Retorno a la belleza: obras maestras del arte italiano de entreguerras

Una persona y dos edades, Achille Funi (1924)

En pocas palabras: Tercera y última entrega del ciclo que la Fundación Mapfre le dedica al arte italiano, ciclo que se inició en el año 2013 con "Macchiaioli. Realismo impresionista en Italia" y que continuó en 2016 con "Del divisionismo al futurismo. El arte italiano hacia la modernidad".
Organizadores: Fundación MAPFRE y MART (Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto).
Descripción:  El recorrido consta de 7 secciones que pretenden ilustrar cómo el arte italiano de entreguerras vuelve poco a poco al orden (de ahí el título de "retorno a la belleza"). Partimos de la pintura metafísica en una sección denominada "Retorno a la belleza" con obras como la "Noche Angustiante" de Chirico. La siguiente sección titulada "Evocaciones de lo antiguo" entra de lleno en obras del grupo "Novecento", creado en 1922, cuyos autores expusieron sus obras en la Bienal de Venecia de 1924. Se trata de obras muy representativas de ese retorno a la belleza y a lo clásico, como por ejemplo "Arquitecto" donde aparece un capitel corintio que evoca ese pasado clásico o el sencillo retrato de Saffo de Achille Funi. La tercera sección, "El desnudo como modelo", presenta diversos desnudos que nos recuerdan a la Venus de Urbino de Tiziano como "Venere addormentata" de Marussig, de 1924 y procedente de una colección particular.

Concerto, Felice Casorati (1924)

Pasamos a la sección denominada "Paisajes" con una selección de agradables lienzos de Sironi ("La espera", 1931, con una figura y un barco de vela a lo lejos), Carrá ("Varallo Vecchio", de 1924 que refleja una interpretación lírica de la naturaleza) y Morandi. La siguiente sección se titula "Regreso a la figura. El retrato" y aquí apreciamos no solo la vuelta al orden sino también al oficio; vuelta a los géneros tradicionales de la pintura. Particularmente bellos son el "Retrato de muchacha" de Chirico (1921) y "Las amigas" de Malerba. En esta sección se exponen también tres obras que utilizan el damero para aumentar la sensación de profundidad en los cuadros: "Retrato de Teresa Madinelli" de Casorati (1918/19), "La muchacha sentimental" y "El cirujano" de Ubaldo Oppi (1920/22). Continúa la visita con la sección "Poesía de los objetos. Los bodegones" que incluye interesantes composiciones como "Naturaleza muerta" de Achille Funi, 1921 y un cuadro curioso: "Gafas" de Leonardo Dudreville (1924). Finalmente, el recorrido termina con la sección "Las edades de la vida" que incluyen una vuelta a las evocaciones de la maternidad, la vida, la muerte con obras como "Una persona y dos edades" de Funi (1924).

Saffo, Achille Funi

Lo mejor: "Concerto" de Felice Casorati (1924). Destacar también por su elegancia el "Retrato de la esposa" de Ubaldo Oppi (1924). 
Comentario: La muestra incluye una interesante selección de obras de artistas, como siempre, muy bien escogidos (los ya citados Chirico, Morandi, Oppi, Marussig, Casorati) y muy representativas del período de la historia del arte que se propone ilustrar (periodo de entreguerras, principios del siglo XX). Nos introduce en unos estilos conocidos como 'pintura metafísica' y 'realismo mágico' que pretenden volver al orden tras el desorden causado por la Primera Guerra Mundial. El recorrido se ha concebido como una evolución conceptual, mostrando cómo diversos géneros clásicos de la historia del arte (el paisaje, el retrato, el desnudo) son recuperados por los artistas italianos de entreguerras que los reinterpretan en clave de modernidad. En diversos puntos de la exposición se hace hincapié en la relación que algunos artistas de la muestra tuvieron con otros artistas como Picasso, o la influencia que pudieron recibir de Tiziano o della Francesca. Se exponen junto a las obras los suficientes paneles informativos como para entender lo que estamos viendo y, aunque el folleto que dan con la entrada es muy reducido, se puede apreciar correctamente la exposición y aprender. En este sentido, hay que destacar el esfuerzo que hace la Fundación por arriesgar con este tipo de muestras que se salen de lo de siempre; que apuestan por la difusión de obras de artistas que no siempre son conocidos del gran público y que resultan muy interesantes; que se preocupan por dar a conocer, por difundir conocimiento, más que por vender y eso hoy en día requiere mucha valentía y es de agradecer. Siempre es un placer ir a visitar las exposiciones de la Fundación Mapfre porque nunca defrauda; siempre se aprenden cosas y, a veces, se descubren artistas nuevos. En esta ocasión, junto a obras de artistas conocidos como Chirico se exponen obras de otros autores como Achille Funi que personalmente no conocía y, gracias a esta exposición, he podido conocer.
Puntuación: Sobresaliente.

Venere addormentata, Marussig (1924)

Datos prácticos: "Retorno a la belleza: Obras maestras del arte italiano de entreguerras". Del 25 de febrero al 4 de junio 2017. Lunes 14h-20h. Martes a Sábados 10-20H.Domingos y festivos 11-19h. Entrada 3 euros.
 

Gloria Fuertes: Exposición del Centenario de su nacimiento

Fotografía de Gloria Fuertes con una amiga y poema

En pocas palabras: Muy sabrosa exposición organizada con ocasión del centenario del nacimiento de Gloria Fuertes: poeta madrileña, autora de versos tan conocidos como  

Pienso mesa y digo silla, 

Compro pan y me lo dejo, 

Lo que aprendo se me olvida, 

Lo que pasa es que te quiero. 

Una ocasión irrepetible de poder apreciar un conjunto de sus manuscritos y fotografías más íntimos. ¡No os la podéis perder!
Organizadores:  Producción del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa en colaboración con la Fundación Gloria Fuertes.
Descripción:  La exposición está dividida en espacios que recorren cronológicamente la vida y obra de la autora. Cada espacio presenta dos partes: (i) los paneles, que incluyen fotografías de la vida de la poeta a tamaño grande para que se puedan apreciar los detalles junto con poemas de la autora; y (ii)  las vitrinas con documentos originales que incluyen cuadernos de Gloria Fuertes, con sus anotaciones de puño y letra, sus comentarios, sus correcciones, así como cartas, fotografías de pasaporte, artículos, contratos de publicación, y ediciones originales de sus libros, de sus estampitas, de libros que ha leído y que estaban en su casa cuando falleció etc. Se trata de una buena colección de documentos muy interesantes si se tiene paciencia de leerlos todos. Por otra parte, comentar que los espacios divididos cronológicamente comienzan en el espacio dedicado a la niñez y adolescencia de la autora (1917-1935), para seguir con la guerra civil ("incivil" en referencia a un poema de la autora) de 1936 a 1939; luego viene la postguerra de 1940 a 1954, momento en el que conoce al que fue el amor de su vida: Phyllis Burrows Turnbull; después el espacio dedicado a la etapa de su vida que pasó en Estados Unidos (1955-65); y finalmente la década prodigiosa de 1966 a 1975 (sus publicaciones) y de 1976 a 1998 (el final de su vida, el momento en el que creó libros de poesía para los niños y su etapa dedicada a colaborar con TVE).

¿Qué será de las cosas cuando el hombre se acabe? (verso de Gloria Fuertes)

Lo mejor: Los diversos manuscritos originales de la autora con sus poemas a mano, pasados a máquina y sus correcciones en los márgenes. También las hermosas fotografías que la retratan en la intimidad, con su pareja y compañera durante 15 años, Phyllis Burrows Turnbull y su perrita, Rita. 
Comentario:La exposición aborda todos los aspectos de la vida y obra de Gloria Fuertes y eso supone un gran reto. La disposición de forma cronológica resulta en este sentido un gran acierto porque permite adentrarnos en su vida poco a poco, imaginando primero su niñez en el barrio madrileño de Lavapiés con sus corralas, con esa madre a la que Gloria Fuertes tachó el rostro con una cruz en una fotografía que se expone. Luego imaginamos cómo fue su vida durante la guerra que ella llamó incivil gracias a las fotografías que proceden no solo de la Fundación Gloria Fuertes sino también del Archivo Regional de Madrid, con fotografías impactantes como por ejemplo la plaza Cibeles durante la guerra. Y mientras vamos viendo las fotografías, la exposición permite ir leyendo los poemas de los paneles lo cual va creando un relato por la vida y obra de la artista que transcurre en nuestra mente de visitantes de forma paralela. Un auténtico acierto porque copiar poemas en paneles podría casi rozar lo prosaico y quedarse en algo muy kitsch pero lo cierto es que se ven realzados por todo lo que los rodea: desde las fotografías -algunas muy íntimas de la vida de la poeta-, hasta los documentos originales que, como hemos apuntado, se encuentran en las vitrinas expuestas ...todo ello combinado recrea una vida y una obra de forma magistral, nos adentra en la vida de esta poeta con mucho que contar.
Puntuación: Sobresaliente
Datos prácticos: Centro Cultural Fernando Fernán Gómez. Del 14 de marzo al 14 de mayo 2017. Horario M-S 10h-21h. Entrada gratuita.

Philippe Halsman, Sorpréndeme

El salto perfecto de Marylin Monroe

En pocas palabras: La propuesta del CaixaForum para el primer trimestre del año 2017 fue esta exposición sobre el fotógrafo Philppe Halsman. Una excelente mirada al mundo de la historia de la fotografía, no solo por el objeto de la misma sino también por la técnica de las puestas en escenas, el origen de una práctica conocida como la jumpology y muchas cosas más.
Organizadores: Producción de Museo de l'Élysée de Lausanne y Philipe Halsman Archive de Nueva York. Organización La Caixa.

Descripción: Algo más de 300 fotografías presentadas en 4 espacios bien definidos que ofrecen un recorrido por la obra de este fotógrafo originario de Letonia pero que vivió y desarrolló su carrera entre París y Nueva York en las  gloriosas décadas posteriores a 1930-40. Primera parte: los años que Halsman pasó en París con primeras obras que reflejan su potencial (retratos entre los que destaca el de André Malraux, puestas en escenas). Segunda a Cuarta parte: los años que Halsman pasó en Nueva York, con (i) fotografías de retratos de artistas célebres (Marylin Monroe), (ii) puestas en escena y otras colaboraciones con artistas famosos (Fernandel, jumpology), y (iii) finalmente, el espacio dedicado a su colaboración con Dalí. 
Lo mejor: Fotografías de Fernandel para el libro titulado The Frenchman;fotografías de Dalí para el libro titulado Dali's Moustache.

Dali's Moustache

Comentario: Excelente recorrido por la obra de este artista con objetos muy interesantes como la instalación que recrea las diversas portadas de las revistas LIFE de las que sus fotografías fueron portada.También hay numerosas fotografías que son retratos originales de artistas muy famosos que casi rozan el icono como Audrey Hepburn, Malraux, André Gide, Marylin Monroe... toda una década dorada representada en diversas fotografías, algunas con puestas en escena y otras no. La exposición está llena de curiosidades. Por ejemplo, hay una serie de fotografías de Marylin Monroe haciendo ejercicio en lo que parece un dormitorio amerciano estilo años 60. En otras podemos apreciar tiras que constituyen una historia narrada hecha a base de fotografías con diálogos escritos. Otras fotografías reflejan la jumpology, técnica consistente en retratar a un personaje (famoso, en el caso de Halsman) saltando en el aire para lograr ese efecto de ingravidez que pretende reflejar la verdadera naturaleza del personaje en cuestión o la búsqueda del "salto perfecto".

Fernandel

La presentación de las obras contiene algunos paneles explicativos que ayudan a entender el recorrido de forma general, pero las explicaciones concretas en las obras clave se han reservado para la audioguía. Por ello, si bien el visitante neófito tendrá alguna dificultad en ir más allá en el detalle de algunas obras, no se perderá la esencia de la exposición porque los paneles resultan suficientemente esclarecedores del contexto y del contenido de lo que se está viendo.
El recorrido está bien definido, la presentación de las obras tiene criterio, las obras resultan bastante completas para entender la fotografía de Halsman y su contexto. La exposición resulta todo un acierto y es una estupenda manera de evadirse una hora para volver a esa época dorada de la historia del cine, de la literatura, del arte, de la fotografía, de nuestra historia universal.
 Puntuación: Sobresaliente
Datos prácticos: Philippe Halsman, Sorpréndeme: CaixaForum Madrid, hasta el 26 de marzo 2017. Entrada 4 euros . De lunes a domingo, de 10 a 20 h.

Bulgari y Roma

En pocas palabras: Una inigualabe ocasión de apreciar en vivo las brillantes joyas de Bulgari y conocer detalles sobre las obras arquitectónicas que las han inspirado. Una exposición a no perderse.
Organizadores: Museo Thyssen con la colaboración de Bulgari Roma
Descripción:  La exposición consiste en un recorrido único y excepcional por la obra de Bulgari. Comenzamos con una presentación en la que se nos recuerdan las características básicas de la estética de su joyería: estilo italiano alegre y llamativo, utilización del platino y diamantes y preferencia por el oro amarillo. A continuación, se nos explica también con paneles explicativos (que en esta ocasión son además visuales, y con fotografías que van cambiando lo cual resulta moderno) que la marca fue fundada por Sotirio, nacido en Epiro en 1857 y se incluyen fotografías de sus primeras tiendas en la Via Condotti de Roma tanto en su apertura como hoy en día. Especialmente interesante es el panel en el que se nos explica la creación del logotipo de la marca, isnpirado en las letras de las columnas romanas y la creación del famoso reloj Bulgari con la inscripción Bulgari Roma grabada en el bisel. A partir de ahí, se suceden maravillosas fotografías de artistas famosas como Nicole Kidman o Elizabeth Taylor luciendo joyas de Bulgari; bocetos de Bulgari para algunas de sus más sublimes piezas; cuadros e imágenes que reproducen lugares de Roma, basas de columnas, capiteles, el Coliseo, y un sinfín de obras arquitectónicas y plantas que han inspirado las diversas colecciones de Bulgari. Junto a estas representaciones, vitrinas donde lucen con brillo las impresionantes piezas de alta joyería de la marca que no pueden dejar indiferentes por su esplendor, por la finura de sus cabujones y sus engarces, por el diseño, por la elección de piedras preciosas. Por ejemplo, vemos retomado el motivo emblemático de la serpiente, y el mito de Hércules, en unos relojes o los volúmenes redondeados del Coliseo en unos anillos de oro, los casetones del Panteón romano en unos espectaculares collares. Todos los accesorios merecen que uno se detenga ante ellos durante varios minutos. La selección incluye joyería pero también otros accesorios neohelénicos. Los adoquines de la Via Appia se convierten en collares de colorido vivo y exuberante. La visión de esta exposición es una ocasión irrepetible y única. No dejéis de ir a verla. A mitad de recorrido, han incluido una instalación preciosa que te sumerge en una vista preciosa de Roma del atardecer al amanecer con unos bancos en los que poder sentarse.
Lo mejor: ¿Cuál elegir?

 Comentario:Aún me brillan los ojos. La exposición me ha parecido muy interesante. No solo ofrece al visitante la oportunidad de poder contemplar las joyas de Bulgari sino que introduce al espectador en lo que hay detrás de la joyería: la inspiración en el mundo de la arquitectura romana. En este sentido, la muestra incluye bocetos, cuadros, plantas de edificios, y esto da perfecta cuenta de cómo se llega a la joya que luego podemos contemplar en las vitrinas. Más allá de que el comentario más repetido entre las personas que estaban visitando la exposición fuera "no me gusta" o "eso no es ponible", es muy importante saber distinguir de lo a uno le gusta o no le gusta de lo que es artísticamente un trabajo impecable, refinado, e interesante en definitiva como obra de arte digna de ser expuesta en un Museo y todo cuanto se expone en esta exposición sin duda alguna lo es. Personalmente, desconocía por completo el trabajo de Bulgari y lo que había detrás de sus obras de joyería o relojería. He aprendido muchísimas cosas que harán que jamás vuelva a pasar por delante de sus escaparates sin detenerme frente a ellos y pensar ¿en qué obra se habrán inspirado? Si, como yo, hay otras personas, a estas especialmente les encantará esta exposición en la que, además, permiten hacer fotografías.

Puntuación: Matrícula de Honor
Datos prácticos: "Bulgari y Roma". Museo Thyssen. Del 30 de noviembre 2016 al 26 de febrero de 2017. Entrada 12 Euros. Horario M-D 10h a 19h. Sábados hasta las 21h.

Renoir: Intimidad

En pocas palabras: La propuesta del Museo Thyssen para este otoño-invierno es la exposición titulada "Renoir: Intimidad", que se ha organizado con ocasión del aniversario de los 25 años del Museo.
Organizadores:  Museo Thyssen-Bornemisza con el mecenazgo de Japan Tobacco International.Comisariada por Guillermo Solana, director artístico del Museo.
Descripción: El recorrido presenta seis espacios. En la introducción, comenzamos con el único panel explicativo que está expuesto y que nos explica que si bien Renoir se asocia a espacios públicos y abiertos, también tiene cuadros intimistas. Las dos primeras salas se titulan "Impresionismo: lo público y lo privado". En ellas nos encontramos con mucha gente agolpada y, a través de sus cabezas y cuerpos podemos distinguir, si tenemos un poco de suerte, unos estupendos lienzos del artista. En primer lugar, retratos: retrado de Jean Samary, retrato de Madame X, retratos de la Mujer de Monet (procedentes de Lisboa y París) y de Monet leyendo. En estas dos salas se encuentran también el elegantísimo "Después del almuerzo" y la "Mujer al piano" procedente de Chicago. Solo en estas dos primeras salas, llama la atención el origen tan dispar de las numerosas obras expuestas que proceden de sitios tan remotos como Chicago, Los Angeles, Portland, Saint Louis o Moscú y también de Lisboa, Dublin, Frankfurt y numerosas colecciones particulares. En la segunda sala de este espacio no os perdáis el estudio para el Moulin de la Gallete procedente de Copenhague y datado en 1875-76. El segundo espacio se titula "Retratos de engargo" y en él encontramos retratos de la familia Durand-Ruel, todos procedentes de colecciones particulares de la familia por lo que suponen la ocasión única de apreciarlos en vivo. En la continuación de la sala, se abre el espacio titulado "Placeres cotidianos" donde se contemplan cuadros intimistas sobre la mujer como "Mujer tocando la guitarra" o "Jóvenes leyendo" o "Jóvenes leyendo un álbum". Destaca el craquelado del cabello de la "Niña con fusta" procedente de San Petersburgo y "La maceta verde", un cuadro maravilloso procedente de Toledo. En el siguiente espacio titulado "Paisajes del norte y del sur" nos encontramos con los paisajes pintados por Renoir como el "Paisaje de la Roche Guyon" de 1887 procedente de México y "El estanque". También han incluido "Figuras en la playa" que procede del Metropolitan de Nueva York. La siguiente sala se titula "La familia y su entorno" e incluye diversos lienzos de Alice Renoir, de Edmond Renoir junior, etc. Terminamos el recorrido con la sala "Bañistas" donde se exponen lienzos de desnudos repletos de sensualidad como "Desnudo de espaldas" procedente de Tel Aviv y "Mujer atándose el zapato" o "Bañista arreglándose el pelo".
Lo mejor: "Mujer al piano" datado en 1875-76 procedente de Chicago. 
Comentario: En primer lugar, destacar la ausencia de información. No hay ningún panel explicativo durante el recorrido y la información contenida en el primer panel es prosaica y no aporta nada salvo que desconozcas lo que significa la palabra "intimidad". En segundo lugar, me parece importante resaltar que el Museo ya no sabe dónde poner los folletos de sus exposiciones para que la gente no los coja: ahora están en un muro, bien apartado de la cola y tienes que dar unos seis pasos para cogerlos al vuelo antes de entrar a pesar de que haya muchísima gente detrás de ti empujando con su entrada en la mano. Estos dos hechos hacen que la organización de la exposición se desluzca. Bien, todos podemos apreciar cuadros de Renoir sin necesidad de conocer detalles técnicos pero lo interesante de una exposición es precisamente aprender esos detalles. El hecho de que cada vez lo pongan más difícil para ahorrarse el dinero, a pesar de que hayan subido el precio de la entrada, desluce el resultado final. Dicho esto, que va en la línea de comentarios anteriores sobre exposiciones organizadas por el Thyssen, al menos en esta la exposición sí va de Renoir (cosa que no sucedió con otras exposiciones supuestamente monográficas que se quedaron en nada). En esta exposición se presentan exclusivamente obras del pintor (75, para ser exactos). Esto obviamente va en consonancia con el título de la exposición, contra todo pronóstico. En relación con la selección, mencionar que se trata de los lienzos más intimistas de Renoir, con esa luz que los caracteriza, su pincelada pastosa y traslúcida, tan personal y distinguible, sus colores violáceos y su sensualidad características que aportan una sensación de suavidad al recorrido que acompaña hasta el final. De hecho, el último tramo del recorrido consiste en un espacio titulado "Un hermoso jardín abandonado". Se trata de una habitación pequeña y oscura en la que podemos escuchar ruidos de jardín, y oler en unos tubos olores de flores y jardines así como pasar la yema de los dedos por la superficie de un cuadro de Renoir en relieve. Todo ello tiene como objetivo despertar nuestros sentidos y acercarnos a la obra de arte de otro modo así como acercar el arte visual a personas con sensorialidad reducida, una apuesta que debería ir a más.
Puntuación: Notable.
Datos prácticos: "Renoir: Intimidad". Museo Thyssen. Del 18 de octubre 2016 al 22 de enero 2017. Entrada 12 euros (más la audioguía que cuesta y sin la cual no te enterarás de nada ya que no hay ni un solo panel explicativo). Horario: L-D 10h-19h y Sábados hasta las 21h.

Hitchcock, más allá del suspense

Instalación "iconos"

Réplicas de vestuario

 En pocas palabras: Una sabrosa exposición para fans de las películas de Hitchcock y algunos curiosos con abundantes instalaciones que nos sumergen de inmediato en el ambiente de suspense de sus películas.
Organizadores: Fundación Telefónica. Comisario: Pablo Llorca.
Descripción:  El recorrido está dividido en 11 espacios (numerados para no perderse) que recogen diversos elementos de la filmografía del director. Se trata de elementos de fácil reconocimiento para la mayoría del público como el dedicado a los "iconos" que recoge algunas de las imágenes en gros plan más populares de sus películas como el famoso ojo con pestaña, la navaja, la soga, y otros elementos recurrentes en sus films y que se han convertido en imágenes iconográficas del director. Otro espacio es el dedicado a las mujeres, pero se queda en una sucesión de las diversas actrices convertidas gracias a él en iconos del cine. El recorrido no obstante pretende seguir un orden cronológico según el orden de sus películas. A cada una le corresponde una instalación, a veces varias. Estas instalaciones son la base del recorrido. Algunas incluyen diversos momentos de las películas como la mítica escena de introducción a Manderley en "Rebeca", por ejemplo.
Lo mejor: La instalación dedicada a la célebre escena de la ducha de "Psicosis" incluye una proyección de dicha escena sin música (como estaba inicialmente pensada) y con la música de Bernard Herrmann. Esta proyección da una idea de lo importante que es la música en las escenas de suspense (y no solo en las películas de Hitchock sino en el cine en general); además, sumerge al espectador directamente en la frialdad de la escena ya que las paredes de la instalación están recubiertas -con acierto- de falsos azulejos blancos y, tras nuestras espaldas, hay una especie de cortina de ducha. Todo escalofriante y a la vez instructivo pues el objetivo de esta instalación es entender la importancia que tuvo la sucesión de sonidos agudos de violines en la representación de una de las escenas más míticas de la filmografía de Hitchock, cosa que se consigue con sobresaliente ingenio.

Cartel de Psicosis (Biblioteca Nacional de España)

Comentario:Sin perjuicio de que la exposición se queda en cosas algo superficiales sin adentrarse mucho en temas que se podrían tratar sobre el director (como su misoginia, u otros aspectos más polémicos de su vida, su personalidad o sus obras), la exposición logra no obstante gracias a sus interesantes instalaciones brindarnos la oportunidad de hacer un agradable paseo por sus películas. La posibilidad de apreciar los storyboards merece sin duda el desplazamiento. Una pena que el vestuario de Grace Kelly expuesto se quede en una réplica del vestido original, pero aún así hay otras piezas interesantes. Por ejemplo diversos carteles originales de películas que proceden de los archivos de nuestra Biblioteca Nacional y que están expuestos. También hay algunas revistas en las que participó Hitchcock dirigiendo una especie de fotonovela y fotografías originales de Hitchcock con Truffaut y Dalí, entre otras personalidades de su tiempo. Es decir, obviando las instalaciones también hay material de fondo, pero lo que predominan son las instalaciones. Algunas de ellas incluyen sabrosos documentales, como un documental corto en el que se nos explica cómo se rodaron con planos superpuestos las escenas de los pájaros en la película del mismo nombre u otro documental (algo más largo) que consiste en una entrevista realizada al director donde se le permite que explique diversos aspectos de cómo rodó ciertas escenas en sus diversas películas. En definitiva, hay instalaciones, sí, pero también hay buen material de fondo lo que hace que la exposición quede algo más completa. aunque se hubiera podido ir mucho más lejos teniendo en cuenta la complejidad de su personalidad, y también la de sus películas.
Puntuación: Notable.
Datos prácticos: Hithcock, más allá del suspense. Fundación Telefónica. Del 5 de octubre 2016 al 5 de febrero 2017. Entrada gratuita.

El arte de Clara Peeters: una historia en imágenes

En pocas palabras: Esta exposición es una muestra muy sabrosa que pone de relieve la figura de una artista poco conocida llamada Clara Peeters: la primera mujer pintora a la que el Museo del Prado dedica una exposición monográfica ¡en 200 años! A los habituales del Museo del Prado nos sonaba su nombre, porque algunos de sus cuadros estaban expuestos en la colección permanente (desafortunadamente, a tanta altura que era imposible apreciarlos bien) pero desconocíamos a la pintora y esta exposición es todo un acierto al darle mayor visibilidad además de ofrecer al visitante la posibilidad de apreciar sus obras junto con otras de procedencia diversa. 
Organizadores: Museo del Prado en coordinación con el Museo de Bellas Artes de Amberes. Comisario Alejandro Vergara.
Descripción: La exposición incluye 15 de los 40 cuadros conocidos y/o atribuidos a la pintora Clara Peeters, originaria de Amberes. Aunque de ella se conocen pocos datos, se sabe que nació alrededor de 1588-90 y parece que desarrolló su actividad pictórica entre 1607 y 1621. La muestra está compuesta por un recorrido sencillo integrado en una única sala en la que se exponen los 15 bodegones que se han podido reunir de la artista y que estaban diseminados en distintos países y colecciones, oficiales y particulares. Comenzamos con espléndidos bodegones como el Bodegón con quesos, almendras y panecillos donde podemos empezar a familiarizarnos con algunos elementos recurrentes de su iconografía como, por ejemplo: el cuchillo de plata en primer plano en cuyo mango la pintora ha escrito su nombre; el plato en azul ultramar de porcelana china de kraak con las lascas de mantequilla; y, como no, su mayor seña de identidad, un autorretrato en miniatura en el reflejo de la tapa de la jarra. Esto es quizás lo más fascinante de la pintura de Clara Peeters: al representarse a sí misma como artista en sus bodegones, está afirmando su posición de mujer y pintora en una sociedad en la que la pintura estaba casi siempre dominada por los hombres. Le siguen otros cuadros igual de fascinantes como Bodegón con dulces, granada, copa dorada y porcelana, procedente de una colección particular, del que destaca la exquisita copa dorada cuyo motivo se repite en varios de sus cuadros y que se atribuye al hecho de que probablemente le pertenecía a la artista y que ella reutilizaba el motivo, siempre en diversas posiciones, en sus cuadros. También destaca en este cuadro el dulce en forma de P, P de Peeters, obviamente, que funciona como otra reivindicación de su condición de autora del cuadro. En otro de estos bodegones, Bodegón con flores, copas doradas, monedas y conchas, aparecen hasta seis autorretratos en los reflejos de la copa dorada. La exposición incluye, a modo ilustrativo, un cuadro titulado "Alegoría del gusto" pintado por Rubens y Brueghel el Viejo. Y si se quiere aprovechar un poco más el precio de la entrada -que es obligatoriamente conjunta para la exposición y para la colección permanente-, se puede volver a visitar las salas en las que están expuestos otros bodegones ya que muchos de ellos son coetáneos de los de Clara Peeters (en la primera planta, hay una salita dedicada a bodegones pero en general se pueden apreciar por toda la colección permanente del Museo).
Lo mejor: El bodegón Mesa con mantel, salero, taza dorada, pastel, jarra, plato de porcelana con aceitunas y aves asadas en el que diseño de la empanada contrasta con la retícula del cuadro aportando belleza y elegancia a la composición. Pertenece a la colección del Prado pero ahora se puede apreciar mejor al estar situado a la altura de la vista.
Comentario: Resulta todo un acierto que el Museo del Prado haya decidido, por fin y en colaboración con el Museo de Bellas Artes de Amberes, darle visibilidad a esta mujer artista que sin duda merece todos los elogios. Entre sus logros - además del que hemos mencionado sobre su capacidad de reivindicar su condición de mujer artista en autorretratos en miniatura incluidos dentro de su obra- se encuentra el haber sido la autora del primer bodegón conocido que incluye la figura de un pescado, alimento muy popular en el siglo XVII (Bodegón con pescados, vela, alcachofas, cangrejos y gambas). Además, aunque se sepa poco de ella, resulta notable que el Museo se haya esforzado en hacer una investigación sobre su figura, un estudio sobre ella y sobre lo que se sabe y lo que no quedando como conclusión de este trabajo no sólo la exposición sino también su catálogo y las diferentes conferencias que le van a dedicar con ocasión de la exposición. Un pequeño gran trabajo que la artista se merecía para no ser olvidada y no pasar desapercibida en las próximas visitas que se hagan a la colección permanente del Prado.

Finalmente no quiero dejar de mencionar que Clara Peeters no es la única mujer artista cuyas obras posee el Museo del Prado. En este sentido, sería deseable que el Prado viera esta exposición dedicada a una mujer artista como un primer paso y que se decidiera a desenpolvar y restaurar los otros cuadros de mujeres artistas que guarda en sus sótanos y que no han sido expuestos al público en siglos. Desde hace varios años, se está haciendo un esfuerzo por darle visibilidad a las mujeres artistas con exposiciones diversas en museos y fundaciones;  y el Prado como primera pinacoteca de España no debería quedarse atrás. Celebremos pues que en este caso se haya decidido a dar el primer paso, y deseemos que se trata del primero de muchos más.
Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: El arte de Clara Peeters, Museo del Prado, del 25/10/2016 al 19/02/2017. Horario L-S 10h-20h, D-F 10h-19h. Lamentablemente, la entrada es algo cara porque tiene que ser conjunta para la colección permanente y la temporal, 15 euros.