ámbito se dedica al "Expresionismo y musical americano" centrándose en la figura de Mary Wigman. Le sigue un ámbito titulado "La mujer en la república de Weimar". Destaca una serie de fotografías dedicadas a la bailarina Martha Graham en una danza llamada "Lamentation" (1930). Sobre la figura de Martha Graham se exponen diversos carteles titulados "Los arquetipos y los mitos" y "El método Graham". Sobre ésta última sección, destaca la representación en una gran instalación con vídeos de los bailes experimentales sobre las emociones de la alegría, tristeza, ira, miedo, amor y deseo. 
• En el ámbito titulado "Del cuerpo de baile al grupo horizontal" se le dedica una espacio a la bailarina Doris Humphrey que rompe con el clasicismo del baile al introducir la noción de grupo en el que el protagonismo se reparte por igual. El panel "Danza y Kinestesia" destaca su importancia como teórica de la danza.
  

Lo mejor: Lo mejor de la exposición es que permite analizar las diversas aportaciones de mujeres bailarinas en la historia de la danza.
Comentario: El contenido de la exposición está muy bien documentado. Cada espacio dedicado a una bailarina se centra en los aspectos biográficos más importantes y su aportación dentro del mundo de la danza. El recorrido narra, pues, una historia de la danza desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX a través de sus figuras femeninas más destacables. Sin embargo, la presentación de objetos se queda un poco corta. Hay numerosas instalaciones, algunos fondos documentales, carteles y fotografías; pero quizás se queda un poco corto de contenido. La idea conceptual de la exposición está no obstante bien desarrollada porque lo poco que hay se luce mucho y permite al espectador comprender la evolución del baile en el periodo mencionado. Quizás lo que más me pareció fuera de contexto fueron las ánforas y otros objetos de cerámica griega con imágenes de la danza que se encontraban al principio de la exposición. Aún con todo, el objetivo de la exposición -que según el folleto informativo consiste en "presentar la danza del cambio de siglo como una forma de arte nuevo, con vocación de vanguardia, autónomo y liderado por mujeres"- se cumple perfectamente.
Puntuación: Aprobado.
Datos prácticos: "La bailarina del futuro: de Isadora Duncan a Joséphine Baker". Del 23 de marzo al 24 de junio en el Espacio Fundación Telefónica. Entrada gratuita.

Rubens: pintor de bocetos

Apolo y la serpiente Pitón, boceto de Rubens (1636)

En pocas palabras: Se trata de una exposición cuyo objetivo es llamar la atención sobre la figura de Rubens como pintor de bocetos pintados al óleo. Es decir, bocetos que no consistían en dibujos de tamaño pequeño y en papel sino en auténticos óleos preparatorios para la posterior obra.

Organizadores: Museo del Prado y Museo Boijmans Van Beuningen con el patrocinio de la Fundación AXA y con la colaboración del Gobierno de Flandes.
Descripción: El recorrido consta de 5 salas sin título. La exposición arranca con un panel explicativo de la importancia del boceto como trabajo preparatorio. En este sentido, el folleto define el concepto de boceto como "un cuadro pintado al óleo sobre un soporte de lienzo o tabla como preparación para otra obra".

• Sala 1ª: Se exponen diversas obras acompañadas de bocetos al óleo realizados por Rubens y otros artistas. Por ejemplo, "La oración en el huerto" (boceto al óleo) de Tintoretto (1600) se expone junto con "Todos los santos", un cuadro abocetado de Rubens (1613). En la misma sala, se expone "El prendimiento de Sansón" y "La ceguera de sansón": 2 bocetos preparatorios de Rubens para un mismo cuadro. En esta primera sala se documenta la forma de trabajar de Rubens con, en primer lugar, dibujos a carboncillo como "Dos hombres luchando" (carboncillo y pluma sobre papel, datado en 1605-08) y, en segundo lugar, el boceto al óleo con color (que era más duradero) como "La pesca milagrosa" (1610). También se exponen bocetos sin terminar o de los que incluso se desconoce el cuadro final para el que se hicieron como "La caza del león" (1615). Especialmente interesante resulta el manuscrito Bordes o cuaderno con apuntes del Hércules Farnesio que Rubens realizó durante un viaje a Italiana.
• Sala 2ª: La función de los bocetos iba desde enseñar al cliente cómo sería la obra final del encargo o enseñar a los discípulos de su taller lo que quería pero la mayoría se utilizaban para definir la composición de la obra final. En esta segunda sala se exponen pinturas preparatorias o bocetos para encargos: para el techo de la Iglesia de los jesuitas de Amberes (como "La explusión de Adán y Eva del Paraíso" 1620); la serie de la Eucaristía que consiste en bocetos para tapices dedicados a la Eucaristía, un encargo de la Infanta Isabel Clara Eugenia para el Monasterio de las Descalzas Reales (destaca "Los defensores de la Eucaristía" entre los 6 bocetos de esta serie que se exponen); y la serie de Aquiles también para tapices como "Aquiles matando a Héctor" (1635). 
• Sala 3ª: Se expone el libro "Pompa Introitus" hecho de aguafuertes sobre pergamino iluminados y el boceto de Rubens para la portada hecho en 1638 en óleo sobre tabla (monocromo pues iba destinado a grabado). 
• Sala 4ª: Esta sala se centra en la representación de alegorías. Por ejemplo, se expone el boceto de Rubens para "Las tres gracias" (1630). También los bocetos para el techo de la Banqueting House de Londres como "La paz abrazando la abundancia" que simboliza la union entre las coronas de Inglaterra y Escocia. 
• Sala 5ª: En esta sala destaca la vitrina que expone bocetos al óleo para la Torre de la Parada, encargo de Felipe IV a Rubens en 1636. En estos bocetos se aprecian la delgada imprimación que funciona como un fondo; las frecuentes líneas verticales negras para encajar las figuras en la composición; y las líneas pequeñas o marcas incisas en los bordes de la tabla que tienen que ver con la transferencia de estas imágenes pequeñas a cuadros finales de mayor tamaño. Como ejemplo, mencionar "Apolo y la serpiente Pitón" (1636) o "Deucalión y Pirra" (1636).

Lo mejor:  La oportunidad de contemplar y aprender la forma de trabajar de Rubens.

Comentario: Se conocen 500 bocetos pintados por Rubens de los cuales la exposición reúne unos 80. Muchos de ellos proceden de distintas instituciones como el Louvre, el Hermitage, la National Gallery o el Metropolitan de Nueva York además de los conservados por el propio Museo del Prado y el Museo de Boijmans. En conclusión, diría que la exposición es bastante completa. Además, todos conocemos la existencia de dibujos preparatorios pero bocetos realizados a óleo como pintura preparatoria es algo más inusual y Rubens se considera uno de los artistas que más empleó esta técnica. Por ello, el interés artístico de la exposición es indiscutible. Por otra parte, destacar que la exposición incluía numerosos paneles explicativos de las obras que aportaban suficiente información sobre lo que se estaba viendo: no sólo incidían en los aspectos iconográficos de las obras sino que también, y eso es de agradecer, documentaban el proceso creativo de Rubens explicando la función e importancia del boceto en el contexto de la obra final. En este sentido, la exposición es muy completa.    
Puntuación: Sobresaliente. 
Datos prácticos: "Rubens: pintor de bocetos", Museo del Prado. Horario L-S 10h-20h. D-F 10h-19h. Entrada 15 euros.Del 10 abril 2018 al 5 agosto 2018.

In Lapide Depictum: pintura italiana sobre piedra (1530-1555)

En pocas palabras: Se trata de una pequeña exposición (que consta de una única sala) en la que podemos contemplar pinturas realizadas sobre pizarra de Tiziano, Sebastiano del Piombo, Leandro Bassano y Daniele da Volterra.
Organizadores: Museo del Prado con la colaboración de la Fundación Iberdrola. Comisariada por Ana González Mozo, del Museo del Prado.
Descripción:  Se trata de una única sala en la que se exponen diversas obras de pintura sobre pizarra y mármol. En particular, obras del Renacimiento italiano. Partimos de "Teseo y el Centauro" (pintura sobre mármol blanco, la denominada "piel de los dioses" según Plinio) que data de c. 20 a.C. - 37 d.C. para continuar con un óleo sobre pizzara de Tiziano titulado "Ecce Homo" y datado en 1547. También se exponen diversos minerales en una vitrina como yeso selenítico, pizarra, graptolitos y trilobites. El resto de obras consiste en óleos sobre pizarra: "Retrato de un joven" de Da Volterra, y"Cristo con la cruz a cuestas" y "Piedad" de Sebastiano del Piombo. En ellos se puede apreciar cómo sobre el fondo oscuro y la superficie estriada del mineral se crea la ilusión de cuerpos que salen de la roca.

Ecce Homo, óleo sobre pizarra de Tiziano

Lo mejor: La originalidad de la propuesta y el hecho de que algunas obras han sufrido un proceso de restauración antes de ser expuestas. 
Comentario:La propuesta es muy interesante y consta de un trabajo previo de análisis y restauración que la hacen más relevante desde un punto de vista investigador. Eso se traslada a la sala del museo ya que su visita resulta muy atractiva. Personalmente, desconocía la existencia de obras hechas a óleo sobre pizarra y menos aún que Tiziano, del Piombo o Bassano las hubieran realizado por lo que he aprendido cosas y he disfrutado mucho de esta pequeña pero original exposición.
Puntuación: Notable.
Datos prácticos: "In lapide depictum: pintura italiana sobre piedra 1530-1555": Museo del Prado. Horario L-S 10-20h. D-F 10-19h. Entrada 15 euros.Del 17 abril al 5 agosto 2018.

“Duchamp, Magritte, Dalí: revolucionarios del siglo XX"

En pocas palabras: Una exposición realmente completa se expone esta primavera en el Palacio de Gaviria. Se trata de la exposición "Duchamp, Magritte, Dalí: revolucionarios del siglo XX. Obras maestras del Museo de Israel, Jerusalén" que incluye muy diversas obras centradas en dos de las vanguardias más conocidas: dadaísmo y surrealismo.  
Organizadores: La compañía italiana Arthemisia, Arts Projects, la Fondazione Cultura e Arte, el Museo de Israel en Jerusalén, el Ayuntamiento de Madrid y la Embajada de Israel en España. Comisariada por Adina Kamien-Kadzan, comisaria del Museo de Arte Moderno de Israel.
Descripción:  El recorrido consta de 5 secciones delimitadas por colores. Algunas secciones incluyen diversas salas. La exposición arranca con un panel informativo sobre lo que diferencia el dadaísmo del surrealismo y aporta datos significativos sobre su contexto cultural. Se incluye también un video introductivo que pone de manifiesto la importancia y el significado de algunas de las obras que se podrán ver luego durante el recorrido. Finalmente, la audioguía también incluye una introducción sobre dadaísmo y surrealismo. A continuación, comienza el recorrido:

• "El deseo, la musa y la violencia": Las primeras salas se centran en la relación del surrealismo con la figura de la mujer y del deseo en general. Destacan fotografías de Man Ray como "Magnolia del mediodía" que se exponen junto con las de Dora Maar como "Retrato de Nusch Eluard". Se expone una escultura de mujer con cremalleras en los ojos realizada por Marcel Jean y titulada "El espectro de gardenia". En la segunda sala de esta sección destacan diversas obras como las fotografías de Bayer "El beso"; Brassaï "Cliché Verre"; y Halsman "La calavera de Dalí". La tercera sala de esta sección incluye el famoso "Dalí Mona Lisa" también de Halsman y es en esta sala donde el arquitecto Oscar Tusquets Blanca ha incluido una instalación que reproduce el cuadro de Dalí "Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista". La instalación reproduce a tamaño natural el sofá-labios, las cortinas-pelo, la chimenea-nariz imaginadas por Dalí como retrato habitable. La exposición permite al visitante hacerse una foto sentado en el sofá-labios. ¡Toda una experiencia surrealista! :-)
• "Yuxtaposiciones maravillosas": Esta sección incluye una gran sala diáfana con numerosas obras destacables, entre ellas numerosos ready-mades. Por ejemplo, la famosa "Rueda de bicicleta" de Duchamp;  su"Escurrebotellas" que cuelga del techo; y "50 cm3 de aire de París" en una ampolla de vidrio de Man Ray. También se exponen  ensamblajes (assemblages) como "Lo que nos falta a todos" por Man Ray. En la segunda sala de esta sección hay un espacio dedicado a la mujer artista Hannah Höch que no debe pasar desapercibido. Se expone su obra "Sin título" (1922) que consiste en un collage. En la sala diáfana se expone de la misma artista el excelente fotomontaje titulado "Danza dadá" (1922). 

  

  Danza Dadá, Hannah Höch

• "Automatismo y subconsciente": El objetivo de esta sección es poner de manifiesto la relación que el surrealismo tuvo con las técnicas artísticas "automáticas" que eran un reflejo del subconsciente. En esta sección que comienza en el mismo espacio diáfano que la anterior (separado por colores) se exponen un móvil "Sin título" de Calder junto con la obra "Pájaro" de Miró y "Comentarios sobre una región " de Paul Klee. Le sigue otra sala donde pondemos ver "Mujer y pájaro" de Miró junto con "Bailarina española". Especialmente interesante resultan de esta sala las fotografías de gratifis parisinos de Brassaï, apodado por Henry Miller "el ojo de París".
• "Biomofrismo y Metamorfosis": Según explica el dossier de prensa de la exposición el biomorfismo refleja la preferencia surrealista por las formas ambiguas y orgánicas. Así, destacan las esculturas de Jean (Hans) Arp tituladas "Monumento de una sombra", "Caída" y "Le falta una mejilla". Se expone también el lienzo de André Masson "Goethe y la metamorfosis de las plantas". Se incluye una obra de Leonora Carrington titulada "Ablución de las arpías de Sardanápalo" (1958). También hay obras de Yves Tanguy ("Composición", 1927) y de Max Ernst ("El bosque" realizada con la técnica del raspado o grattage).
  

  

  Goethe y la metamorfosis de las plantas, André Masson

• "El paisaje onírico":  Se exponen "Luz del hogar" de Dorotea Tanning (1952) junto con obras de De Chirico como "El soñador poético" y  de Dalí como "Ensayo surrealista". En la siguiente sala de esta sección hay  una instalación inspirada en la obra de Herbert Bayer "En busca del tiempo pasado" (en la tercera sala de la sección se expone la obra). Se incluyen también fotografías como la de Dora Maar titulada "Fotografía preliminar para 29 rue d'Astorg". Especialmente interesante resulta el lienzo de Paul Delvaux titulado "Esperando la liberación (esqueletos en una oficina)". La sala siguiente incluye el maravilloso y enigmático cuadro de Magritte "El castillo de los Pirineos" (1959) con su paisaje onírico combinado con el resultado ilusionista.Se expone también un boceto de la obra con los comentarios del artista escritos a mano. Muy importante y que no deben pasar desapercibidas a pesar de situarse casi al final de la exposición son las 3 fotografías de la famosa artista Claude Cahun: "Le coeur de pic", "Le coeur de pic -Lámina XVII" y "La carroza de la coronación". Finalmente, el último pasillo de la exposición es otra instalación que reproduce sacos de carbón, inspirada en la obra de Duchamp.
  

  

  El castillo de los Pirineos, Magritte

Lo mejor: La notable presencia de mujeres artistas como Hannah Höche, Dora Maar, Leonora Carrington, Dorotea Tanning y Claude Cahun.  
Comentario: Esta exposición incluye obras de muy diversos artistas, todas englobables dentro de lo que se podría denominar arte de vanguardias del siglo XX (de ahí su título de "revolucionarios"). Lo que más me ha gustado de esta exposición es que además de exponer a hombres artistas, han hecho un gran esfuerzo por reunir obras de mujeres artistas. Así, artistas como Claude Cahun, Dora Maar o Hannah Höch están ampliamente representadas en el recorrido. Otra cosa a favor es la destacable presencia de suficientes paneles de información como para que además de mirar y contemplar las obras también podamos aprender y entender lo que vemos. La audioguía facilita la lectura porque incide en determinados aspectos artísticos. Además de los paneles explicativos de las obras y de la audioguía, se puede obtener información rápida sobre cada uno de los artistas expuestos gracias a los paneles específicos que unifican la presencia de obras junto con el nombre del artista. En definitiva, el nivel informativo de la exposición es muy completo y eso es de agradecer. Que además hayan optado por no obviar la presencia de mujeres artistas en los movimientos de vanguardia que comúnmente se asocian más a nombres poderosos de la historia del arte como Duchamp o Man Ray la convierten en una exposición puntera. Me parece que su visita es muy recomendable. Quizás lo único menos favorable es su título porque da a entender que nos vamos a encontrar con una exposición de tres artistas cuando en realidad es mucho más que eso.
Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: "Duchamp, Magritte, Dalí: revolucionarios del siglo XX. Obras maestras del Museo de Israel, Jerusalén". Palacio de Gaviria (calle Arenal). Del 10 de abril al 15 de julio de 2018. Entrada 13 euros. Audioguía incluida en el precio. Horario: L-J y D 10h-20h. V-S 10h-21h.