Victor Vasarely: el nacimiento del Op Art

Trybox (1979)

En pocas palabras: Exposición monográfica sobre un artista húngaro que tuvo un papel importante en el desarrollo de la abrastracción geométrica y es un destacado representante del arte óptico (Op Art) y del arte cinético.
Organizadores: Museo Thyssen. Comisario: Márton Orosz.
Descripción:El recorrido consta de 9 secciones. Están ordenadas cronológicamente según las principales fases creativas de la carrera de Vasarely. Antes de entrar en la exposición, hay un gran panel con la biografía del artista en la que destaca que su pareja fue la galerista Denise René.

• "Estructuras Vega": En esta sección nos encontramos con obras en las que la deformación de una retícula de dos dimensiones genera paisajes abstractos trimidencionslaes con elevaciones y depresiones y efectos ilusionistas. Destacan por ejemplo obras como "Manipur negativo" (1971) o "Vega" (1957-59). Es importante resaltar la utilización de técnicas múltiples como el acrílico sobre lienzo o la serigrafía sobre papel. 
• "Periodo gráfico": En esta sala se exponen diversos estudios como "Hombre en movimiento - estudio del movimiento" (1943) y "Estudio de materiales (madera)" (1939) que preludian las composiciones más abstractas posteriores. 
• "Estudios precinéticos y Naissances": Aquí nos encontramos con retículas y obras semifigurativas como "Cebras" (1939). También se expone un tapiz de lana titulado "Cebra" (1938-60). 

  

  Cebras (estudio precinético) 1939

• "Belle-Isle/Cristal/Denfert": Esta sección muestra la evolución de lo semi-figurativo a la plena abstracción. Destacan las obras en las que estudia la geometría de piedras pulidas por las olas como "Versant" (1952) que es un óleo sobre contrachapado. 
• "Periodo blanco y negro (arte cinético)": Esta interesante sección se centra en obras en las que se incluyen contrastes entre blanco y negro para sugerir movimiento. Hay un efecto de movimiento visual, vibrante, realizado con la combinación de elementos geométricos al mirar las obras. Así sucede, por ejemplo, en "Afa III" (1957-73). 
• "Sistemas universales a partir de un alfabeto plástico": Aquí nos encontramos con obras en las que Vasarely aspira a crear una gramática visual con formas básicas y estructuras que recuerdan a panales como "Bi-Octans" (1979); "Eclipes 1,2,3 y 4" (1957-58) o "Pavo II" (1979). 
• "Algoritmos y permutaciones": La idea que subyace en esta sección es la de generar a partir de un conjunto básico de elementos un número infinito de composiciones distintas. Esto es así en "Hegyez" (1977) o "Trybox" (1979). 
• "Folclore planetario" : En esta sección nos encontramos con obras (la mayoría collages) en las que Vasarely demuestra su teoría de que los colores y formas podían comunicar.  

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  Sala "Folclore Planetario": obras Sembe, Ferde y EG-1-2

• "Mútliples": La última sección incluye la proyección de dos documentales que combinan música con las obras de Vasarely y también se exponen diversos objetos como  "Kroa-MC" (1969) que crea efectos de luz y color interesantes. 

  

  "Kroa-MC" (1969)

Lo mejor: "Cebras (estudio precinético)", 1939.
Comentario: La exposición cumple con el objetivo de ser una muestra monográfica sobre el artista ya que incluye numerosas y representativas obras de Vasarely. Además, se aprecia el esfuerzo de reunir un gran número de obras de distintas procedencias entre las que destacan el Museo Vasarely de Budapest, el Museo Victor Vasarely de Pécs y la Fundación Vasarely de Aix-en-Provence, además de otros préstamos de colecciones privadas. El recorrido incluye las principales fases creativas de Vasarely y hay suficientes paneles informativos como para entender lo que se está viendo. También permiten obtener un folleto que reproduce lo escrito en los paneles. No hace falta audioguía para visitar esta exposición. 
Puntuación:Notable.
Datos prácticos: "Victor Vasarely: el nacimiento del Op Art". Museo Thyssen. Del 7 de junio al 9 septiembre de 2018. Horario hasta el 1 de septiembre: M-S 10-22h. D 10-19h. Horario a partir del 1 de septiembre: M-D 10-19h. S 10-21h. Entrada 12 euros + Audioguía 4 euros.

Disney: el arte de contar historias

En pocas palabras: Una exposición veraniega divertida e interesante para los amantes del dibujo, la animación y los cuentos.
Organizadores: Obra Social ”la Caixa”
y Walt Disney Animation Research Library. Comisariado: Equipo comisarial de la Walt
Disney Animation Research Library.
Descripción: El recorrido consta de 5 espacios delimitados por unas coloridas instalaciones que envuelven al visitante en el mundo de la animación y los cuentos.

• Tras el panel introductorio comienza el primer espacio que se titula "Los mitos" y se centra en aquellas películas de Disney relacionadas con mitos de la antigüedad como "El rey Midas" (1935), "La diosa de la primavera" (1934), "Fantasia" (1940) y "Hércules" (1997). En este espacio se proyecta un vídeo titulado "How Walt Disney cartoons are made" que explica cómo se hizo "Blancanieves y los 7 enanitos": el primer largometraje de Disney.
• El segundo espacio se titula "Las fábulas" y en él se proyecta un vídeo con dos dibujos animados: "Los tres cerditos" (1933) y "La liebre y la tortuga" (1935). En los paneles, se pueden contemplar ilustraciones para películas como "El saltamontes y las hormigas" (1934) inspirado en la fábula de Esopo, entre otros. Destaca una excelente composición con celuloide de "La liebre y la tortuga" (1935).  Al final de este espacio, se proyecta "El sastrecillo valiente" con Mickey Mouse (1938). 
• El tercer espacio se titula "Tall Tales: los cuentos norteamericanos". En este espacio descubrimos historias menos conocidas como "La leyenda de Juanito Manzanas" (1945) y "John Henry" (2000). 
• Continuamos con un espacio cuya instalación verde reproduce un bosque. Se trata del espacio titulado "Las leyendas". Aquí nos adentramos en ilustraciones de conocidas películas como "Robin Hood" (1975) o "Merlín el Encantador" (1963), inspirada en la leyenda del Rey Arturo. Se proyectan extractos de estas películas y también de "El flautista de Hamelín" (1933). 
• El quinto y último espacio titulado "Los cuentos de hadas" termina con las historias de princesas con ilustraciones para "Blancanieves" (1937), "La bella durmiente" (1959) y "La sirenita" (1989). Estas ilustraciones están realizadas a mano, de forma artesanal, y contrastan con las pinturas digitales de "Frozen" (2013). Se proyectan extractos de "La bella durmiente", "La Sirenita", "Blancanieves", "Frozen" y "El soldadito de plomo". Destacan las hermosas imágenes del reino de hielo en "Frozen".

  

  "Frozen": El Reino de Hielo (2013)

Lo mejor: La instalación de la exposición que nos sumerge de inmediato en el bosque. En cuanto a las obras expuestas me quedo con la espada de "Merlín el Encantador".
Comentario: La exposición está dedicada a Disney y, debido a que no se pueden abarcar todas sus películas porque son muy numerosas, se han seleccionado algunas utilizando como hilo conductor el "arte de contar historias" como reza el subtítulo de la exposición. De esta manera, el objetivo de la muestra queda claro: nos cuentan cómo Disney cuenta historias desde los mitos de la antigüedad a las leyendas pasando por las fábulas y los cuentos de hadas; mezclando películas antiguas como "Blancanieves y los siete enanitos" -que fue el primer largometraje- con otras más modernas como "Frozen".
Esta combinación de las cintas más vintage con películas más modernas hace que podamos apreciar la evolución que ha vivido el cine de animación: desde los primeros dibujos realizados a mano con la inestimable calidad artesanal de las primeras películas de Disney hasta las modernas imágenes relizadas en pintura digital de "Frozen".
La exposición ofrece la posibilidad al visitante de contemplar esta evolución y explorar la creatividad de la firma Disney a través de las ilustraciones expuestas que consisten sobre todo en dibujos de fondos, personajes y estudios para la dirección artística de las películas.  Desde un punto de vista artístico, podemos apreciar la calidad de sus dibujos realizados con aguadas, acuarelas, grafito, lápiz y hasta pintura digital en el caso de "Frozen". Desafortunadamente, no dejaban hacer fotos.
No se centra en los aspectos técnicos ni en la historia de la animación y creo que en algunos paneles habrían podido incluir algo de información al respecto para el público adulto. Sobre todo porque uno de los primeros vídeos titulado "How Walt Disney cartoons are made" (1938) que se encuentra en el primer espacio resulta muy ilustrativo al respecto y hubiera estado bien que el resto de la exposición ahondara un poco más en esos aspectos técnicos que hacen que las películas de Disney sean de gran calidad.
Finalmente, hay que decir que debido a la gran afluencia de público muchos de los vídeos proyectados no se escuchaban bien. En algunas láminas, había números que se correspondían con la información de la audioguía; sin ella muchos aspectos interesantes de las láminas expuestas se nos pueden pasar y es una lástima porque la exposición merecía que hubiese algunos cartelitos explicativos debajo de las obras resaltando aspectos en los que fijarnos.
Puntuación:Sobresaliente
Datos prácticos: "Disney: el arte de contar historias". Caixaforum Madrid. Del 19 de julio al 4 de noviembre de 2018. Horario L-D 10-20h. Entrada 4 euros. Recomendación: adquirir audioguía y evitar horas de afluencia de público porque hay colas. 

Lorenzo Lotto: Retratos

Retrato de una mujer inspirada en Lucrecia (1530-1533)

En pocas palabras: Se trata de una exposición monográfica sobre la obra de un artista renacentista llamado Lorenzo Lotto. Es la primera vez que se organiza una exposición sobre él de manera que la exposicion constituye una excepcional ocasión de admirar sus obras reunidas.
Organizadores: Museo del Prado y National Gallery de Londres, con el patrocinio de la Fundación BBVA.
Descripción:El recorrido está realizado siguiendo la cronología de la vida del artista y consta de 10 salas aunque algunas están en espacios diáfanos.

• En la primera sala nos encontramos con los inicios del artista en Treviso, su ciudad de origen cerca de Venecia. Podemos apreciar por ejemplo el retrato del "Obispo Bernardo de Rossi" con su cubierta. También destaca el "Retrato de joven" o la "Virgen en gloria entre S. Antonio Abad y S. Luis de Tolosa". 
• En la sala 2 (espacio diáfano a continuación de la primera sala) nos encontramos con "Elisabetta Rota medita sobre la despedida de Cristo a su madre" enfrentado a los "Desposorios místicos de Santa Catalina de Alejandría en presencia de Nicoló Bonghi". 
• La sala 3 (contigua al espacio diáfano anterior) expone obras como "Retrato de joven" (uno de los pocos retratos frontales de Lotto) junto con "Giovanni Agostino della Torre con su hijo Nicoló" (médico de Bérgamo). 
• Sala 4: esta sala se dedica al retrato matrimonial. En ella se expone el "Retrato de un matrimonio" (procedente del Museo del Ermitage) con un estudio preparatorio del mismo donde se puede apreciar la cuadrícula con sanguina. También se expone el "Micer Marsilio Cassotti y su mujer Faustina", cuadro del Museo del Prado que representa a una familia patricia de Bérgamo. 
• En la sala 5 nos encontramos con las obras adscritas al regreso a Venecia del pintor. Destacan por ejemplo obras como "Retrato de joven con libro" o "Retrato de Andrea Odoni" que era coleccionista y aparece rodeado de esculturas. En la exposición, también se ha incluido al lado de esta obra una vitrina con distintas esculturas como una "Artemisa" similar a la que aparece en el cuadro. 

  

  Retrato de Andrea Odoni por Lotto (1527)

• La sala 6 se centra en la relación de Lotto con los dominicos. Así, la estrella de la sala es la gran pala de altar titulada "San Antonino de Florencia repartiendo limosna". Pero también hay otros lienzos como el espectacular "Retrato de una mujer inspirado en Lucrecia". 
• Sala 7: se trata de la etapa de Lotto en Las Marcas. Estos años están marcados por una impronta melancólica en el artista y su pintura adquiere tonalidades más frías. Se pueden apreciar en obras como "Retrato de caballero". 
• La sala 8 se centra en criptorretratos que son retratos en los que se presenta al efigiado con los atributos del personaje con el que se identifica. Por ejemplo, "Fray Lorenzo de Bérgamo" retratado como Santo Tomás de Aquino. 
• La sala 9 incluye dibujos como el "Retrato de hombre" hecho con probable carboncillo sobre papel. 
• Finalmente, la sala 10 incluye sus últimos retratos. Destacan el "Retrato de un ballestero" que se expone junto con una ballesta similar a la representada en el cuadro. La última "obra" de la exposición - a falta de autorretrato de Lotto- es su testamento cuyo sello representa a una grulla levantando el vuelo.

Retrato de un joven  por Lotto

Lo mejor: La posiblidad de comparar juntas muchas de las obras conocidas atribuidas a Lotto.
Comentario: La exposición cuenta con paneles explicativos a lo largo del recorrido que permiten apreciar y entender todas las obras. Además, el folleto es bastante completo. Las obras están expuestas siguiendo un riguroso orden cronológico lo que es apropiado para visualizar la evolución del artista y consigue el objetivo de ser una exposición monográfica sobre el pintor. A lo largo de la muestra, hay vitrinas con algunos objetos que se ponen de relieve. Esto tiene bastante sentido si pensamos que a Lorenzo Lotto también le gustaba coleccionar objetos de diversa procedencia y en algunas ocasiones resulta muy ilustrativo como en el caso de la ballesta junto al retrato del ballestero. En general, se trata de una excelente exposición cuyo contenido y cuya ejecución resultan impecables.
Puntuación:Sobresaliente
Datos prácticos: "Lorenzo Lotto: retratos". Del 19 de junio al 30 de septiembre 2018. Museo del  Prado. Entrada 15 euros. Horario L-S 10h-20h. D-F 10h-19h. 

Dadá ruso: 1914-1924

Tristan Tzara por Robert Delaunay

En pocas palabras: La propuesta del Reina Sofía para este verano-otoño es esta exposición que trata sobre el arte de vanguardia en Rusia entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Lenin (1914-1924).
Organizadores: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Comisaria: Margarita Tupitsyn.
Descripción:El recorrido consta de 17 salas que se agrupan en 3 secciones. Todo comienza con un panel introductorio que explica el contexto de la exposición y está seguido de la primera sala que tiene una serie de fotografías como la de Hannah Höch junto a Raoul Hausmann en la Primera Feria Internacional de Arte Dadá (Berlín, 1920).

Luego pasamos a la primera sección que se titula "Protodadá y Primera Guerra Mundial". En la sala 2 nos encontramos con la proyección de la ópera anti-bélica considerada protodadaísta: "Victoria sobre el sol". Conviene quedarse unos minutos frente a ella para apreciar el carácter absurdista que tiene. La sala siguiente (sala 3) presenta diversos diseños de Malévich para la mencionada ópera. En la sala 4 destacan diversas obras, entre ellas el curioso "Autorretrato con una sierra" de Iván Kliun y "En la calle" de Olga Rózanova. La sala 5, que incluye la proyección de escenas de un documental sobre la Primera Guerra Mundial, también expone ilustraciones de Olga Rózanova para el libro "La guerra" (1916).

Continuamos con la sala 6 donde empieza la segunda sección que versa sobre "El triunfo de la Revolución". Aquí se exponen la portada original del álbum conmemorativo del levantamiento de Octubre 1917/18 junto con diversas ilustraciones muy curiosas de personajes diversos como el obrero, la lavandera, la costurera o el banquero (realizads por diversos artistas). La sala siguiente (sala 7) es una sala muy enigmática que proyecta sonidos de sirenas y de fábrica. La sala 8 expone obras como "Construcción espacial" de Klutsis (1922) y una excepcional "Figura roja" de una mujer artista: Nadezhda Udaltsova.

"Figura roja" de Nadezhda Udaltsova

En la sala 9 nos encontramos con divertidas escenografías y diseños de vestuario de Mayakovski para "Misterio bufo" (1919).

Escenografías y diseños de vestuario para "Misterio bufo" de Mayakovski 

Sigue la exposición con las salas 10 (donde, por ejemplo, se proyecta la película "El diario de Glúmov"); la sala 11 con múltiples obras de Rodchenko, Klutsis, Iván Kliun y Varvara Stepánova; y la sala 12 que trata sobre la muerte de Lenin. En esta última se expone un cuadro espectacular titulado "Sublevación o Insurrección" de Redkó (1924-25).

"Sublevación" de Kliment Redkó (1924-25)

La tercera sección se titula "Dada Bridge" y en ella nos encontramos con las últimas salas. En la sala 13 se centran en el fin de la Primera Guerra Mundial y también en el puente entre los dadaístas y los artistas rusos que viajaron a París, Berlín y Nueva York. En ella se exponen diversas litografías como los "Deportistas" de El Lisitzki.La sala 14 incluye en vitrinas textos interesantes como la carta que Tristan Tzara le dirigió en 1924 a Zdanévich. En esta sala se expone un impresionante retrato de Tristan Tzara hecho por Robert Delaunay en 1923. En la sala 15 se proyectan "Las aventuras de Mr. West en el país de los bolcheviques" (una interesante parodia norteamericana sobre Rusia). Finalmente, en la sala 16 se proyecta otro video titulado "Fiebre de ajedrez" junto con una fotografía de Man Ray que representa a Duchamp jugando al ajedrez (1924); y en la última sala (sala 17) se puede ver un vídeo de Chaplin titulado "Armas al hombro" (1918) así como la octavilla del Manifiesto Dadá titulada "El dadá lo levanta todo" (1921).
Lo mejor: "Figura roja" de Nadezhda Udaltsova
Comentario: Como suele suceder cuando se visitan exposiciones del Museo Reina Sofía, en esta ocasión nos volvemos a encontrar con una exposición muy trabajada en la que el trabajo del equipo se puede apreciar en cada obra, en cada sala y en cada sección. Se trata de una exposición muy completa, con una selección de obras dispuestas en un orden impecable. La exposición propone que entendamos los vínculos entre los movimientos de vanguardia y Rusia en una época convulsa, centrándose en la experiencia dadaísta y acotada temporalmente entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Lenin. Como siempre, ahondan mucho en el tema que tratan y presentan al público un trabajo intelectual consolidado y serio. Aprovechan los espacios para incluir en la visita obras de carácter multimedia e incluyen paneles explicativos para que uno no se pierda. Da gusto visitar estas exposiciones que, además, enseñan aspectos de la historia del arte poco conocidos que merece la pena explorar.
Puntuación:Sobresaliente
Datos prácticos: "Dadá ruso: 1914-1924" Museo Reina Sofía. Del 6 de junio al 22 de octubre 2018. Precio 10 euros (se puede visitar el resto del museo con la entrada). No hace falta audioguía pues hay suficientes paneles explicativos para entender toda la exposición. En Internet se facilita un "dossier de prensa" que también resulta muy didáctico para entender un poco más la exposición. 

Cecil Beaton: Mitos del siglo XX

En pocas palabras: Exposición incluida en la selección oficial de PhotoEspaña 2018. Se trata de una retrospectiva de la obra del fotógrafo Cecil Beaton.
Organizadores: Comisarias: Joanna Ling, responsable del departamento The Cecil Beaton Studio Archive Sotheby’s Picture Library y Oliva María Rubio, Directora artística de La Fábrica.
Descripción: En la primer sala nos encontramos con un gran panel explicativo que destaca la importancia de Cecil Beaton en su contexto histórico así como grandes hitos de su carrera como el hecho de que ganara dos óscars (uno por dirección artística y otro por diseño de vestuario).

Entrada a la exposición

A continuación, comienza el recorrido de esta exposición que consta de cuatro secciones temáticas:

• Cine y Hollywood: En esta sección se exponen las fotografías que Cecil Beaton realizó de estrellas de Hollywood. Sin ánimo de citarlas a todas, destacamos los retratos de Marlene Dietrich coetáneo de la época en que realizó la película "El diablo era mujer" así como las fotografías agrupadas de Gary Cooper, John Wayne y Buster Keaton. También se expone una fotografía de Orson Welles (1937) en la que se aprecia la influencia del surrealismo en esos años. Por otra parte, podemos contemplar a Deborah Kerr cuando representaba la obra de George Bernard Shaw "La casa de los corazones rotos" con vestuario de Cecil Beaton o a Vivien Leigh también con vestuario de Cecil Beaton posando en la época de "Ana Karenina". En la pared de la derecha, hay abundantes fotografías (algunas de ellas en color) de grandes artistas como Audrey Hepburn, Marilyn Monroe, Julie Andrews, Joan Crawford, Ingrid Bergman, Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Marlon Brando, y Barbra Streisand.

  

  Audrey Hepburn, fotografía de Cecil Beaton
• Arte y cultura: Esta sección pretende poner de relieve aquellas fotografías de figuras internacionales del arte y la cultura como David y Gala (1936), Picasso en su estudio de la Rue des Grands Augustins (1944), Georgia O'Keeffe, Dora Maar en su estudio de Paris (1944), Francis Bacon, Giacometti, Kokoschka, y Chagall. Pero también otras artistas como la escultora Louise Nevelson (1978), Mick Jagger (1969) o Maria Callas (1957). En la siguiente sala de esta misma sección nos encontramos con las deliciosas fotografías de Gertrude Stein y su compañera Alicia B. Toklas (1937),  Colette (1930) y la fotografía intimista de Jean Cocteau con Jean Marais (finales de 1940). Ttambién se exponen fotografías de Arthur Miller, Tennesse Williams y André Malraux (entre otros).
• Moda y belleza: Cecil Beaton fotografió a numerosos iconos de la moda. En esta sala se exponen las fotografías a modelos como Twiggy, Penelope Tree y otras personalidades del mundo de la moda como Helena Rubinstein, Christian Dior, Coco Chanel o Balenciaga. Destacan también fotografías de bailarines como Nuréyev y bailarinas como Martha Graham.
• Sociedad y política:  Finalmente, en el último tramo de la exposición, se exponen fotografías de personajes del mundo de la política o la sociedad. Por ejemplo, hay fotografías de los Duques de Windsor (1937), de la reina Isabel II posando con su hijo recién nacido (el Príncipe Carlos) en 1948 o durante su coronación en 1953. También se exponen fotografías de la Princesa Margaret en su boda con Anthony Armstrong-Jones y de Churchill en 1940 cuando era Primer Ministro. En las vitrinas del final de la exposición se exponen folletos y portadas de revistas "Life" con fotografías del artista como aquella que hizo de una niña de 3 años llamada Eileen Dunne destinada a captar fondos americanos que ayudaran a recuperar la Europa de la posguerra.

 Lo mejor: La fotografía de Audrey Hepburn posando en bicicleta en el plató de "My Fair Lady" (1963).
Comentario: Se trata de una exposición bastante completa que traza la trayectoria de Cecil Beaton como fotógrafo. Junto a cada una de las fotografías hay un pequeño panel explicativo que contextualiza la obra en un momento concreto y aporta datos relevantes sobre la identidad del personaje retratado. La instalación, como siempre en la Fundación Canal, está muy cuidada y resulta elegante. Así, en el último tramo de la galería de fotografías se ha intentado reproducir con una valla blanca una de las escenas de la película "My Fair Lady" (aquella que tiene lugar en las carreras de caballos de Ascot). Pero lo que de verdad merece la pena son las fotografías en sí, todas sorprendentes y algunas muy curiosas. 

Dalí y Gala, fotografía de Cecil Beaton

Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: "Cecil Beaton: Mitos del siglo XX". Fundación Canal. Del 31 de mayo al 19 de agosto de 2018. Entrada gratuita. L-M-J-V-S-D-F 11-20h. Miércoles 11-15h.

Brassaï

Un traje para dos en Magic City

En pocas palabras: Según dice el dossier de prensa, esta exposición es la primera exposición retrospectiva de Brassaï organizada desde el año 2000 (Centro Pompidou) y la primera que tiene lugar en España desde 1993. Se trata por tanto de una excepcional ocasión para apreciar las fotografías de Brassaï.
Organizadores: Fundación Mapfre. Comisario: Peter Galassi, conservador jefe del Departamento de Fotografía del Museum of Modern Art de Nueva York entre 1991 y 2011.
Descripción: El contenido de la exposición no es cronológico sino temático. El recorrido consta oficialmente de 12 secciones, aunque nosotros consideramos que son 13 porque algunas salas están divididas en varios ámbitos:

• París de día: En la primera sala, la exposición arranca con fuerza con obras procedentes del Metropolitan Museum de Nueva York como "París" (1933-35); del Museum of Modern Art de Nueva York como "Accidente en el extrarradio" (c. 1932); y la famosa "Escalera de Montmartre" de 1927 de la Estate Brassaï Succesion de Paris. También se expone el autorretrato de 1932 en el Hôtel des Terrasses (c. 1932). Personalmente, nos quedamos con la famosa secuencia de fotografías de "Un hombre muere en la calle" (Boulevard Augsute-Blanqui, 1932).
• Minotaure: "Minotaure" es la revista de arte lanzada en junio de 1933 por el editor suizo Albert Skira. En esta segunda sala se exponen en una vitrina ejemplares de esta revista con fotografías de Brassaï de cuerpos femeninos desnudos. También se expone, por ejemplo, uno de los números de la revista con un artículo escrito por el artista titulado "Du mur des cavernes au mur d'usine" con fotografías de grafitis hechas también por Brassaï.
• Grafitis: En esta misma sala se expone otra sección titulada "Grafitis" con diversos grafitis fotografíados por Brassaï. La mayoría son obras "Sin título" datadas a mediados del siglo XX.
• Sociedad: En esta segunda sala también hay un espacio titulado "Sociedad" en el que se exponen fotografías de veladas de gala como "Saliendo de Au Lapin Agile" (1935); "Velada de gala en Maxim's" (1949) y un interesante "Retrato de Christian Dior en su casa" (1947).
• Personajes: Esta sección incluye diversos personajes como "La Môme Bijou" en el Bar de La Lune (1932). Puede que recordéis un dibujo inspirado en esta fotografía, hecho por el personaje de Jack Dawson ("Madame Bijou") en la película "Titanic".
• Lugares y cosas: Esta sección está en la misma segunda sala y en ella se incluyen fotografías audaces como "La Sagrada Familia de Gaudí" (1954) dividida a lo largo de su eje vertical.
• Sueño: Esta sección, situada en la tercera sala, incluye fotografías de personajes durmiendo realizadas para la revista "Labyrinthe" de Skira tras el cierre de "Minotaure" en 1939.  Destacan por ejemplo "Tramoyista durmiendo en Folies Bergères" (1932).
  
• París de noche: Una vez en la segunda planta nos encontramos con las fotografías más célebres del artista. En esta sección se encuentran las fotografías que fueron publicadas en el libro "Paris de Nuit" (París de noche) publicado en 1932. Se expone la portada del libro "Paris de Nuit" junto con un autorretrato de Brassaï en una calle de París de noche ( Boulevard Saint Jacques, 1930-32), posando con su cámara Voigtländer Bergheil y un trípode. Además, nos encontramos con fotografías interesantes como "Adoquines parisinos" (1931-32) o "Una de mis primeras fotos nocturnas" (1929) donde podemos ver una hilera de árboles apenas iluminados que ya reflejan esas imágenes nítidas, estables, nada espontáneas que le caracterizan. También podemos apreciar la "Vista de París desde Notre Dame hacia el Hôtel Dieu y la torre Saint Jacques" con la gárgola a la derecha (1933) y los "Desatascadores de pozos negros cenando en el distrito de Saint Paul" (1931-32). 

  

  La Môme Bijou

• Placeres: En esta sección nos encontramos con fotografías que ilustran los bailes, las Folies Bergères, las ferias de barrios, y otros entretenimientos nocturnos (cafés, bares, salones de baile). En particular, destacan las fotografías de Kiki de Montparnasse como "Kiki en el cabaret des Fleurs" (1932) o "Kiki con sus amigas Thérèse Treize y Lily" (c. 1932). También son espectaculares las icónicas fotografías de la noche en el Magic City, un famoso baile frecuentado por homosexuales que durante la Cuaresma se disfrazaban de personas de la burguesía. Así, destacan la elegante fotografía "Un traje para dos" (1932). También resultan muy interesantes las fotografías "Conchita en la atracción de feria Sa Majesté, la femme" (Boulevard Auguste Blanqui, c. 1933) y "Conchita con unos marineros en un café Place d'Italie" (1933). El uso creativo d elos espejos en los bares y cafés parisinos se puede apreciar en fotografías como "Un grupo animado en Bal des Quatre Saisons" (rue de Lappe, c. 1932). No podíamos dejar de mencionar la famosa "Pareja en un café cerca de la Place d'Italie" (c. 1932). Antes de llegar a la siguiente sección, pasamos por una sala circular en la que se presentan todas las páginas del libro "Paris de Nuit" por medio de un vídeo.

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  Pareja en un café cerca de la Place d'Italie

• La siguiente sección no lleva título pero engloba, con carácter general, fotografías de prostitutas y maleantes. En ella se exponen, por ejemplo, obras como "Prostituta" (rue de Lappe, c. 1932); "Prostituta joven" y "Prostituta con traje de primavera" (cerca de la Place d'Italie, todas de 1932); así como "Dos maleantes" (cerca de la Place d'Italie, 1932-33) o "Dos policías con capa en bicicleta" (1932-32. En la pared de la izquierda de esta misma sección se exponen fotografías hechas en el interior de un prostíbulo conocido como "Chez Suzy" como "Retrato de la sous-maîtresse" o "El momento de la presentación" y también otras obras con escenas de chicas con clientes o una mujer después del servicio de espaldas a un espejo.
  
• Cuerpo de mujer: La siguiente sección oficial incluye dibujos que realizó Brassaï durante su estancia en Berlin como estudiante (1921-22) y durante la ocupación (1943-45). Por ejemplo, "Desnudo" hecho a carboncillo sobre papel. También se expone una escultura titulada "Ariane" de 1971 realizada en mármol rojo. En la vitrina de la izquierda, se exponen diversas revistas que publicaron fotografías de Brassaï como "Regards" (número 155) en la que la contraportada incluía una fotografía de Brassaï para anunciar el artículo "Les travaux forcés de l'amour" (1936).
• La calle: Continuando en la misma sala que la sección anterior, se abre este siguiente ámbito que recoge fotografías realizadas por Brassaï durante sus viajes para el Harper's Bazaar. La importancia de estas fotografías también radica en que el artista sustituye la técnica de las placas de vidrio por la de la cámara en mano con carrete, más práctica para los viajes. Destacan fotografías como "Barquero cerca del Pont Neuf" (c. 1935); "Amantes en la Gare Saint Lazare" (c. 1937); "Vallauris" (1946); "Conversación en Madrid" (1950-51); "Señoras en Monte Carlo" (c. 1934); "Cantante de gospel en Chicago" (1957); y "Desfile de Pascua en la Quinta Avenida de Nueva York" (1957).
• Retratos de artistas, escritores y amigos:La exposición termina con las fotografías que Brassaï hizo a sus amigos, artistas y escritores. No vamos a enumerarlos todos, sino algunos para que os hagáis una idea. Se incluyen retratos a Ionesco, Oska Kokoschka, Jacques Prévert, Jean Genet, Henry Miller, Anaïs Nin, etc. El cierre de esta exposición lo constituyen tres fotografías: "Dali y Gala en Villa Seurat" (Paris, 1932-33); "Matisse y su modelo" (Paris, 1939); y "Picasso en la Rue des Grands Augustins" (Paris, 1939).  

Lo mejor: "Un traje para dos" en el baile del Magic City.
Comentario: La exposición es muy completa y da una visión de conjunto de la obra fotográfica del artista. Aunque no vamos a citarlas todas, las obras procedían de numerosas instituciones entre las que destacan The Art Institute of Chicago, The Museum of Fine Arts (Houston), The Metropolitan Museum of Art (Nueva York), The Museum of Modern Art (Nueva York), el Musée National d’art moderne-Centre Pompidou (París), The Philadelphia Museum of Art, The San Francisco Museum of Modern Art, etc. Los paneles explicativos aportaban suficiente información como para seguir el hilo de la exposición incluyendo algunos datos biográficos y también algunas aportaciones sobre la técnica utilizada por el artista. También se incluyen algunos dibujos, un grabado (una xilografía titulada "Desnudo" datada en c. 1918) y una escultura. Por lo tanto, se trata de una exposición muy completa. La elección del criterio temático para agrupar las obras en lugar del criterio cronológico es discutible pero no merma la oportunidad de contemplar estas fotografías y de entenderlas dentro de su contexto histórico. Además, muchas de las obras reunidas en la muestra son las más famosas del artista por lo que la ocasión de apreciarlas juntas no se puede desaprovechar. 
Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: "Brassaï" Fundación Mapfre-Recoletos, Del 31 de mayo al 2 de septiembre. L 14-20h. M-S 10-20h. D-F 11-19h. Entrada 3 euros. 

La bailarina del futuro: de Isadora Duncan a Joséphine Baker

En pocas palabras: Exposición que se puede visitar en la Fundación Telefónica que dedica diversos espacios a figuras de la danza femenina de finales del siglo XIX y principios del siglo XX como Isadora Duncan, Tórtola Valencia y Joséphine Baker (entre otras).
Organizadores: Fundación Telefónica. Comisariada por Miguel A. Delgado y María Santoyo. 
Descripción: El recorrido consta de diversos espacios, cada uno de ellos dedicado a una figura femenina de la danza.

• El primer espacio está dedicado a la danza. Los primeros paneles como el de "La notación de la danza" nos hablan del origen de la danza y, sobre todo, del origen de la documentación de la danza indicando que no es hasta el Renacimiento cuando la danza es recogida en manuales teóricos. En el panel "Arquitectura de interior" se aportan detalles sobre los corsés y la moda femenina de finales del siglo XIX. En una vitrina se exponen diversos objetos procedentes del Museo Arqueológico Nacional como ánforas con figuras que representan escenas de baile.
• Continuamos con el primer espacio dedicado a una figura de la danza: Isadora Duncan. Se exponen diversos paneles explicativos de su biografía y se destaca su aportación al mundo de la danza. Si recordamos los corsés que se exponían al principio, con Isadora Duncan se rompe con al idea encorsetada del ballet clásico porque ella propuso una liberación de los movimientos del cuerpo femenino en la danza.
• El siguiente espacio está dedicado a la figura de Joséphine Baker. Se exponen algunos carteles de sus actuaciones en París como el de las Folies Bergère. 

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  Cartel de Joséphine Baker en las Folies Bergère

  En el espacio dedicado a Tórtola Valencia se expone su baúl de viajes y un traje utilizado por la artista durante una célebre actuación. Se exponen también diversas fotografías de la artista realizando su famosa "Danza de la Serpiente". Se acompañan diversos paneles biográficos que destacan la aportación de la bailarina al mundo de la danza destacando su fascinación por lo oriental.
• En el espacio titulado "París, ville lumière" se encuentra un ámbito dedicado a la bailarina Loïe Fuller. Algunos la recordaréis por las litografías de Jules Chéret o Georges de Feure.Pues bien, en esta exposición se presenta otra litografía menos conocida de la artista: el cartel de cabaré diseñado por Jean de Paleologou.En una instalación que incluye un vídeo de realización contemporánea se explican los métodos encontrados por la bailarina para crear esa sensación única de movimiento que unía baile con técnicas sofisticadas de iluminación que unían luz, color y movimiento.
  

  

  Loïe Fuller: cartel dePaleologou.

  
  

  

   Loïe Fuller, litografía de Jules Chéret

  
  

  

  Loïe Fuller como Salomé, litografía de Georges de Feure

  
  

• En el espacio dedicado al "Cine en danza" se comenta la presencia de bailarinas en las primeras películas. El siguiente ámbito se dedica al "Expresionismo y musical americano" centrándose en la figura de Mary Wigman. Le sigue un ámbito titulado "La mujer en la república de Weimar". Destaca una serie de fotografías dedicadas a la bailarina Martha Graham en una danza llamada "Lamentation" (1930). Sobre la figura de Martha Graham se exponen diversos carteles titulados "Los arquetipos y los mitos" y "El método Graham". Sobre ésta última sección, destaca la representación en una gran instalación con vídeos de los bailes experimentales sobre las emociones de la alegría, tristeza, ira, miedo, amor y deseo. 
• En el ámbito titulado "Del cuerpo de baile al grupo horizontal" se le dedica una espacio a la bailarina Doris Humphrey que rompe con el clasicismo del baile al introducir la noción de grupo en el que el protagonismo se reparte por igual. El panel "Danza y Kinestesia" destaca su importancia como teórica de la danza.
  

Lo mejor: Lo mejor de la exposición es que permite analizar las diversas aportaciones de mujeres bailarinas en la historia de la danza.
Comentario: El contenido de la exposición está muy bien documentado. Cada espacio dedicado a una bailarina se centra en los aspectos biográficos más importantes y su aportación dentro del mundo de la danza. El recorrido narra, pues, una historia de la danza desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX a través de sus figuras femeninas más destacables. Sin embargo, la presentación de objetos se queda un poco corta. Hay numerosas instalaciones, algunos fondos documentales, carteles y fotografías; pero quizás se queda un poco corto de contenido. La idea conceptual de la exposición está no obstante bien desarrollada porque lo poco que hay se luce mucho y permite al espectador comprender la evolución del baile en el periodo mencionado. Quizás lo que más me pareció fuera de contexto fueron las ánforas y otros objetos de cerámica griega con imágenes de la danza que se encontraban al principio de la exposición. Aún con todo, el objetivo de la exposición -que según el folleto informativo consiste en "presentar la danza del cambio de siglo como una forma de arte nuevo, con vocación de vanguardia, autónomo y liderado por mujeres"- se cumple perfectamente.
Puntuación: Aprobado.
Datos prácticos: "La bailarina del futuro: de Isadora Duncan a Joséphine Baker". Del 23 de marzo al 24 de junio en el Espacio Fundación Telefónica. Entrada gratuita.