Balthus

"La partida de naipes" (1948-50)

En pocas palabras:  Se trata de una exposición retrospectiva que reúne 47 obras de este artista francés de principios del siglo XX con orígenes alemanes que desarrolló un estilo figurativo propio en la época de las vanguardias pero manteniéndose al margen de ellas.
Organizadores: Museo Thyssen y Fondation Beyeler en Riehen/Basilea. Comisariada por Raphaël Bouvier con el apoyo de Michiko Kono y Juan Ángel López-Manzanares.
Descripción: El recorrido consta de 8 salas.

• La sala 1 se titula "El desarrollo de un lenguaje visual. Obras de juventud". En ella nos encontramos con un panel biográfico del artista en el que se describe su cronología y se expone la reproducción de una fotografía de él en el estudio de Picasso.

  

  Fotografía de Balthus y Picasso (1944)

  También hay otro panel que nos introduce en la figura de este artista francés nacido en 1908 en París en el seno de una familia de origen alemán. En él se cuenta que fue autodidacta y que copió a los grandes maestros del pasado. Se exponen obras donde nos encontramos con elementos recurrentes en su obra como los personajes infantiles. Destacan "El jardín de Luxemburgo" (1928) y "Plaza del Odéon" (1928). En esta última obra apreciamos una composición de planos paralelos y colores pardos y grisáceos. 

  

  Plaza de l'Odéon (1928)

• La sala 2 se titula "Provocación y transgresión". Esta sala se centra en la primera exposición individual de Balthus en la Galeria de Pierre de París en 1934. Se exponen tanto obras de abierto erotismo como "El aseo de Cathy" (1933) como obras con un lenguaje más realista como "La calle" (1933) con su calculada ordenación matemática.

  

  "La calle" (1933) 

  
  

• La sala 3 se titula "Representación e intimidad. Retratos de los años treinta". En esta sala nos encontramos con las obras posteriores a su intento fallido de suicidio en 1934. Se trata de obras con sobrios tonos tierra, en las que podemos apreciar la fragilidad de los retratados. Destaca la obra "Los hermanos Blanchard" (1937) que son dos hermanos vecinos del estudio de Balthus en París. En esta obra de aprecia un rígido esquema piramidal en los cuerpos. En "El rey de los gatos" (1935) Balthus se representa a sí mismo como un intelectual romántico, como un dandy a la manera de Lord Byron. 
• La sala 4 tiene una primera parte que continúa siendo la sección anterior en la que se exponen las deliciosas obras de "Thérèse" (1938) y "Thérèse soñando" (1938).

  

  "Thérèse" (1938)

  Luego empieza la sección titulada "Los años de Champrovent, Friburgo y Ginebra". Esta sección trata los años posteriores al inicio de la segunda guerra mundial. Durante esta etapa, Balthus hace escenas de interior con adolescentes en austeras estancias; sus obras tienen un carácter intimista y silencioso. Se exponen obras como "Muchacha dormida" (1943), "El salón" (1941-43) y "Los buenos tiempos" (1944-46).

  

  "Los buenos tiempos" (1944-46) 

  
  

  También se exponen obras en las que contrasta el ambiente pastoral con los tiempos bélicos que vivía el artista como "El cerezo" (1940).

  

  "El cerezo" (1940)

  
  
• La sala 5 se titula "De vuelta en París. Obras de la segunda mitad de los años cuarenta". Se trata de la etapa más creativa de su carrera con composiciones de carácter escenográfico o teatral y escenas de aseo de adolescentes. Se exponen obras como "El aseo de Georgette" (1948-49) y "Muchacha ante el espejo" (1948).

  

  "El aseo de Georgette" y "Muchacha ante el espejo"

  Pero la obra que destaca de esta sala es "La partida de naipes" (1948-50), que es la única obra de la exposición perteneciente a la colección permanente del Museo Thyssen y que ha sido restaurada recientemente. 
• La sala 6 se titula "El periodo de Chassy. Obras de los años 50". Aquí se exponen obras como "Patio de una granja de Chassy" (1960) en la que se somete las formas a un entramado geométrico de horizontales y verticales propio de arquitecturas. También se exponen escenas de interior como "Colette sentada" (1954). En "El sueño II" (1956-57) se aprecia la síntesis de una perspectiva frontal contrapuesta con una perspectiva elevada a la manera oriental con posible influencia de Matisse. También se aprecia la influencia de Matisse en la ventana abierta de "La toalla azul". 
• La sala 7 se titula "De Roma a Rossinière. Obras tardías". En esta sala se exponen obras como "Las tres hermanas", "Desnudo recostado" y "La habitación turca". En esta última, cuya textura recuerda a los frescos, nos encontramos con una mujer posando como una odalisca en una habitación con arabescos. 

  

  "La habitación turca"

• La sala 8 es la última sala del recorrido. En ella se proyecta un vídeo del estudio técnico de la obra "La partida de naipes" por el Museo Thyssen durante el proceso de restauración del cuadro. Nos enteramos de datos interesantes como las diversas rectificaciones sufridas por el cuadro en la posición de las manos de la niña y en el hecho de que el personaje de la derecha fuera primero una mujer para luego convertirse en un hombre.

Lo mejor: La sensualidad de "Muchacha dormida"(1943).

"Muchacha dormida" (1943)

Comentario: Por una vez podemos decir que en esta exposición sí se incluían paneles informativos a pie de obra y también paneles introductorios en cada una de las secciones. Durante todo el recorrido había información para seguir el hilo narrativo de la exposición que, en esta ocasión, consistía en una retrospectiva de la obra del artista cuyas obras estaban colocadas siguiendo un orden cronológico. No hacía falta adquirir la audioguía para entender los diferentes periodos de la obra del artista y se podían disfrutar de forma correcta sus obras. También ofrecían los folletos a la entrada. Además se permitía hacer fotografías a casi todas las obras salvo las que estaban señaladas con una imagen que indicara lo contrario. En conclusión, se trata de una exposición organizada por el Museo Thyssen pero que no cuenta con los aspectos más negativos que solemos comentar de sus exposiciones sino todo lo contrario: en esta había información, las obras estaban expuestas siguiendo un orden lógico y la selección resultaba de lo más interesante y permitía obtener una visión del conjunto de su obra.
Puntuación: Notable.
Datos prácticos: "Balthus", Museo Thyssen, del 19 de febrero al 26 de mayo 2019. Entrada 13 euros. M-D 10-19h. S 10h-21h.  Página web de la exposición

Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre

Cubierta para "La Vie à Montamartre"

En pocas palabras: Excelente exposición que reúne numerosas obras de Henri de Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos, consiguiendo recrear la atmósfera de Montmartre a finales del siglo XIX con sus cafés-concerts y cabarets, sus ambientes bohemios y peculiares personajes callejeros.

Organizadores: Concepción y producción: Obra
Social ”la Caixa”. Comisariado: Phillip Dennis Cate, crítico de arte y comisario
independiente.
Descripción: El recorrido es largo, consta de 14 salas pero os aseguro que si llegáis con fuerza al final, no lo lamentaréis pues cada sala tiene numerosas obras interesantes y al final hay alguna que otra sorpresa. La organización de las salas es la siguiente:

En la sala 1 hay una obra espectacular que se titula "Cubierta para La Vie à Montmartre" de Pierre Marie Louis Vidal (1897). Esta obra se expone junto con un panel de introducción titulado "Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre" en el que se explica que no se trata de una exposición monográfica sobre Toulouse-Lautrec sino de recrear el espíritu bohemio y vanguardista de un barrio, Montmartre, a finales del siglo XIX, cuando se convierte en un centro de artistas de diversa procedencia. Se exponen, enfrentados, dos óleos sobre "El bosque sagrado": el original de Pierre Puvis de Chavannes (1884) y la parodia de Toulouse-Lautrec.

"El bosque sagrado", parodia de Toulouse Lautrec (1884) 

 En la sala 2 nos encontramos con la sección "París y Montmartre" que sitúa al visitante en el barrio de Montmartre a finales del siglo XIX -con obras como "Vista de Montmartre" de Charles Lacoste (1900)- y en la realidad de sus calles con "Desamparados" de Fernand Pelez (1883). 

"Vista de Montmartre" de Charles Lacoste (1900)

"Desamparados" de Fernand Pelez (1883)

La sala 3 expone una gran litografía titulada "La calle" de Steinlen (de quien veremos numerosas obras a lo largo de toda la exposición). Se puede contemplar también una pequeña obra muy bonita de Paul Signac titulada "Le Moulin de la Galette".

"Le Moulin de La Galette" de Paul Signac

La sala 4 se titula "El primer Le Chat Noir" y, como es lógico, se centra en la figura del mítico cabaret abierto en 1881 por Rodolphe Salis. Se expone por supuesto la famosa litografía de Steinlen para la gira del "Chat Noir". Otra de las joyas de esta sala es la exposición de una partitura de "La ballade du Chat Noir" (1884) ilustrada también por Steinlen. No paséis por alto la litografía de Manet "El encuentro de los gatos" (1869).

Cartel para una gira de "Le Chat Noir" por Steinlein 

La sala 5 se titula "El segundo Chat Noir". En 1885, Rodolphe Salis traslada el "Chat Noir" a otro edificio y el primer "Le Chat Noir" es adquirido por el cantante Aristide Bruant que lo convierte en "Le Mirliton". En este "segundo Chat Noir", Rodolphe Salis crea un teatro de sombras que se expone en la sala 6 de la exposición. Al margen de esta explicación histórica, mencionar que las obras que se exponen en esta sala son divertidas y están fundamentalmente dedicadas a la representación de gatos como "La apoteosis de los gatos" de Steinlen.

"La apoteosis de los gatos" de Steinlen (1885)

La sala 6 incluye una instalación muy bien realizada que sumerge al visitante en el interior del Chat Noir. De frente, nos encontramos con una fotografía gigante del interior del cabaret y a mano derecha con el teatro de sombras creado por Henri Rivière para el segundo "Le Chat Noir". En las paredes de la sala, se exponen las diferentes placas de zinc utilizadas para las representaciones. Se han esforzado por sumergir al visitante en el ambiente bohemio del cabaret incluso haciendo sonar canciones originales de la época. ¡Ojo! Que no os distraiga mucho la instalación porque en la parte superior hay cuatro litografías de Jules Chéret que no deberíais pasar por alto. Finalmente, un detalle muy curioso si os gusta lo anecdótico es que en esta sala se expone el menú del "Chat Noir" con su lista de platos y precios :-)

Instalación de la sala 6

Menú del "Chat Noir"

La sala 7 contiene un gran panel con una fotografía del cabaret "Quat'z'arts" (1900). En las vitrinas se exponen diversas obras como "Mona Lisa con pipa" de Eugène Bataille. También hay litografías como "La vaca rabiosa" de Toulouse-Lautrec (1896). 

Fotografía del cabaret "Quat'z'arts" (1900)

La sala 8 consta de dos secciones. La primera sección se titula "El arte periodístico y la vanguardia". En 1875 el grabador Charles Gillot inventó un nuevo sistema para imprimir lo que dió mayor importancia al dibujo como técnica artística. Gracias a esta nueva técnica, aparecieron numerosas ilustraciones para revistas y libros. Destaca la representación de Toulouse Lautrec por Louis Anquetin para la revista "Le Rire" (1894).  También se exponen la litografía "La Reine de joie" (1892) de Toulouse-Lautrec y "Los soliloquios del pobre" de Steinlen (1906).  La segunda sección se titula "Grabados y carteles originales". Entre otros aspectos, esta sección se centra en la publicación de grabados "L'estampe originale". Se exponen litografías como "La fuente del mal" (1894) de Georges de Feure que aparecieron en esa publicación.

"Reine de Joie" de Toulouse-Lautrec

En la sala 9 se encuentra una sección titulada "Cafés, cafés concierto y salas de baile". Conviene llegar a ella con fuerzas ya que es sin duda una de las mejores salas de la exposición. Se divide en dos espacios. En el primer espacio hay pequeñas joyitas como el óleo de Van Gogh "Mesa de café con absenta" (1887). 

"Mesa de café con absenta" de Van Gogh

En el segundo espacio de esta sección se exponen un buen número de litografías de Toulouse-Lautrec. Por ejemplo: "May Belfort" (1895), "Jane Avril en el Jardin de París" (1893), "Moulin Rouge: la Goulue" (1891), "La troupe de Mlle Églantine" (1896), "Le divan japonais" (1893). También se expone el óleo "Jave Avril saliendo del Moulin Rouge" de Toulouse-Lautrec. Destaca una pequeña y simpática caricatura de "Toulouse-Lautrec enfrente del Moulin Rouge" hecha por Ferdinand Bac (1890).

La sala 10 se titula "Teatro y espectáculo" y se centra en la figura del teatro con obras de Toulouse-Lautrec realizadas para programas de obras de teatro como "Raphaël y Salomé" (1896) o "El dinero" (1895). En la sala 11 se exponen obras como "Bailarina" de Louis Legrand (1895) y la representación de Loïe Fuller, la bailarina americana, por Charles Maurin (1895). La sala 12 se titula "El circo". En ella se expone por ejemplo un retrato de "Toulouse-Lautrec en el circo" realizado por Jean de Rasty (1895). En un vitrina se exponen dibujos de Toulouse-Lautrec en el circo como "Au cirque" (1905) realizado con lápices de colores sobre papel. La sala 13 se dedica a "La representación de la mujer" y en ella nos encontramos con las famosas representaciones de prostitutas y mujeres "caídas" como "Mujer con sombrero azul" de Luis Anquetin (1890), "Eva caída" de Georges Rouault (1912) y "Mujer en el jardín de Mr. Forest" de Toulouse-Lautrec (1889) procedente del Metropolitan Museum de Nueva York. La sala 14 es la última sala del recorrido y es una continuación de la anterior con obras de Toulouse Lautrec como "Mujer sentada sobre la cama" (1897). Las joyitas que están justamente al final de la exposición son dos obras de la única mujer artista de la muestra, la artista Suzanne Valadon: "Jugadoras de cartas" (1912) y "Después del baño" (1908).
Lo mejor: Las litografías de Toulouse-Lautrec, las numerosas partituras ilustradas y la presencia de Suzanne Valadon entre los artistas expuestos. 
Comentario: Lo primero que conviene saber antes de ver la exposición es que no se trata de una exposición monográfica sobre Toulouse-Lautrec. Como se pone de manifiesto en el panel de introducción a la exposición, el objetivo de la muestra es sumergir al visitante en el espíritu bohemio y artístico de Montmartre a finales del siglo XIX como centro neurálgico de artistas. En este sentido, para que os hagáis a la idea de la proporción, de las 345 obras expuestas solo hay 61 obras de Toulouse-Lautrec. Éstas se encuentran diseminadas a lo largo del recorrido. Sin embargo, este hecho no desmerece en absoluto el resultado ya que durante la visita se pueden apreciar obras de artistas todos ellos vinculados con Montmartre y se ponen de relieve los intercambios entre ellos. De hecho, uno de los aspectos relevantes de la exposición es la variedad de técnicas artísticas que se exhiben. Además de las consabidas litografías y carteles que se han hecho famosos, y de algunos óleos realmente interesantes, se pueden apreciar producciones artísticas más efímeras como la estampación, la ilustración de libros y revistas, el diseño de partituras y otras obras en papel. Entre ellas, la que me ha resultado más interesante es la de las partituras pues nunca antes las había visto en una exposición dedicada a esta época y me ha resultado fascinante. También me gustó el hecho de que el cierre de la exposición fuera con Suzanne Valadon, una mujer artista que se distancia un poco más en el tiempo respecto de Toulouse Lautrec pero que se ha ganado su presencia entre los artistas de la bohemia. Durante el recorrido, había numerosos paneles explicativos que contextualizaban las obras pero pocos datos técnico-artísticos. Es decir, que el contenido de las explicaciones eran históricas o anecdóticas pero poco artísticas (no trataban temas de composición, ni estilo, ni técnicas artísticas como las diferencias entre litografías y fotograbados que podrían haber explotado más). Quizás esto último fuera lo único negativo de la exposición que, a pesar de ello, resulta un paseo muy agradable y ameno por el París fin-de-siècle. Llevad una buena cámara de fotos porque permitían hacer fotografías sin flash.
Puntuación: Sobresaliente
Datos prácticos: "Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre". Caixaforum Madrid.  Del 20 de febrero 2019 al 19 de mayo 2019. L-D 10h-20h. Página web de la exposición

De Chagall a Malévich: el arte en revolución

"La catedral de San Basilio" de Lentúlov (1913)

En pocas palabras: La propuesta de esta exposición es ofrecer una visión del arte de vanguardia ruso de principios del siglo XX. Las figuras de Chagall y Malévich deben tomarse como marco temporal de la exposición ya que no se trata de una exposición centrada en sus obras. De hecho, hay pocas obras de Chagall durante el recorrido; Malévich cuenta con más representación pero lo que realmente destaca es el esfuerzo de la Fundación por reunir artistas diferentes entre sí que conjugan en sus obras aspectos de las vanguardias con las tradiciones pictóricas rusas. Destaca la presencia de numerosas mujeres artistas.

Organizadores: Fundación Mapfre en colaboración con Grimaldi Forum Monaco. Comisario: Jean-Louis Prat.
Descripción: El recorrido consta de 9 salas y 8 secciones. En la entrada a la exposición (sala 1) se pueden ver un panel de introducción y otro panel con la cronología de la historia de Rusia de 1905 a1930 junto con referencias a los hitos artísticos más importantes. La sala 2 incluye 2 secciones. La primera sección se titula "Clasicismo y neoprimitivismo". Esta es la sala más figurativa del recorrido. Nos encontramos con obras que reflejan la tradición de las artes populares rusas pero también otras obras que muestran la influencia de Cézanne como en "Barcos en Cassis" (1913) y "San Gimignano" (1912) de Konchalovski. La obra que más destaca es "La catedral de San Basilio" de Lentúlov (1913) que refleja la combinación entre la visión cubista, el dinamismo cromático del orfismo y el color brillante de raíz fauvista.

"San Gimignano" de Konchalovski (1912)

Al final de la sala 2 se pueden apreciar obras como "El paseo" de Chagall (1917), "El segador" de Malévich (1911-12) y "El baño de los caballos" de Natalia Goncharova (1911). 

"El segador" de Malévich (1911-12)

"El baño de los caballos" de Goncharova (1911)

Dentro de la sala 2, a mitad de recorrido, se encuentra la sección 2 que se titula "Nuevos libros para nuevos lenguajes" y en ella se exponen vitrinas con antologías y libros futuristas. Destaca el collage de Olga Rózanova "Linograbado y collage para Guerra" (1916). En la sala 3, que es una continuación de la sección 1, se exponen obras como "Modelos en el estudio" de Iliá Mashkov (1916).

"Modelos en el estudio" de Mashkov (1916)

Ya en la segunda planta, la sala 4 incluye la sección 3 que se titula "Cubofuturismo y rayonismo". El cubofuturismo es un movimiento ruso que combina características del cubismo y del futurismo. Nos encontramos con obras como "El ciclista" de Goncharova y  "Hombre, arte y espacio" de Popova.

El rayonismo es una fusión entre cubismo, futurismo y orfismo. Destaca la obra "Lirios rayonistas" de Goncharova. La sala 5 contiene la sección 4 que se titula "Camino a la abstracción". En ella se exponen obras más abstractas como "Composición" de Alexandra Exter. De hecho, la pared de la derecha de esta sala incluye solo obras de Alexandra Exter y Liubov Popona, dos mujeres artistas. En la pared de la izquierda se exponen, entre otras, obras de Kandinski como "Murmau. Jardín II" (1910) o "Nublado" (1917). La sala 6 es circular y en ella se exponen litografías de Malévich y una obra pequeña de Chagall titulada "El espejo". La sala 7 contiene la sección 5 que se titula "Suprematismo" (movimiento artístico creado por Malévich). En ella se exponen obras como "Cuadrado negro" (1923) y "Cruz negra" (1923) de Malévich.

"Cruz  negra" de Malévich (1923)

Finalmente, la sala 8 incluye tres partes. La primera parte la constituye la sección 6 titulada "Constructivismo" (movimiento de principios pragmáticos y funcionales). Destacan la obra de Popova "Construcción dinámico-espacial" (1921) y "Composición nº 125" de Ródchenko.  La segunda parte la constituye la sección 7 titulada "La escuela de Matiushin". Matiushin fue un músico asociado a la vanguardia rusa. Se expone una obra suya titulada "Composición en el espacio" (1921).  En la mitad de la sala 8, nos encontramos con la sala 9 que incluye litografías relacionadas con la obra "Victoria sobre el sol" como "Sepultureros".  La tercera parte de la sala 8 consiste en la sección 8 titulada "Hacia una nueva representación" con obras de los años treinta como "Fórmula de la primavera" de Filónov (1927-29). La última obra de la exposición que cierra el recorrido es "Deportistas" de Malévich (1930-31).

"El ciclista" de Goncharova

Lo mejor: La presencia de numerosas mujeres artistas: Xenia Ender, Alexandra Exter, Natalia Goncharova, Liubov Popova, Olga Rózanova, Varvara Stepánova y Nadiezhda Udaltsova. 
Comentario: No se trata de una exposición centrada en obras de Chagall y Malévich. Estos nombres deben tomarse como marco temporal de la exposición que traza un camino entre el arte más figurativo y onírico de Chagall para terminar con las obras más abstractas de Malévich. Entre estos dos artistas, a lo largo de los años que van desde principios del siglo XX hasta la década de 1930 aproximadamente, Rusia ha tenido numerosos artistas menos conocidos para el gran público que la exposición ayuda a descubrir. Entre ellos, figuran numerosas mujeres artistas. La selección de obras de las dos primeras salas contrasta con las siguientes ya que al ser más figurativas son, en general,  más reconocibles. Sin embargo, incluso en obras abstractas como "Cuadrado negro" de Malévich se han incluido paneles explicativos al lado de las obras que facilitan su entendimiento. Una vez más, debemos felicitar a la Fundación Mapfre cuyas exposiciones son siempre interesantes y muy completas. En esta ocasión, se trata de una muestra variada de arte de vanguardia ruso que deja con buen sabor de boca. 
Puntuación: Sobresaliente
Datos prácticos: "De Chagall a Malévich: el arte en revolución". Fundación Mapfre. Del 9 de febrero 2019 a 5 de mayo 2019. Entrada 3 euros. L 14-20h. M-S 10h-20h. D 11-19h. Página web de la exposición

Man Ray. Objetos de ensueño

En pocas palabras: Se trata de una exposición de recorrido corto pero interesante que combina fotografías con objetos creados por Man Ray. Fue el poeta francés Robert Ribemont-Dessaignes quien calificó los objetos creados por Man Ray como “objetos de ensueño”, por situarse a medio camino entre los recuerdos, los sueños y los deseos. La exposición brinda la ocasión de contemplar un buen número de estos objetos reunidos por primera vez.

Organizadores: Fundación Canal. Comisaria: Pilar Parcerisas, historiadora y crítica de arte.
Descripción:El recorrido consta de 7 secciones distribuidas en 3 salas. Cada sección gira en torno a un aspecto temático de la obra del artista (no son de carácter cronológico).

•  En la Sala 1, que consiste en un gran espacio diáfano, nos encontramos con las tres primeras secciones. En el panel introductorio, se incluye una breve introducción sobre Man Ray en el contexto surrealista. La sección 1 se titula "Amigos, retratos y autorretratos" y en ella se exponen, en primer lugar, diversos autorretratos del artista como "Autorretrato con Emak Bakia" y retratos de personajes que son el reflejo de la cultura de la época como Mina Loy, Gertrude Stein, Tristan Tzara, Jean Cocteau, Picasso, etc.

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  "Grupo Surrealista" (1930)

   
• La sección 2 se titula "Objetos de ensueño". Esta sección consta de fotografías expuestas en la pared de la derecha y vitrinas distribuidas por la sala. Se trata de contemplar los objetos creados por Man Ray. Recordemos que Man Ray creaba objetos nuevos a partir de la asociación de dos objetos, a diferencia de Marcel Duchamp que con sus "ready-made" convertía objetos de la vida cotidiana en obras de arte. Entre los objetos expuestos, destacan un retrato imaginario del Marqués de Sade realizado en bronce, un accesorio para fumar, y las obras "Regalo" y "Objeto indestructible".

  

  "Regalo" (1921-74)

• La sección 3 se titula "Rayogramas" y en ella se pueden apreciar fotografías sin cámara que consistían en registrar siluetas de objetos sobre papel fotosensible gracias a la incidencia de la luz. 
• Pasamos a la sala 2 donde se encuentra la sección 4 titulada "Mujeres y Venus". En esta sala se exponen fotografías de mujeres como objetos de deseo. Destacan las fotografías de Lee Miller y  Dora Maar. Especialmente bella es la fotografía de manos pintadas por Picasso. 

  

  "Manos pintadas por Picasso" (1935)

• En la última sala nos encontramos con las últimas secciones. La sección 5 se titula "Man Ray y Marcel Duchamp: máquinas poéticas". En ella se exponen fotografías hechas por Man Ray de obras de Duchamp como "Fotografía de Sonata-January October 1911". Destaca la fotografía "Cela vit" de un retrato desaparecido de Duchamp. 
•  La sección 6 se titula "La realidad inquietante de los maniquíes". En ella se exponen fotografías de maniquíes que para Man Ray simbolizan lo femenino. 
•  La sección 7 se titula "El azar y la mente: el ajedrez" y en ella se exponen tableros de ajedrez como "Atracción permanente".

  

  "Atracción permanente"

Lo mejor: Las fotografías de la primera sección (retratos de artistas de la época de Man Ray). 
Comentario: Los objetos creados por Man Ray son objetos cotidianos que pasan a ser elementos simbólicos alejados de su función original. En esta exposición se pueden apreciar estos objetos junto con fotografías. A lo largo de la exposición, hay paneles explicativos de cada una de las secciones pero nuestra recomendación es que imprimáis, desde la página web de la exposición el "dossier de prensa" y os lo llevéis a la exposición con el objetivo de ir leyendo las explicaciones de sus obras. El dossier de prensa es más completo que los paneles que hay en la exposición y os permitirán aprender más sobre el carácter simbólico de sus obras más destacadas.
Puntuación: Notable. 
Datos prácticos:  "Man Ray: Objetos de ensueño". Fundación Canal. Del 31 de enero al 21 de abril de 2019.  Laborables y festivos: 11:00 - 20 h. Miércoles: hasta las 15 horas.  Página web de la exposición y dossier de prensa

Museo del Prado 1819-2019. Un lugar de memoria

Vista de la Sala Velázquez

En pocas palabras: Esta exposición celebra el segundo centenario de la fundación del Museo del Prado que se inauguró el 19 de noviembre de 1819 con fondos procedentes de las colecciones reales. Se trata de un recorrido cronológico por su trayectoria como "lugar de memoria".
Organizadores: Museo del Prado. Comisario: Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700). 
Descripción: El recorrido consta de 12 salas organizadas en secciones y subsecciones que explican de forma cronológica la evolución del Museo del Prado. Dado que son muchas salas (secciones y subsecciones) y el desarrollo explicativo de cada una de ellas es bastante largo, vamos a intentar reducirlo para que entendáis cómo es la exposición en pocas palabras (hemos eliminado las referencias a las subsecciones):

• Sala 1. Sección "El Museo Real" (1819-1833). El Museo se inaugura durante el reinado de Fernando VII. Se expone el decreto de creación del Museo en una vitrina entre otras obras. Se expone también el anuncio de apertura del Museo en la Gaceta de Madrid. Destaca el cuadro "María Isabel de Braganza como fundadora del Museo del Prado" y el estuche para "Copa de jaspe abarquillada con dragón" perteneciente al Tesoro del Delfín. Para dar visibilidad a las primeras obras de pintura española que se adquirieron se exponen "La visión de San Pedro Nolasco" de Zurbarán y "Cristo crucificado" de Velázquez.

  

  María Isabel de Braganza como fundadora del Museo del Prado (detalle)

•  Sala 2. Sección "El Museo de la Trinidad. El descubrimiento europeo del arte español" (1833-1868). A la muerte de Fernando VII, se produen cambios en la gestión del patrimonio cultural. La Guerra de la Independencia y los decretos desamortizadores tuvieron un impacto sobre el patrimonio. Se exponen "Díptico con 42 vistas monumentales de ciudades españolas" de Villaamil, "La Resurección de Cristo" de El Greco, una fotografía interesante de "La sala española del Museo del Hermitage" y "La Inmaculada Concepción" de Murillo. 
• Sala 3. Sección "La nacionalización del Prado. Una meca para los pintores" (1868-1898). A raíz de la revolución liberal de 1868, el Prado deja de ser un lugar real para convertirse en un lugar nacional. Se exponen obras como "La Sagrada Familia" de El Greco, "La Magdalena penitente" de Pedro de Mena (una escultura policromada), "Interior de la sala de pintura del siglo XIX del Museo del Prado" de Dumont. También se exponen diversas fotografías como "Vista de la sala de la Reina Isabel II" por Jean Laurent. 
• Sala 4. Misma sección que la anterior. Se expone un libro de firmas de copistas de los años 1866-1869 con la firma de Courbet. En esta sala se pueden comparar y apreciarse juntos el "San Andrés" de José de Ribera con el "San Andrés" de Fortuny expuesto junto con el "Viejo desnudo al sol" también de Fortuny.  también se expone un cuadro de Manet del Museo Thyssen: "Amazona de frente". En la segunda parte de la sala 4 se exponen "Felipe IV anciano" de Velázquez junto a "Felipe IV" de Picasso; variaciones en torno a "Las Meninas" como "Alicia ante el espejo" de William Merritt Chase; y "María Figueroa vestida de menina" de Sorolla. 

  

  "Alicia ante el espejo" de W. Merritt Chase (detalle)

• Sala 5. Sección "Una Edad de Plata. Progresos científicos. La Creación del Patronato" (1898-1931). En 1898 el Museo del Prado se especializa en arte antiguo. Se dedica una sala a Velázquez y una exposición a El Greco. Se exponen fotografías con vistas a la sala de Velázquez a principios del siglo XX y cuadros como "Doña Antonia de Ipeñarrieta" o "Don Diego del Corral y Arellano" de Velázquez. Se exponen catálogos de la exposición de El Greco. 
• Sala 6. Sección "Donaciones y Legados". Aquí se centran en la calidad de las obras donadas o legadas al Museo del Prado. Ejemplo de ellas son "Escenas de la historia de Nastagio deglo Onesti" de Boticelli o las obras "Dos viejos comiendo" y "La gallina ciega" de Goya. 
• Sala 7. Sección "En el camino. República y Guerra Civil" (1931-1939). Con la segunda república y la guerra civil aparecen leyes sobre el patrimonio. Se proyecta un documental sin audio de la década de los treinta. Se expone una fotografía gigante de un grupo de espectadores delante de "Las Hilanderas" de Velázquez. En una vitrina, se puede ver una bomba que cayó sobre el Prado durante la Guerra Civil. En un panel hay que mapa que detalla la evacuación de "Las Meninas" a Ginebra. 
• Sala 8. Misma sección que la anterior. Se expone un cartel de la exposición de Ginebra. Se proyecta un video sin audio del NODO con grabaciones del interior del museo. Se expone también la obra "San Andrés y San Francisco" de El Greco. 
• Sala 9. Sección "El Franquismo" (1939-1975). Lo más interesante de esta sección a la que conviene no llegar cansadas/os es la contraposición entre "La maja desnuda" de Goya y "Desnudo recostado" de Picasso. 
• Sala 10. Misma sección que la anterior. Se pueden ver fotografías muy interesantes como "Dalí ante la Infanta Margarita" (1959) y "Andy Warhol ante la estatua de Velázquez" (1983). También se exponen "Las Meninas" de Picasso junto con "Las Meninas de Picasso" de Richard Hamilton. 
• Sala 11. Sección "Una historia compartida" (1975-2019). Aquí se exponen obras más contemporáneas como "Madre con niño muerto" de Picasso y "Retrato de Madame Josette Gris" de Juan Gris. 
• Sala 12. Misma sección que la anterior. Esta es la última sala de la exposición y en ella destaca la reproducción táctil de la obra "Noli me tangere" de Correggio. 

Sala 9 de la exposición

 Lo mejor: La sala 9 en la que se pueden apreciar juntas "La maja desnuda" de Goya y "Desnudo recostado" de Picasso. También me gustaron mucho las fotografías que se exponen a lo largo de toda la exposición con las salas del Museo en diferentes épocas, lo que en definitiva muestra la evolución de su historia. 
Comentario: En primer lugar, nada más entrar, es muy importante coger el folleto que ponen en la entrada. Este folleto es el que contiene la información de todas las salas ya que no hay ningún panel explicativo a lo largo del recorrido. Es decir, que el visitante que quiera tener información sobre lo que va viendo, tiene que ir leyendo el folleto a medida que avanza en el recorrido de la exposición. En el folleto, explican toda la historia del Museo desde su orígenes y van detallando el por qué de las secciones y subsecciones. También contiene un listado de todas las obras que se van viendo y que tienen un número que permite situarlas en el recorrido. Por lo tanto, es fundamental que si no lleváis audio-guía os dediquéis a manejar el folleto a la vez que vais viendo la exposición. Las obras no están expuestas siguiendo un criterio concreto, pero el discurso general de la exposición pretende aportar una visión cronológica de la evolución del Museo y las piezas lo que hacen es resaltar esos aspectos importantes de cada una de las etapas históricas. La exposición es muy interesante pero conviene medir bien las fuerzas para verla entera y disfrutar de las últimas salas donde hay piezas y fotografías realmente interesantes.Lo único que me gustaría destacar es que a veces han colocado fotografías pequeñas detrás de grandes vitrinas de manera que resulta difícil ver bien las fotografías.
Puntuación: Sobresaliente 
Datos prácticos: "Museo del Prado 1819-2019. Un lugar de memoria". 19/11/2018 - 10/03/2019 Museo del  Prado. Entrada 15 euros. Horario L-S 10h-20h. D-F 10h-19h.  Página web de la exposición

La Fuente de Gracia: una tabla del entorno de Jan van Eyck

La Fuente de Gracia

En pocas palabras: Si vais estos días al Museo del Prado a visitar sus exposiciones temporales, no dudéis en acercaros a la sala D de la primera planta donde se expone esta tabla recién restaurada con documentación sobre su proceso de restauración.
Organizadores: El Museo del Prado y la Fundación Iberdrola España. Comisario: José Juan Pérez Preciado, técnico de conservación del Museo del Prado.

Descripción: Se trata de una única sala (sala D de la primera planta) en la que se expone la tabla recién restaurada junto con diversos paneles explicativos de la obra (uno sobre el origen de la tabla y otro sobre su descubrimiento) y algunas otras piezas que la contextualizan (por ejemplo, libros del siglo XIX con estudios de pintores flamencos).  Es importante destacar, para evitar confusiones, que a día de hoy se considera que la Fuente de la Gracia fue pintada en los Países Bajos en un ambiente muy vinculado al taller de Van Eyck pero que el artista no trabajó directamente en ella. La obra mantiene una relación temática con el "Retablo del Cordero Místico" de San Bavón de Gante.
 Lo mejor: La documentación sobre el proceso de restauración. 
Comentario: Una buena ocasión de disfrutar de esta obra y apreciar el trabajo técnico del equipo de restauración. Por ejemplo, en la imagen de reflectografía que se expone se aprecia el dibujo subyacente y se ve que la obra fue creada poco a poco, con algunas rectificaciones como el diseño del nicho a modo de sagrario o los dibujos del pozo que empezó con líneas curvas y que se convirtió en un contorno octogonal para reforzar la idea del bautismo.
Puntuación: Sobresaliente 
Datos prácticos:  "La Fuente de Gracia:una tabla del entorno de Jan van Eyck". Museo del  Prado. Entrada 15 euros. Horario L-S 10h-20h. D-F 10h-19h.  Página web de la exposición

Antonio María Esquivel: pinturas religiosas

La Caída de Luzbel

En pocas palabras: Si vais al Museo del Prado estos días a ver alguna exposición temporal y queréis amortizar la entrada, os recomiendo acercaros a la sala 60 de la planta 0 donde podréis apreciar una pequeña exposición sobre las pinturas religiosas recientemente restauradas de Antonio María Esquivel, un pintor del siglo XIX español.

Organizadores: Museo del Prado. Comisario: Javier Barón (jefe de Conservación de Pintura del siglo XIX).


Descripción: Se trata de una única sala en la que se exponen las siguientes obras:

• "La caída de Luzbel" (1840) que presenta un interesante colorido.
• "El Salvador"(1842) en la que se pone el énfasis en la representación de la anatomía del torso de Cristo y el tratamiento de los paños.
• "La Virgen María, el niño Jesús y el Espíritu Santo con ángeles en el fondo" (1856) 
• "Autorretrato" (1856) 
• "Retrato de Espronceda" (1842-46) que pone de manifiesto que Esquivel estuvo vinculado con escritores de su época.
• Publicación "Tratado de Anatomía Pictórica" con dibujos del artista.

Lo mejor: La posibilidad de apreciar estas obras juntas y su reciente restauración. 
Comentario: Acercarse a esta sala a contemplar estas obras puede ser una buena idea si vais al Museo del Prado estos días a visitar alguna exposición temporal y queréis amortizar un poco la entrada. Las obras se nutren del arte barroco andaluz y en ellas se puede apreciar el trabajo de su reciente restauración por lo que, en general, merece la pena ir a verla. Eso sí, no hay explicaciones sobre el proceso de restauración realizado.
Puntuación: Notable
Datos prácticos: "Antonio María Esquivel: pinturas religiosas". Museo del  Prado (sala 60 planta 0). Del 09/07/2018 al 22/04/2019.   Entrada 15 euros. Horario L-S 10h-20h. D-F 10h-19h. Página web de la exposición