¡Agón! La competición en la Antigua Grecia

Estela funeraria helenística

En pocas palabras: Dentro del marco del convenio de colaboración entre La Caixa y el British Museum -del que ya hemos comentado la exposición dedicada al arte medieval-, nos encontramos ahora con otra entrega que pretende dar una visión del mundo deportivo y competitivo en la Antigua Grecia mezclando héroes, atletas y guerreros. Se trata de una exposición sin pretensiones en la que se nos muestran algunas piezas de arte griego procedentes del British Museum: en su mayoría, cerámica griega y figuras de terracota con algunas esculturas en bulto redondo y algún friso. 
Organizadores: La Caixa con la colaboración del British Museum. Comisario: Peter Higgs (especialista en arte griego del British Museum). 

Hidria con mujeres en una fuente

Descripción: La exposición consta de unos 15 espacios. El recorrido comienza con "Niké, la diosa de la victoria", donde se expone una escultura de mármol (c. 100 a.C) que representa a la diosa de la victoria alada con las ropas agitadas por el viento. El espacio siguiente ("El juego en la infancia") incluye unos dados originarios de la Grecia Antigua. A continuación, en los ámbitos titulados "Competiciones deportivas" y "Acontecimientos deportivos de carácter popular" comienza el desfile de cerámica: ánfora de figuras negras e hidria de figuras rojas representando, respectivamente, un entrenamiento para un pentatlón y otro con música. También destaca otra ánfora de figuras negras con representación de lucha. El espacio "La victoria y la entrega de trofeos" incluye un lebes (caldera) de bronce y una escultura de mármol (copia romana del original griego en bronce) representando el Diadumeno. Los siguientes espacios "Certámenes teatrales y musicales" y "La música y la danza" le dan otro aire a la exposición con esculturas representando las cabezas de Apolo y Dioniso. En "El teatro y la poesía" nos encontramos con una base de mármol con relieves de las Musas. Le siguen "La guerra: el enfrentamiento supremo" y "Los ejércitos griegos y su equipamiento" donde se presenta un casco corintio junto con el resto de la armadura hoplita de bronce. En "Héros y mitos" destacan las diversas cerámicas con representaciones en figuras negras de los doce trabajos de Hércules (como en la lucerna de plata con figura de Hércules niño o la ánfora de figuras negras con los tercer y décimo trabajos).

Base con relieve de las 9 musas

La exposición termina con un espacio dedicado a "La Guerra de Troya" (destaca el kylix que representa una de sus escenas); "Rivalidad social en la vida cotidiana y en la muerte" en la que hay una hidria de figuras negras con mujeres charlando en una fuente; "La competición y la notoriedad en la muerte" que exhibe diversas estelas funerarias helenísticas; y, finalmente, el espacio "La tumba del rey Mausolo" con un bloque de friso del Mausoleo de Halicarnaso -verdadera joya de la exposición- que representa la batalla entre los griegos y las amazonas.
Lo mejor: Bloque de friso del Mausoleo de Halicarnaso con la batalla entre griegos y amazonas. 

Friso del Mausoleo de Halicarnaso

Comentario: La exposición no tiene pretensiones y eso la diferencia de la que dedicaron al arte medieval que rozaba el ridículo. En esta ocasión, las piezas resultan interesantes y están expuestas siguiendo un orden que, si bien no es cronológico (aunque termine con piezas helenísticas), tiene sentido y se sostiene ofreciendo una visión del arte griego centrada en el deporte como hilo conductor. Quizás algunos espacios no tenían mucho que ver con el deporte (por ejemplo los ámbitos dedicados al teatro y certámenes musicales) pero en general la muestra resultaba coherente. Por otra parte, los espacios están bien delimitados y todas las piezas tienen carteles explicativos aunque se centran más en el tema representado que en sus características estilísticas pero al menos hay información para leer y ésta resulta algo más útil que la que pusieron en la exposición de arte medieval. Es posible que a algunas personas les resulte tedioso ver tanta cerámica griega pero personalmente he encontrado la mezcla de escultura en bulto redondo, relieve, cerámica y figuras de terracota o joyas bastante equilibrada y no demasiado pesada. Quizás le habrían podido sacar más partido a los aspectos técnicos de la cerámica incluyendo alguna explicación sobre la diferencia entre la técnica de las figuras rojas y negras, por ejemplo, pero en general se deja ver.
Puntuación: Aprobado. 
Datos prácticos: "¡Agón! La competición en la Antigua Grecia" CaixaForum de Madrid del 14 de julio al 15 de octubre. Entrada 4 euros. https://caixaforum.es/madrid/fichaexposicion?entryId=101176

Preparando la agenda de otoño 2017

"Mujer pelirroja con camisa blanca" (Museo Thyssen) de Toulouse Lautrec

Este otoño 2017, los museos apuestan por grandes nombres como Toulouse Lautrec, Mariano Fortuny, Chirico y Zuloaga. Adjuntamos una pequeña lista de las diversas propuestas que conviene tener apuntadas en las agendas para no perderse ninguna: 

Fundación Mapfre 

Zuloaga en el París de la Belle Époque 1889-1914 del 28 de septiembre 2017 al 7 enero 2018

Palacio de Gaviria
Retrospectiva de Alphonse Mucha del 10 de octubre 2017 al 25 de febrero 2018

Personificación de las estaciones por Mucha

Museo Thyssen 

Exposición "Picasso-Lautrec"  del 17 de octubre de 2017 al 21 de enero de 2018

Museo del Prado

Exposición Mariano Fortuny (1838-1874) del 21 de noviembre 2017 al 21 de enero 2018

CaixaForum Madrid
Exposición "El mundo de Giorgio de Chirico: Sueño o Realidad" del 22 de noviembre 2017 al 18 de febrero 2018.

 

 

Picasso y el Mediterráneo

Instalación de la exposición (Sala 1ª)

 En pocas palabras: La propuesta de la Fundación Canal (Plaza Castilla) para el verano 2017 es esta sencilla y refrescante exposición que ilustra la relación entre Picasso y el Mediterráneo.
Organizadores: Fundación Picasso.
Descripción: La muestra consta de una selección de 91 obras entre dibujos y cerámicas (platos pintados) realizados por Picasso a lo largo de varias décadas (principalmente los 40, 50 y 60). El recorrido comienza con una sala de introducción a la exposición que consta de una bonita instalación hecha de rayas azules y blancas. En este primer espacio se incluye un panel informativo que resalta la relación de Picasso con el Mediterráneo y, más concretamente, con la cultura mediterránea entendida como un conjunto. Aquí se puede contemplar una cerámica "Plato con cabeza de cabra de perfil" (1950). A continuación, la Sala 1ª titulada "Tauromaquia: un ritual mediterráneo" pone de manifiesto diversos dibujos realizados por Picasso con el tema de las corridas de toros y también incluye, en el centro del recorrido, vitrinas con platos de cerámica pintados por Picasso. Entre los dibujos destacan "Litografía de toros" de 1948, diversos grabados a buril como "Carmen - Plancha XXXII", o "Corrida: El picador" (otra litografía de 1949). Pero los dibujos más importantes de esta primera sala son sin duda los diversos dibujos de toros que se suceden en los paneles de la izquierda y en los que se puede apreciar muy bien cómo Picasso va simplificando las formas y volúmenes del toro ("Cabeza de toro mirando a la izquierda", "Cabeza de toro mirando a la derecha", etc.) hasta reducirlo a sus formas geométricas. La Sala 2ª se titula "El esplendor de los cuerpos" y en ella nos encontramos con litografías de corte más sensual como "Mujer ante un espejo" de 1950. La Sala 3ª titulada "Celebración mitológica" presenta tres figuras recurrentes en la obra picassiana: minotauro, centauro y fauno; que partiendo de su origen clásico fueron reinterpretadas por Picasso. En esta Sala destacan la maravillosa litografía de "Pan" (1948), el "Fauno sonriendo", el "Fauno Músico" y las variaciones de "Venus y el amor" a partir de la obra de Cranach (1949). La Sala 4ª se titula "Expresiones del mundo antiguo" y en ella se exponen 19 obras distribuidas en 3 sub-apartados relacionados con la temática clásica: (i) La Biblia: destacan las interpretaciones de "Salomé", "La Danza Bárbara" y sus variaciones de "David y Betsabé" a partir de la obra de Cranach (1947); (ii) Griegos y Romanos: destaca "Tres desnudos de pie con esbozos de rostros" (una aguafuerte de 1927 que se inspira en la famosa obra de Balzac "Le chef d'oeuvre inconnu") y dos aguafuertes de la Suite Vollard; y (iii) El Mundo Árabe: destacan las 4 variaciones de "Las mujeres de Argel" de Delacroix. Termina el recorrido con el interesantísimo bodegón de "El bogavante" que no debe pasar desapercibido y la cerámica de "Gran Pez" (1956) igualmente sorprendente.

Instalación de la exposición (Sala 3ª)

Cerámica "Gran Pez" (1956)

Toro litografiado con formas geométricas, c. 1945

El Bogavante (1949)

Lo mejor: La refrescante instalación en la que se exponen las obras que resulta todo un acierto pues introduce al espectador directamente en las tonalidades marítimas del Mediterráneo con sus contrastados azules y blancos, y las líneas onduladas que evoquan el mar que seduce inmediatamente al espectador gracias a su cierto aire minoico. Respecto del contenido de lo expuesto: la litografía de "Pan" realizada por Picasso durante su estancia en Vallauris.

Litografía de "Pan"(1948)

Comentario:  La muestra resulta sencilla pero está extraordinariamente bien expuesta entre esos paneles que envuelven las salas con sus tonos azules y blancos y sus líneas onduladas. Además, al tratarse de obras litográficas y dibujos, las tonalidades negras de las obras destacan aún más sobre dichos paneles claros. Sin duda, es el mayor acierto de la exposición porque hace que la experiencia de la visita resulte, en definitiva, una bonita experiencia algo marítima y refrescante con un destacado eco minoico cretense que alude además a la figura del minotauro. En cuanto a la muestra en sí, pues resulta la ocasión de apreciar platos de cerámica pintados por Picasso lo cual no es habitual ver en exposiciones sobre Picasso. Quizás lo único que sí es realmente mejorable es la cantidad de información que acompañaba estas obras: en primer lugar, no se entregaba folleto informativo y el dossier de prensa disponible en Internet era también realmente escaso en cuanto a información. Además, ninguna de las obras expuestas durante el recorrido incluían carteles informativos sobre el origen de las obras. Esto se puede considerar un fallo relevante porque no se podía saber la procedencia de las diversas litografías expuestas ni de los platos de cerámica lo que quitaba visibilidad al trabajo que hay detrás de la exposición y al esfuerzo de los organizadores por reunir las obras.
Puntuación: Notable 
Datos prácticos:  "Picasso y el Mediterráneo", Fundación Canal (Plaza Castilla), del 1 de junio al 15 de agosto 2017. Entrada gratuita

Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica

En pocas palabras: "Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica" es el título de la excelente exposición organizada -con ocasión del 80º aniversario de la célebre obra de Picasso de 1937- por el Museo Reina Sofia que se puede visitar este verano 2017 hasta el 4 de septiembre. Una propuesta muy interesante, como lo es la obra de Picasso, con muchos contenidos. El recorrido permite aprender sobre el proceso de creación de Guernica y otros aspectos de la obra picassiana, fuente inagotable de estudios, lecturas e interpretaciones.
Organizadores: Museo Reina Sofia. Comisarios: Timothy James Clark y Anne M. Wagner.
Descripción: El recorrido consta de 11 salas:
La sala 1 está dividida en dos espacios, ambos dedicados a la exposición universal organizada en París en 1937 poniendo el acento en el encargo que los delegados de la República le hicieron a Picasso de pintar un cuadro para el pabellón de España. Se incluye una maqueta del pabellón así como diversas fotografías y un vídeo que documentan su proceso de montaje. En las vitrinas, destaca un documento en el que se especifica que se le pagaron a Picasso 150.000 pesetas por el encargo del cuadro. Los carteles explicativos describen cómo Picasso contestó que no estaba seguro de poder ofrecerles lo que querían toda vez que desde el momento en que se produce el acontecimiento del bombardeo de la ciudad de Guernica, comienza a trabajar frenéticamente en su célebre obra. Hasta ese momento, él había realizado obras de carácter íntimo y personal. En este sentido, Guernica supuso un cambio de esfera hacia lo público. También se hace hincapie en el hecho de que Guernica se ha convertido en un icono, entre otras cosas, de la tragedia de nuestra cultura.
La sala 2 se titula "El Mundo es un cuarto" y en ella se muestran naturalezas muertas de estilo cubista.
En la siguiente sala (sala 3) titulada "Belleza y terror" podemos apreciar la obra "Las tres bailarinas" (1925) en la que aparecen la oscuridad y el desmembramiento, la ansiedad, y en definitiva el terror. Pasamos a la sala 4, titulada "Caras y fantasmas" que recoge las numerosas "Figures" de Picasso con esos rostros incalificables y tan fascinantes.
La sala 5 se titula "Monstruos y monumentos" y en ella se reúnen ejemplos tanto pictóricos como escultóricos. Estamos ante criaturas extrañas, en la playa, a veces monstruosas e inquietantes.
La sala 6 se titula "¿Qué sucede con la tragedia?" y en ella destaca la interpretación picassiana de la muerte de Marat a manos de Charlotte Corday.
Las salas 7 y 8 están dedicadas principalmente al Guernica. Por una parte, en la sala 7 titulada "Mater dolorosa" se hace hincapie en los dibujos preparatorios y estudios que Picasso realizó para el Guernica destacando la figura de la mujer con la lengua fuera, los ojos saltados de sus córneas, las lágrimas cayéndole de los ojos, en un grito desgarrado que eriza la piel. Por otra parte, en la sala 8 titulada "Las cosas se desmoronan" se encuentra expuesto el propio Guernica.

La sala 9 se titula "Memento Mori" y en ella nos encontramos con bodegones con calaveras y los ya famosos cráneos de buey.
La sala 10 se titula "Máquinas de sufrimiento". El recorrido termina en la sala 11.

Lo mejor: Resulta imposible elegir una obra de Picasso: todas resultan fascinantes. Me quedaré pues con las cartas manuscritas de su madre. Estas cartas, dirigidas a su hijo, se pueden ver y leer en la exposición (están en la sala 7, previa al Guernica) y en ellas su madre describe lo que está viviendo en Barcelona mientras Picasso se encuentra en París. Constituyen un testimonio íntimo y a la vez bouleversant de la realidad de la guerra. Además, estas cartas están localizadas en un espacio titulado "Mater dolorosa" por lo que ofrece una doble lectura: Picasso está buscando reflejar la expresión del terror, del horror, del desgarro, en el rostro de la mujer para Guernica y recibe estas cartas de su madre...  

Comentario: El Museo Reina Sofía ha organizado, como suele ser habitual, una brillante exposición. Muy bien estudiada. Muy bien organizada. En ella no hay redundancias, ni momentos vacíos que no se llenen inmediatamente con obras muy bien escogidas, sabiamente colocadas; con información, lecturas, interpretaciones, lecturas y dobles lecturas; y también con preguntas abiertas que nos interpelan desde los paneles de la exposición brindándonos la ocasión de participar en el discurso de manera activa. Todas las obras proceden de muy diversas colecciones: Tate de Londres, el Museo Metropolitan de Nueva York, MoMA, Colecciones particulares, Museo Picasso de París y una larga lista de procedencias que aportan una sensación de exhaustividad dentro del recorrido.
Puntuación: Una merecidísima Matrícula de Honor.
Datos prácticos: "Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica". Del 4 de abril al 4 de septiembre 2017. Museo Reina Sofia. Entrada 10 euros. L y X-S 10h-21h. D 10h-14h.  Martes cerrado.

Sonia Delaunay: Arte, Diseño y Moda

Tres figuras con vestidos simultáneos

En pocas palabras: Una exposición monográfica sobre la obra de esta artista que, durante su carrera entre finales del s. XIX y principios del s. XX, compaginó pintura, diseño y moda como apunta el título de la exposición.

Organizadores: Museo Thyssen-Bornemisza con la colaboración de la Comunidad de Madrid. Comisariada por Marta Ruiz del Árbol, conservadora del Museo.

Descripción:  El recorrido consta de 6 salas y está organizado de forma cronológica. El viaje comienza en la primera sala (1885-1910) titulada "de Odesa a París". Originaria de Ucrania, Sonia Delaunay née Terck llega a París a una edad temprana para completar su formación. En esta sala se aprecia una de sus primeras obras denominadas "simultáneas": "Chaleco simultáneo" (1913) donde la artista utiliza la técnica del patchwork heredada de Rusia. También se incluyen diversas obras pictóricas en las que se aprecia ya el uso de técnicas mixtas como "La prosa del transiberiano" (tipografía, acuarela y estarcido). En la sala 2ª (1910-1914) titulada "París y los orígenes del simultaneísmo" se nos introduce de lleno en ese movimiento que desarrolla Sonia Delaunay (ya casada) junto con su marido Paul Delaunay. Se trata de un estilo que asocia vida moderna, progreso urbano, búsqueda del arte total y aplicación de diseños a toda clase de soportes desde la pintura hasta los diseños y la moda. En esta sala destaca la obra pictórica "Le bal Bullier" (1913) que representa simultánemanete diversos bailes (tango, foxtrot) en un baile de colores. En la sala 3ª (1914-1917) titulada "La gran guerra: Madrid y Portugal" nos encontramos con experimentaciones en torno al color que evocan el flamenco y la cultura popular portuguesa como en "Naturaleza muerta portuguesa" (1916) o "Cantaores de flamenco" (1915-16). En la sala 4ª (1917-1921) titulada "La Revolución Rusa, el regreso a Madrid y la apertura de Casa Sonia" se reúnen diversas obras y documentos gráficos que nos introducen en los diseños que crea Sonia Delaunay para "Casa Sonia": interiores con cojines bordados, cajas pintadas, diversos diseños para tejidos, túnicas de lino, etc. Destaca la obra "Le ventilateur tourne" con un poema de Tristan Tzara. La sala 5ª (1923-1929) titulada "El regreso a París y la moda simultánea" recoje tejidos realizados a partir de diseños simultáneos. Especialmente interesante es el abrigo de lana bordada para Gloria Swanson (1925) que se expone junto al cuadro realizado en gouache "Tres figuras con vestidos simultáneos". Finalmente, la sala 6ª (1937-1979) titulada "Los años finales" incluye diversos diseños para pijamas, vestidos y tejidos así como un pequeño corto en el que se aprecian modelos posando con diseños de Delaunay.
Lo mejor: El abrigo de lana bordada para Gloria Swanson (1925) que se expone junto al cuadro  "Vestidos Simultáneos".

Le bal Bullier

Comentario: Se trata de una exposición monográfica dedicada a una mujer artista, hecho destacable en el panorama cultural de la ciudad de Madrid que hay que apoyar para que sigan dando visibilidad a las numerosas mujeres artistas que merecen ser expuestas y cuya existencia muchas veces ha caído en el olvido. La muestra es completa y, si bien utiliza fondos ya existentes en la colección permanente del Museo, los contextualiza exponiéndolos junto con otras obras que les dan contenido y aportan mucha información sobre la vida y obra de Sonia Delaunay. La muestra es asimismo exhaustiva y da una buena visión de conjunto de la obra de la artista. Quizás lo que siempre lamentamos cuando se trata de exposiciones del Thyssen es la falta de información que ofrecen al visitante. El folleto aporta algo de información pero resulta escasa y hay muy poco carteles explicativos: los justos para orientarse y no perderse pero para saber más nos obligan a adquirir la costosa audio-guía. Sin perjuicio de esto, que ya es una crítica recurrente en las exposiciones del Thyssen, la muestra resulta interesante y completa. No es la primera que se le dedica a Sonia Delaunay, pero sí la primera en España. En este caso, la muestra resulta interesante y se percibe el gran esfuerzo que hay detrás por dar una visión de conjunto lo más exhaustiva posible.

Le ventilateur tourne

Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: "Sonia Delaunay: Arte, Diseño y Moda". Museo Thyssen. Del 4 de julio al 15 de octubre 2017. M-S 10h-20h. Domingo 10h-19h. Lunes cerrado. Entrada 12 Euros. https://www.museothyssen.org/exposiciones/sonia-delaunay-arte-diseno-moda

Madama Butterfly y la atracción por Japón: Madrid 1868-1915

En pocas palabras: Con ocasión del estreno de la ópera Madama Butterfly de Puccini en el Teatro Real de Madrid -que a su vez conmemora el estreno de la ópera en 1907 (hace 110 años)- el Museo Thyssen ha reunido diversos fondos relativos a Japón, en general, y a Madame Butterfly, en particular, procedentes de distintos museos de Madrid entre los que destacan:  Museo ABC de Dibujo e Ilustración, Museo Nacional de las Artes Decorativas, Museo Sorolla, Museo del Traje y Bibilioteca Nacional de España, entre otros. También hay algunos fondos de Barcelona procedentes del MAE-Institut del Teatre y de la Diputación Provincial de Málaga.Según el folleto fotocopiado que entregan al entrar en la exposición, el objetivo de la muestra es hacer hincapié en la influencia que tuvo Japón en la moda de la época y en las artes escénicas.
Organizadores: Museo Thyssen y Teatro Real con el mecenazgo de Japan Tobacco International.
Descripción: En la planta 1ª del Museo, en una pequeña sala llamada "balcón", se exponen 46 piezas relativas a Japón y a Madame Butterfly. Entre ellas, destacan algunas curiosidades como las tres estampas ukiyo-e japonesas de Utamaro y Hokusai -con sus inconfundibles colores azules y grises- procedentes del Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid. También resulta interesante la elegante melancolía de la mujer con flores y abanico de la obra "Crisantemas" de Pedro Sáenz y Sáenz (procedente de la Diputación Provincial de Málaga). De unos biombos cuelgan extractos de "La familia de León Roch" de Galdós. En una vitrina, se exponen entre otras piezas un abanico con "Paisaje japonés" de principios del siglo XX.

Lo mejor: Fotografías originales que representan auténticas geishas.  
Comentario: La exposición es pequeña pero interesante. No hay información explicativa. En esta ocasión, han puesto las obras junto a unos números y en un folleto fotocopiado el visitante debe buscar el número para saber qué está viendo en cada momento. Si se hace así, se tardan unos 20 minutos en ver la exposición. En el folleto, solo se indican autor, fecha y título de la obra así como su procedencia pero no aporta ningún tipo de información adicional. Aún así, resulta interesante si bien lo único verdaderamente relacionado con la ópera son unos interesantes dibujos realizados a tinta y acuarela sobre papel atribuidos a un artista llamado Xaudaró (datados en 1907) que representan figurines para la representación de la ópera: coro de hombres, oficial de infantería, susuki (acto I), madre de Cho-Cho-San...
Puntuación: Aprobado
Datos prácticos: "Madame Butterfly y la atracción por Japón". Museo Thyssen. Del 22 junio al 27 agosto 2017. Entrada 12 euros (la general para visitar el Museo). M-D 10-19h. Lunes 12h-16h.

El renacimiento en Venecia: triunfo de la belleza y destrucción de la pintura

En pocas palabras: La propuesta del Museo Thyssen para este verano 2017 es apostar por la luz y el color de la pintura veneciana del siglo XVI. La exposición reúne numerosas obras de Veronés y Tiziano y permite contemplar durante su recorrido el esplendor de la pintura renacentista de la escuela veneciana.
Organizadores: Museo Thyssen. Comisariada por Fernando Checa, catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense.
Descripción: Se trata de una exposición compuesta de 7 salas que, si bien no se encuentran organizadas siguiendo un criterio cronológico, aportan un discurso evolutivo de la pintura veneciana del siglo XVI mostrando diversos aspectos relevantes de la misma hasta su ocaso en la última sala. La sala 1ª, titulada "Entre Oriente y Occidente:la ciudad más bella del mundo", hace referencia a la ciudad de Venecia e incluye la famosa xilografía con la "Vista de Venecia" atribuida a Barbari y datada c. 1500. En esta primera sala, se incluye el primer Veronés (la exposición permite contemplar numerosas obras de este pintor): "San Juan Bautista predicando", procedente de la Galería Borghese de Roma. La sala 2ª se titula "Venecia y el sueño del clasicismo". En esta sala se exponen, como es habitual en los reciclajes para exposiciones que suele hacer el Museo Thyssen, diversos fondos de otras instituciones de Madrid, insertadas como pequeñas setas que pretenden dar mayor empaque a la exposición; ejemplos: fondos de la Biblioteca Nacional como un ejemplar de "Los Diez Libros de Arquitectura" de Vitruvio o 2 bronces del Museo Arqueológico que representan a Hércules y Apolo. Su presencia no está fuera de contexto pero la falta de carteles explicativos impide dar mayor contenido al vínculo que tienen con las obras expuestas. Pero bueno, además de las setas habituales, hay obras interesantes entre las que destacan otras 2 de Veronés: un "Retrato de un hombre" vestido a la manera oriental, procedente de Budapest y datado c. 1555 y un "Retrato del Arquitecto Scamozzi".

El Rapto de Europa de Veronés

Pasamos a la sala 3ª titulada "Belleza y melancolía del Renacimiento veneciano" que incluye  retratos a la veneciana con un toque de música, melancolía y tristeza como "Retrato de un joven" de Giorgone (procedente de Budapest). De esta sala destaca el fantástico "Retrato de un joven en su estudio" de Lorenzo Lotto (Venecia, c. 1528-30). Sin embargo, toca pasar por alto otra seta procedente de la Bibilioteca Nacional que según el cartelito expuesto es "sin duda el libro impreso más bello del Renacimiento" pero del que no se nos dice ni de qué va, ni el por qué de esta pomponsa afirmación, más allá de que evoca la antigüedad clásica. En la sala 4ª, recuperamos el aliento con "Imágenes venecianas de la mujer" donde se exponen retratos femeninos idealizados con fuerte carga sensual. Especialmente única resulta la ocasión de contemplar juntas las siguientes obras de Veronés: "El rapto de Europa" (procedente del Palacio Ducal de Venecia); "Lucrecia" (procedente del KHM de Viena); "Céfalo y Procris" (procedente de Estrasburgo); y "Venus y Adonis" (del Museo del Prado). La sala 4ª continúa con una segunda parte en la que se exponen 3 Magdalenas de Tiziano: la Magdalena penitente (colección particular); la Magdalena de San Petersburgo y la de Nápoles. En realidad, tres hermosos retratos de muchachas jóvenes repletas de la sensualidad propia de Tiziano. Las Magdalenas se exponen con otras obras similares también muy elegantes y sensuales como "Retrato de una joven" de Sebastiano del Piombo (Budapest).

Dos ninfas en un paisaje de Palma el Viejo

La sala 5ª  se titula "El brillo del poder" y en ella, según el cartel introductorio a la sala, se pretende poner de manifiesto la utilización de la luz para realizar reflejos en las armaduras de los personajes militares. Se expone de ejemplo el "Retrato de Francesco Maria della Rovere" de Tiziano. Sin embargo, en esta sala lo que más destacan son las obras de Veronés como el "Júpiter y un desnudo" o "Acteón contemplando el baño de Diana y sus ninfas", entre otras. La sala 6ª titulada "Pastorales venecianas" anuncia un espacio bucólico y en él se exponen, llenas de solemnidad y simbolismo, las maravillosas ninfas de Palma el Viejo en "Dos ninfas en un paisaje". Finalmente, la sala 7ª titulada con gran acierto "El ocaso del Renacimiento" nos muestra ese momento en que la luz y el color de la pintura veneciana renacentista se apagan; ese momento en el que la pincelada se desgarra y empieza el barroco. Aquí se exponen "Judit y Holofernes" de Veronés y numerosas obras de Tiziano como "Niño con perros en un paisaje", "Tarquinio y Lucrecia", "La virgen y el niño", "San Jerónimo" y "Retrato de un dux". Algunas proceden del propio Thyssen pero bueno, otras de Rotterdam, Viena o Budapest. Cierra la exposicón un sobrecogedor "Cristo crucificado" de Tiziano procedente del Escorial con violentos claroscuros.

Enigmático Retrato de joven bella de Palma el Viejo

Lo mejor: Las numerosas obras de Veronés que forman parte de la exposición y la posibilidad que ofrece la sala 4 de contemplar y comparar 4 de sus lienzos juntos. También las 3 Magdalenas de Tiziano expuestas en la segunda parte de la sala 4.
Comentario: Aunque ya he desvelado parte del comentario en la descripción, añadir solamente el hecho de que, como siempre, hay escasa información expuesta junto a las obras de la exposición lo que en definitiva es una invitación a adquirir la audioguía. Sin embargo, en esta ocasión, al menos daban folletos y éstos incluían información relevante sobre el recorrido y el por qué de las distintas selecciones aunque se quedaba un poco corto en relación con los contenidos que se podían extraer de esta exposición si se hubiera incluido más información durante el recorrido. El título de la exposición resulta igualmente coherente con su contenido ya que el visitante que haga el recorrido completo de la exposición tendrá un visión clara de las características más importantes de la pintura veneciana del siglo XVI (luz y color, sí, pero no sólo) y terminará la exposición viendo su disgregación en lo que ya anuncia el barroco (aunque "destrucción de la pintura" es quizá una expresión altisonante). En definitiva, todas las exposiciones del Thyssen cojean del mismo pie: el inmenso trabajo y esfuerzo que hay detrás de las exposiciones temporales (y no digamos de la permanente, en la que sucede exactamente lo mismo) acaba difuminándose en su afán por adaptarse a no-sé-muy-bien qué público pasando por alto que la mayoría de quienes visitamos exposiciones lo hacemos para aprender más de lo que sabemos, no solo para mirar. Las audioguías y los catálogos suponen un gran esfuerzo económico cuando ya hay que pagar una cantidad importante por la entrada. Si se incluyera en carteles explicativos algo del trabajo intelectual que hay detrás de las obras expuestas las exposiciones ganarían verdadero empaque sin necesidad de setas o de reciclajes. Otros Museos lo hacen y sus exposiciones simplemente son mejores por ese pequeño detalle de incluir información que permita entender y apreciar el inmenso trabajo que hay detrás.  No creo que sea pedir demasiado.
Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: "El renacimiento en Venecia:triunfo de la belleza y destrucción de la pintura", Museo Thyssen, del 20 de junio al 24 de septiembre. M-D 10h-19h. Lunes cerrado.  Entrada 12 euros + 4 euros audioguía.