Pasiones mitológicas

"Diana y Calisto" de Rubens

En pocas palabras: El título completo de la exposición es "Pasiones mitológicas: Tiziano, Veronese, Allori, Rubens, Ribera, Poussin, Van Dyck, Velázquez". A mí me parece un título un poco confuso porque en realidad lo que se expone realmente son las llamadas "Poesías" de Tiziano. Y para darle un poco más de empaque al asunto, las han rodeado de algunas otras obras que abordan temas mitológicos. Eso sí, merece muchísimo la pena desplazarse para visitar la exposición porque las "Poesías" de Tiziano son una maravilla y la exposición resulta muy sabrosa solo por eso.  Organización: Museo del Prado con el patrocinio de la Fundación BBVA. 

Descripción: El recorrido consta de 4 salas. Es un recorrido corto donde casi todo está concentrado en la sala 3 que es donde se exponen las famosas "Poesías" de Tiziano. Para entender esta exposición, hay que saber que el objetivo principal era reunir estas "Poesías" que no se habían vuelto a ver juntas en España desde finales del siglo XVI. ¿Y qué son las "Poesías"? Pues son 6 cuadros mitológicos que Felipe II encargó a Tiziano y que éste realizó entre 1553 y 1562. Se llaman "Poesías" porque así las denominó el propio Tiziano. 

A continuación, vamos a describir brevemente estas 6 obras que, como decíamos, se exponen en la sala 3 de la exposición. No os las voy a contar en el orden en que están expuestas durante el recorrido sino en el orden cronológico de las "Poesías".

 

"Dánae" de Tiziano (The Wellington Collection)

Esta es oficialmente la primera "poesía" de Tiziano. Está datada en 1553. Tiziano retoma otra de sus composiciones pintada en Roma para un cardenal y le introduce cambios. La obra se expone junto con el ejemplar del mismo tema del Museo del Prado. Es una delicia compararlas y ver cómo Tiziano en la versión del Prado introduce más erotismo en la escena: añade el perrito, la mano de Venus está situada en la entrepierna y las piernas están un poco más separadas que en la versión de la Wellington Collection. Las poesías se conciben así como obras destinadas al deleite de los sentidos con una intención erótica evidente. Desde un punto de vista iconográfico, recordemos un poco la escena: Dánae es hija del rey de Argos y de Eurídce. El oráculo predijo a su padre que su nieto (el hijo de Dánae) le mataría. Para evitarlo, encerró a Dánae en una torre. No obstante, Zeus la quiso poseer y para ello se transformó en lluvia de oro. Éste es el momento que representa Tiziano.

"Venuz y Adonis" de Tiziano (Museo del Prado)

Esta es la segunda poesía de Tiziano. Está datada en 1554.  Tiziano muestra el intento de Venus por retener a Adonis que marcha hacia la muerte. Según la cartela que se puede leer junto al cuadro en la exposición, los contemporáneos de Tiziano pensaron que esta "poesía" era la mas erótica de todas debido a que Venus exhibe aquí la espalda y parte de sus nalgas, y también debido a que es ella quien toma la iniciativa y no Adonis. Se expone junto con la obra del mismo título de Veronés. Veronés en cambio muestra el momento en que Adonis descansa su cabeza sobre el regazo de Venus.

"Perseo y Andrómeda" de Tiziano (Wallace Collection de Londres) 

Esta es la tercera poesía de Tiziano. Está datada entre 1554 y 1556. Recordemos un poco el mito: La madre de Andrómeda es Casiopea y pretendía que era más hermosa que todas las Nereidas. Éstas, celosas, le piden a su padre, Poseidón, que las vengue del insulto. Poseidón manda entonces a un monstruo para que asole las tierras de Cefeo, el padre de Andrómeda. El oráculo dijo entonces que si Andrómeda, como hija de Cefeo, se entregaba, todo cesaría. La doncella fue atada a una roca. Perseo la vio, se enamoró de ella y prometió a Cefeo liberarla. Entonces Perseo mata al monstruo y se casa con Andrómeda. Tiziano representa la escena en que Perseo llega a liberar a Andrómeda del monstruo,  destaca el movimiento agitado de las figuras tanto del monstruo marino como de Andrómeda y de Perseo que llega al rescate.

"Diana y Acteón" de Tiziano (National Galleries of Scotland) 

 Es la cuarta poseía de Tiziano y está datada entre 1556 y 1559. El mito que representa este cuadro es el siguiente: Acteón es hijo de Aristeo y de Autónoe. Fue educado por el centauro Quirón que le enseñó el arte de la caza. Un día, Acteón vió a la diosa Diana cuando ésta se bañaba desnuda en un manantial. La diosa lo transforma en ciervo y enfurece a unos perros que lo devoran. Aquí se representa la sorpresa de Acteón cuando contempla a Diana. El resto de personajes son ninfas que acompañan a Diana. Tiziano transforma en ruinas la gruta que Ovidio menciona en las "Metamorfosis". El cráneo del ciervo prefigura el final de la historia. 

"Diana y Calisto" de Tiziano (National Gallery)

Es contemporánea de la anterior, también datada entre 1556 y 1559. Según algunos autores, Calisto es una ninfa de los bosques. Se había consagrado a la virginidad y se pasaba la vida en el monte cazando. Zeus la vió y se enamoró. Como consecuencia, la violó y Calisto quedó embarazada. Un día, la diosa Diana y sus compañeras decidieron bañarse en una fuente. Al desnudar a Calisto, su falta fue descubierta. Indignada, Diana la echó y la transformó en una osa. Tiziano representa el momento en que obligan a Calisto a desnudarse, una escena de gran violencia física y emocional.

"El rapto de Europa" de Tiziano (Boston)

La última de las poesías, fechada entre 1559 y 1562. La historia de este mito es quizás más conocida: Zeus vio a Europa cuando jugaba con sus compañeras en la playa de Sidón (o de Tiro, según las fuentes que se consulten). Se enamora de ella y se metamorfosea en toro blanco con los cuernos en forma de un creciente lunar. Con esta forma fue a tumbarse junto a la doncella. Al principio ésta se asusta pero luego acaricia al animal y acaba sentándose en su espalda. En ese momento, el toro se levanta y se lanza hacia el mar. A pesar de los gritos de Europa, que se aferra a los cuernos, el toro (Zeus) se adentra en las olas y se aleja de la orilla. De este modo la secuestra y la lleva a Creta donde Zeus la posee junto a una fuente. El secuestro de Europa por Zeus es lo que representa Tiziano. Hay un pathos dramático en el cuadro que queda muy patente. Un cuadro que merece la pena contemplar detenidamente porque, entre otras cosas, viene de muy lejos: el Isabella Stewart Garner Museum de Boston.

Entonces, os preguntaréis, ¿qué había en las demás salas? Pues el arte de Tiziano influyó en otros artistas como los que son nombrados en el título oficial de la exposición: Veronés, Rubens, Poussin, Velázquez etc. Por lo tanto además de las "Poesías", la exposición incluye obras de estos autores cuya comparación con la obra de Tiziano resulta interesante. Por ejemplo, en la primera sala titulada "Venus y el desnudo femenino tumbado" se exponen obras como "Venus y Cupido" de van den Broeck y de Allori. En la sala 2 titulada "Tiziano y Rubens" se exponen obras de carácter mitológico también como "La Bacanal" y "Ofrenda a Venus" de Tiziano (ambas de la colección permanente del Prado) junto con "El jardín del amor" y "Danza de personajes mitológicos" de Rubens (también del Prado). En la última sala, sala 4 denominada "Pasiones mitolóticas en el siglo XVII" se centran artistas que también representaron mitos clásicos: destaca "La caza de Meleagro" de Poussin y "El rapto de Ganímedes" de Rubens (ambas de la colacción del Prado).
 

Lo mejor: Las "Poesías" de Tiziano. 
 

Comentario:  Si os preguntáis si merece o no la pena ir a visitar la exposición, os diré mi opinión: merece, y mucho, la pena. En primer lugar, porque desde el siglo XVI no se habían vuelto a reunir las "Poesías" y porque verlas todas juntas en la misma sala es una experiencia muy agradable. Además, se pueden apreciar cuadros que vienen de lejos como "El rapto de Europa" que procede de Boston. Así que solo por eso, id a verla. Eso sí, pasaréis más tiempo en la sala 3 que en el resto de las salas de modo que yo os aconsejo ir temprano para evitar que haya mucha gente. Quizás entre semana la cosa esté más tranquila. Yo fui un sábado y, la verdad, la sala 3 estaba, como cabía suponer, muy llena porque los que sabemos lo que estamos viendo obviamente nos hemos detenido más en las "Poesías" que en el resto de obras expuestas. Finalmente, destacar que había paneles explicativos de las obras pero que conviene ir "con los deberes hechos" y repasar un poco, aunque sea por encima, los mitos que váis a ver representados para no perderos los pequeños matices de las obras expuestas. Si lo queréis, podéis imprimir el texto de las cartelas que están disponibles en la página web de la exposición. 

Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: "Pasiones mitológicas". Museo del Prado (Sala  C Edificio Jerónimos). Del 2 de marzo al 4 de julio 2021. Precio 15 euros. L-S 10h-20h. D-F 10h-17h. Página web de la exposición

Marinus: pintor de Reymerswale

"El cambista y su mujer" de Marinus

En pocas palabras: Esta es una de las dos exposiciones que el Museo del Prado nos ofrece para esta primavera 2021 junto con "Pasiones Mitológicas". En este caso, se trata de una pequeña exposición monográfica sobre Marinus van Reymerswale, un pintor neerlandés del siglo XVI. La exposición reúne 10 obras del artista (5 son del Museo del Prado pero han sido restauradas para la ocasión). 
Organización: Museo del Prado con el patrocinio de Mistubishi Corporation y de la Fundación de Amigos del Museo del Prado. Comisariada por Christine Seidel, Conservadora de la Staatsgalerie Stuttgart.  

Descripción: Ubicada en una única sala, la exposición tiene un recorrido corto pero conciso que nos permite entender un poco quién fue Marinus y qué temas solía pintar. 

El panel de la entrada a la exposicion nos sitúa indicando que Marinus inició su carrera en Amberes a principio del siglo XVI cuando la ciudad se convertía en un centro mercantil importante que atraía a viajeros, comerciantes y artesanos de toda Europa. El recorrido de la exposición nos muestra que Marimus se especializó en una reducida variedad de temas. Hay tres paredes en la sala y las obras se dividen en cuatro temas. 

De frente nos encontramos con obras que representan tanto la figura del recaudador de impuestos como las del cambista y su mujer; a la derecha nos encontramos con las obras que representan San Jerónimo en su estudio; y a la izquierda se exponen obras religiosas. 

"San Jerónimo en su estudio" por Marinus

Para sus obras sobre "San Jerónimo en su estudio", Marinus se inspiró de los grabados de Durero. Se expone uno de ellos procedente de la Biblioteca Nacional. Hay que mencionar que San Jerónimo (padre de la Iglesia) era considerado en el siglo XVI, era del humanismo, como un símbolo de lo erudito. Además, en sus obras no sólo aparece el santo sino que también hay una naturaleza muerta en primer término con una calavera que evoca la fugacidad de la vida. En esta versión de "San Jerónimo en su estudio" se aprecia también que la biblia que tiene abierta sobre la mesa incluye un grabado de Durero titulado "El Juicio Final" que también se expone en la exposición.

"El recaudador de impuestos" por Marinus

Para sus obras sobre el "Recaudador de impuestos" y "El cambista y su mujer" hay varias teorías. Principalmente, se trata de escenas de género en las que los personajes están dedicados al comercio del dinero. A menudo se ha interpretado como representación de la usura o alegoría de la codicia. En efecto, parecen reflexiones sobre el mundo financiero de la época. Pero también es posible que el artista nos quiera advertir contra esos comportamientos. En conclusión, sus obras oscilan entre lo alegórico y la representación de una actividad de la época muy concreta: la recaudación de impuestos por los funcionarios de la administración fiscal municipal. 

"La Virgen de la leche" por Marinus

Finalmente, entre las obras religiosas que se exponen, destaca "La Virgen de la leche" en la que el personaje de María se presenta vestida con la indumentaria propia de la época en un interior burgués, una pintura muy flamenca llena de pequeños detalles (fijaros en la calidad de la representación de los pliegues de la ropa y en la cesta de mimbre que aparece en la parte de atrás del cuadro).  

"La vocación de san Mateo" por Marinus

 

También se expone "La vocación de San Mateo" que es una de las obras más tempranas del artista y en la que la conversión de Mateo a la fe cristiana es una referencia a la reforma protestante. 

Lo mejor: La oportunidad de descubrir a este pintor del siglo XVI que resulta poco conocido.
Comentario: La exposición es pequeñita pero se centra en lo escencial: quién era Marinus y qué temas solía pintar. Como introducción a su figura, me parece una interesante exposición. Mencionar también el acierto de incluir alguna vitrina con elementos que ayudaban a contextualizar las obras. Por ejemplo, se expone el libro "La nave de los necios" de Sebastian Brant de 1497 que ridiculizaba los comportamientos mezquinos a través de la sátira. También se expone una moneda de plata acuñada por Carlos V en las provincias neerlandesas, moneda que también estaba presente en los cuadros del "Recaudador de impuestos".
Puntuación: Notable.
Datos prácticos: "Marinus: pintor de Reymerswale". Museo del Prado (Sala  D Edificio Jerónimos). Del 9 de marzo al 13 de junio 2021. Precio 15 euros. L-S 10h-20h. D-F 10h-17h. Página web de la exposición

 

Mondrian y De Stijl

"New York City" de Mondrian (1941)

En pocas palabras: Mondrian es un artista holandés adscrito al estilo denominado neoplasticismo: un movimiento de abstracción geométrica creado en 1917. En esta exposición podemos encontrar pintura abstracta de Mondrian pero también algunas obras figurativas de sus comienzos. Asimismo se exponen diseños y pinturas de Theo van Deosburg, co-fundador de la revista De Stijl (literalmente "El Estilo"). Una oportunidad para acercanos a la obra de estos artistas junto a otros que marcaron el rumbo del arte abstracto geométrico desde los Países Bajos.

Organizadores: Museo Reina Sofía y Stichting Kunstmuseum Den Haag. Comisario: Hans Janssen.

Descripción: El recorrido comienza con las obras que Mondrian expone en Utrecht en 1892  y que siguen la tradición pictórica del realismo holandés del siglo XVII. En estas primeras salas apreciamos obras como "Cesta con manzanas" y paisajes interesantes como "Día de verano".

 

"Cesta con manzanas" de Mondrian (1891)

"Día de verano" de Mondrian (1908)

 

A medida que vamos avanzando hacia la abstracción, las formas se van reduciendo a líneas, la paleta cromática también se reduce y nos encontramos con obras como "Composición en gris" de Theo van Doesburg y "Composición XIV" de Mondrian.  

"Composición en gris" de Theo van Doesburg (1919)

"Composición XIV" de Mondrian (1913)

En la exposición no solamente se exponía pintura sino también obras de diseño creadas por artistas adscritos a este movimiento estético tan particular como fue De Stjil.  Entre ellas se encontraban diversas sillas y también se recreaba una habitación infantil diseñada según las ideas estéticas del movimiento.

 

"Silla roja y azul" de Gerrit Thomas Rietveld (1917-23)

"Dormitorio de niños" diseñado en 1919-20 por Vilmos Huszár y Pieter Klaarhamer

Destacar que también se exponían algunas maquetas como ésta: 

"Maqueta para un párking de París" por Konstantin Melnikov

En la última parte de la exposición se podían ver las composiciones más reconocibles de Mondrian en las que ya apreciamos esa superposición de planos, la paleta monocromática y su aversión por el verde y la línea curva que le valió la separación con Theo van Doesburg. 

"Composición en rojo, amarillo y azul" de Mondrian (1927)

La exposición termina con la llegada de Mondrian a Estados Unidos. Se expone la obra "New York City" del Museo Thyssen.

Como sabéis, una de las particularidades de este blog es que siempre estamos atentas a la presencia de mujeres artistas en las exposiciones. En esta ocasión, hemos encontrado una mujer artista expuesta en el recorrido:  Jacoba van Heemskerck con obras tituladas "Bosque I" y "Bosque II". 

"Bosque I" de Jacoba van Heemskerck (1913)

Lo mejor: Descubrir la pintura figurativa de Mondrian, menos conocida que su pintura abstracta. 

Comentario: El recorrido ofrecía la posibilidad al visitante de apreciar no sólo la pintura abstracta archi-conocida de Mondrian sino también su pintura figurativa. Además, sumergía al visitante en el mundo del diseño con sillas, maquetas, dibujos de diseños y hasta la recreación de una habitación infantil según las ideas estéticas de De Stjil. Quizás destacaría que había mucha gente y que a veces se producían aglomeraciones en las salas que no eran adecuadas para tiempos de pandemia pero los vigilantes intentaban controlar el aforo. En el Museo Reina Sofía, las visitas guiadas son gratuitas pero el aforo está limitado a 3 personas por mediador debido al COVID. Esto dificulta las posibilidades de poder conseguir plaza pero si se quiere intentar, hay que ir al mostrador de Mediación Cultural media hora antes de la hora prevista para la visita (más información en este enlace). 

Puntuación: Notable.

Datos prácticos: "Mondrian y De Stijl". Museo Reina Sofía. Del 11 de noviembre 2020 al 1 de marzo 2021. Entrada 8 euros.  Página web de la exposición

Iconografía: Noli me tangere

"Noli me tangere" de Correggio (1525, Museo del Prado)

Hoy os propongo una introducción sobre uno de mis temas preferidos de la iconografía cristiana: se trata del "Noli me tangere". "Noli me tangere" es una expresión en latín que significa "No me toques" aunque según otras interpretaciones significaría también "No me retengas". 

Desde un punto de vista iconográfico, un "Noli me tangere" es una pintura en la que el tema principal es el encuentro de Jesús con María Magdalena después de que éste resucitara. Según la tradición, ella se acerca a él y él le contesta que, por favor, no le toque debido a que aún no ha subido al cielo y su naturaleza está entre el mundo terrenal y el mundo celestial. 

El texto sobre el que se basa este episodio está relatado en el capítulo 20 del Evangelio de San Juan titulado "Aparición a María Magdalena" que dice así:

"María se quedó fuera, junto al sepulcro, llorando. Sin dejar de llorar, se asomó al sepulcro y vio a dos ángeles (...). Ellos le dijeron: "Mujer, ¿por qué lloras?". Contestó: "Porque se han llevado a mi Señor y no sé dónde lo han puesto". Al decir esto, se volvió hacia atrás y vio a Jesús allí de pie, pero no sabía que era Jesús. Jesus le dijo: "Mujer, ¿por qué lloras? ¿A quién buscas?". Ella, creyendo que era el hortelano, le dijo: "Señor, si te lo has llevado tú, dime dónde lo has puesto y yo iré a recogerlo". Jesús le dijo: "¡María!". Ella se volvió y exclamó "¡Maestro!". Jesús le dijo "Suéltame, que aún no he subido al Padre; anda y di a mis hermanos que me voy con mi Padre y vuestro Padre, con mi Dios y vuestro Dios". María Magdalenta fue a decir a sus discípulos que había visto al Señor y a anunciarles lo que él le había dicho".  

Como véis, el texto es bastante reducido para un tema que ha contado con una tradición iconográfica tan amplia. En este tema iconográfico solemos encontrar tres elementos recurrentes: la figura de Cristo, la figura de María Magdalena y un paisaje o un jardín ya que el encuentro tuvo lugar al aire libre. La escena puede aparecer como algo aislado o como parte de un ciclo iconográfico más amplio sobre la Pasión o sobre María Magdalena.  

La figura de Cristo normalmente aparece de pie y separándose de María Magdalena. En algunas ocasiones, Cristo lleva una cruz como símbolo de su resurrección. En otras ocasiones, Jesús se suele representar con un atuendo o con utensilios de jardinero debido a que el texto habla de que María Magdalena le confunde con un hortelano. Una de las artistas que ha representado este aspecto es Lavinia Fontana. 

"Noli me tangere" de Lavinia Fontana (1581, Galería de los Uffizi)

En relación con la figura de María Magdalena, suele aparecer arrodillada y en ocasiones extiende el brazo para tocar a Jesús lo que da lugar a composiciones un poco más dinámicas (como por ejemplo en la versión de Alonso Cano). Sin embargo, otros la pintan prácticamente inmóvil sin movimiento de brazos (como Brueghel o Fra Angélico).  A veces María Magdalena lleva un recipiente con perfumes. 

"Noli me tangere" de Fra Angélico (1437-1446, Museo de San Marcos)

"Noli me tangere" de Jan Brueghel el Joven (1625, Museo de Bellas Artes de Nancy) 

"Noli me tangere" de Alonso Cano (1646-52, Museo de Bellas Artes de Budapest)

Alonso Cano además aporta un lado más humano a la escena ya que Jesús hace el gesto de colocar la mano en la cabeza de María Magdalena lo que humaniza la escena y la hace más cercana al espectador.

Las versiones más famosas del tema son las que hicieron Tiziano y Correggio. Tiziano representó el episodio y en su interpretación hay un movimiento de ella hacia él más explícito. Me gustaría llamaros la atención hacia los matices cromáticos de la obra tanto en el paisaje como en las prendas de él y ella. Esta obra tuvo mucha influencia en la versión de Correggio. 

En Correggio vemos que María Magdalena viste de amarillo (color de las cortesanas) y que ella está representada de forma más alterada mientras que Jesús está sereno y tranquilo. Especialmente interesante es que Tiziano pinta el paño de Jesús de color blanco mientras que Correggio lo pinta en azul que probablemente alude al cielo. 

 

"Noli me tangere" de Tiziano 

 

En el Palacio Real de Madrid contamos con un "Noli me tangere" de Mengs: 

"Noli me tangere" de Antonio Rafael Mengs (1769, Palacio Real de Madrid)

Y para terminar os pongo dos versiones realizadas por Giotto en el siglo XIV: una versión realizada para la Capilla degli Scrovegni y otra para la Basílica Inferior de Asís.

 "Noli me tangere" de Giotto (1305, Capilla degli Scrovegni)

"Noli me tangere" de Giotto (1296-1329, Capilla de María Magdalena en la Basílica Inferior de Asís)

¿Con qué versión de "Noli me tangere" os quedaríais vosotr@s?

 

Botero: 60 años de pintura

Entrada a la exposición

En pocas palabras: Una exposición llena de colorido que sin duda os gustará. No es muy larga y está en pleno centro de Madrid (en el edificio de la Plaza Cibeles). Tampoco hay mucha afluencia de público por lo que la visita es muy agradable y se respetan todas las medidas de seguridad anti-COVID. Si no sabéis qué hacer estos días y estáis algo tristes por la situación de la pandemia, esta exposición os distraerá con sus figuras redondas, su sentido del humor y su intenso colorido.

Organizadores: Arthemisia (empresa italiana de la que ya hemos hablado en otros posts que se dedica a la organización de exposiciones) con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid. Comisariada por Cristina Carrillo de Albornoz con el apoyo de Lina Botero Zea, hija del artista. 

Descripción: El recorrido consta de 7 secciones en las que se exponen 67 obras de gran formato que recorren los 60 años de producción del artista. Las secciones están ordenadas por temas. 

En "Vida latinoamericana" nos encontramos con obras que representan recuerdos de su infancia y juventud. Estas obras reciben la influencia de su ciudad natal Medellín (Colombia) y de su etapa en México. La mayoría se centran en personajes de la vida cotidiana tratados con su peculiar sentido del humor como en "Las hermanas". 

"Las hermanas" (2005)

En "Religión" se aborda su interés por la religión como algo cultural ya que esta temática también está influenciada por sus recuerdos de juventud, en concreto por el lugar que ocupaban los miembros eclesiásticos en el ámbito provincial de Medellín en los años treinta y cuarenta. Aborda las situaciones con sátira como en "Cadernal durmiendo", "Nuestra Señora de Colombia" o la representación que hizo de algunas "Santas".

 

"Santas Casilda, Bárbara y Gertrudis" (2014)

La sección dedicada a "Versiones" se centra en los homenajes que ha hecho Botero a las obras clásicas de la historia del arte como el "Matrimonio Arnolfini" o las infantas de Velázquez. Algunas de ellas las llegó a ver durante su primer viaje a Europa en 1952. Especialmente interesante me resultó su versión de "Maria Antonieta" parodiando a la mujer artista Elisabeth Vigée Lebrun. 

 

"Maria Antonieta" por Elisabeth Vigée Lebrun

"Maria Antonieta según Vigée Lebrun" (2005)

La siguiente sección ("Acuarelas") está dedicada a su obra más reciente que consiste en acuarelas datadas en 2019. Y es que Botero, a sus 88 años, sigue pintando. Esta sección contiene bellas acuarelas de gran formato en las que se pueden apreciar los trazos de su dibujo en azul.

    

Detalle de la acuarela "Una familia" con dibujo suyacente (2019)

 

La siguiente sección se titula "Naturaleza muerta" y como su nombre indica está dedicada a bodegones. Botero utiliza el volumen con el que exalta las cosas más sencillas de la vida cotidiana como una simple "Pera" o "Naranjas".  También destaca su "Tríptico de flores".

 

"Pera" (1976)

 

"Tríptico de flores" 

La siguiente sección titulada "La Corrida" evoca sus recuerdos de cuando era alumno de una escuela taurina. Y, finalmente, la última sección dedicada al "Circo" nos sumerge en el mundo circense que Botero descubrió en una visita a México en 2006 en el que visitó un humilde circo que marcará su obra con personajes de tristeza contenida pero que reflejan poesía y plasticidad en sus formas y colores.

  

"Payaso de blanco" (2008)

 Al final de la exposición se podía ver un pequeño vídeo explicativo de la obra del artista.

Lo mejor: Sus "versiones".
Comentario: En estos tiempos de pandemia, Botero representa un refugio porque su obra está llena de sentido del humor y colorido. Su estilo volumétrico de figuras redondas y exaltación de formas es fácilmente reconocible, su obra es figurativa y las influencias que ha recibido son palpables por lo que se trata de una obra que no resulta muy complicada de entender y que distrae a la vez que divierte. Personalmente, me ha gustado mucho y os animo a visitar la exposición. No había muchos paneles explicativos en el recorrido, tan solo las cartelas que abrían las secciones. Quizás he echado en falta una cronología de su vida que nos permitiera situar las obras en su trayectoria personal pero a pesar de ello la exposición está lograda y viene bien en estos tiempos pensar en otra cosa que no sea el COVID... 

"Naturaleza muerta con cafetera azul" (2002)

Puntuación: Notable.

Datos prácticos: "Botero: 60 años de pintura". Centro Centro (Ayuntamiento de Madrid, Plaza de Cibeles 1). Del 17 de septiembre 2020 a 7 de febrero 2021. L-D 10h-20h. Precio 12 euros.  Página web de la exposición 

 

 

Expresionismo alemán en la colección del barón Thyssen-Bornemisza

"Metrópolis" de George Grosz (1916-17)

En pocas palabras: La exposición se centra en las obras que forman parte de la colección del barón Thyssen-Bornemisza relativas al expresionismo alemán. Su importancia reside en que las obras que se exponen en la muestra son uno de los pilares de la colección del siglo XX y también fue el punto de arranque del coleccionismo de arte moderno del barón. En 1961, el barón decidió adquirir una acuarela de Emil Nolde titulada "Joven pareja" (1931-35) y esta adquisición supuso el cambio de rumbo en la historia del coleccionismo de la saga Thyssen. El cuadro en cuestión está expuesto en la sala 7 de la exposición junto con "La cala" de Kirchner (1914) que fue la última obra vendida por Ketterer al barón en 1987. Esta exposición también supone la apertura de la celebración del centenario del nacimiento de Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza (1921-2002).

Organizadores: Museo Thyssen. Comisaria: Paloma Alarcó.

Descripción: El recorrido consta de 8 salas más una última sección con una cronología de la colección. 

En la primera sala titulada Talleres nos encontramos con dos obras de Kirchner muy interesantes que marcan el tono general de la exposición: "Cocina alpina" (1918) que pintó en la localidad suiza a la que fue a recuperarse de la crisis que le había provocado la Primera Guerra Mundial y en la que se aprecia la tensión emocional del artista; y "Fränzi ante una silla tallada" (1910) que se ha considerado que marca el inicio de la recepción del fauvismo por parte del artista. 

"Fränzi ante una silla tallada" de Kirchner (1910)

 

La sala 2 titulada Referentes nos sumerge en las obras de Munch con "Atardecer". Os recomiendo que os fijéis en el pentimento que hay en el lateral derecho del cuadro. Originariamente, Laura (hermana menor del artista) estaba acompañada por otras dos figuras pero Munch quiso intensificar la sensación de soledad y melancolía de su hermana y por eso eliminó ambos personajes aunque aún se pueden percibir sus siluetas. Se expone junto con un dibujo de su hermana titulado "La niña enferma" (1896). 

"Atardecer" de Munch (1888)

La sala 3 se dedica a los Exteriores. Aquí podemos apreciar la obra "Las bañistas" de Pechstein (1912). Fijaros que en esta obra se aprecia la línea negra de los contornos que nos recuerda a Gauguin y también la visión bucólica de la naturaleza en la que aparecen los desnudos. El abanico es un elemento exótico que aporta su discordante color. Se expone junto a "Desnudo en un estanque" de Otto Muller. 

 

"Las bañistas" de Pechstein (1912)

No paséis por alto "La fábrica de ladrillos" de Heckel (1907) con su pincelada errática, espontánea y empastada que explora los elementos expresivos del lenguaje pictórico. Fue pintada por Heckel en 1907 durante su primer verano en Dangast. El color rojo de la fábrica contrasta fuertemente con el verde del paisaje. Pueden distinguirse las líneas negras del perfil de los edificios y, como podéis apreciar, los tonos de la pintura recuerdan a Van Gogh.

"Fábrica de ladrillos" de Heckel

En la sala 4 (Aires populares) podéis encontrar a una mujer artista: Gabriele Münter de la que se exponen dos obras: "Murnau" (1924) y "Vista desde la casa del hermano de la artista" (1908).

"Vista desde la casa del hermano de la artista" de Gabriele Munter

 

Pero el objetivo de esta sala es poner el acento en la influencia que ejerció en muchos expresionistas la cultura popular, el folclore y a veces hasta los iconos rusos o el arte bizantino. Algo así sucede con la  obra de Jawlesnky "El velo rojo". También destaca "Bagatella" de Kandinsky (1915) que se inspira en los cuentos de hadas de la tradición rusa.  

"El velo rojo" de Jawlensky (1912)

La sección 5 titulada Difusión  se encuentra en la segunda parte de la sala 4 y en ella podemos ver una obra interesante titulada "Circo" de Macke (1913). Esta obra es muy intrigante pues no representa los aspectos alegres del circo sino todo lo contrario: la tragedia de un accidente. Vemos cómo un cuerpo inerte es llevado fuera del escenario al igual que el caballo que ha provocado el percance. Es posible que hubiese una influencia de la obra de Robert Delaunay al que el artista conoció en París. Aquí, nos encontramos con colores puros y una visión fragmentada del espacio. 

"Circo" de Macke (1913)

 

"La dama de malva" de Feininger (1922) es otra de las obras que destacan en esta sección. La protagonista se sitúa en un ambiente urbano. El espacio se ha geometrizado y fragmentado creando una sucesión de planos.

"La dama de malva" de Feininger (1922)

 

En la sección 6 (Estigmatización) nos encontramos con "Calle con buscona roja" de Kirchner con su peculiar estructura geométrica y su estilo anguloso. Aquí, Berlín se representa como una metrópoli deshumanizada y alienante en la que el ser humano es víctima de la soledad lo que Kirchner encarna en la figura de la prostituta. Muestra la cara decadente de una sociedad en la que se presiente el estallido de la Primera Guerra Mundial.

"Calle con buscona de rojo" de Kirchner (1914-25)

En esta misma sala, no dejéis de apreciar la textura rugosa de la obra de Otto Müller titulada "Dos desnudos femeninos" (1926) cuya técnica es temple sobre arpillera de yute. En "Feria de caballos" de Pechstein (1910) vemos áreas planas de colores brillantes. 

"Dos desnudos femeninos" de Otto Müller (1922)

Pero la obra que capturó mi atención en la sala 6 fue sin duda "Metrópolis" de Grosz (1916-17). El proceso de industrialización provocó un cambio radical en las ciudades europeas y el caos de la vida urbana se palpa en toda la superficie del cuadro. Es una imagen perturbadora, en la que los hombres son seres alienados que caminan hacia su autodestrucción. La obra fue pintada en Berlín y sus figuras se deforman. El color rojo infernal domina la composición. El estilo tiene ecos del cubismo y del futurismo. Podemos ver cómo la composición se compone de dos calles que se cruzan con edificios de letreros luminosos. En la parte superior izquierda aparece una bandera de los Estados Unidos y en la parte superior derecha podemos observar la tendencia a la geometrización de los edificios. El resultado crea una obra cuyo equilibrio es inestable pero fascinante.

La sala 7 (Rehabilitación) expone un cuadro muy bonito titulado "Barcos" de Feininger (1917). En él se combina un lenguaje formal geométrico y fragmentado que nos habla de la influencia de las novedades artísticas que Feininger descubrió durante los dos años que residió en París, y de forma especial en su visita al Salon des Indépendants de 1911.

"Barcos" de Feininger (1917)

 

Destacan también dos obras de Beckmann: "Despedida" y "Bodegón con rosas amarillas". Las obras de Beckmann emanan estremecimiento, ansiedad y una expresividad amarga por la experiencia de la guerra.

"Bodegón con flores amarillas" de Beckmann

Como ya hemos mencionado en la introducción, en la sala 7 es también donde se expone la primera obra expresionista adquirida por el barón titulada "Joven Pareja".  Lo que le llamó la atención al barón  fue la audaz gama de colores y la atmósfera tan particular que emanaba de ella. Se expone junto con la última que compró a Ketterer en 1987 titulada "La cala" de Kirchner.

La sala 8 titulada "Internacionalización" presenta la obra "Atardecer de otoño" de Emil Nolde (1924). De él son también las obras expuestas "Girasoles" y "Flores rojas". A mí personalmente me encantan las obras de la última etapa de Kirchner y por ello me detuve largamente delante de "El Junkerboden nevado" (1936-38). En esta sala podéis encontraros también con el "Autorretrato" de Gabriele Munter (1908) junto a otro "Autorretrato" de Beckmann. 

"El Junkerboden nevado" de Kirchner

Lo mejor: "Metrópolis" de Grosz y "Cocina alpina" de Kirchner. 

"Cocina alpina" de Kirchner

Comentario: La exposición brinda la oportunidad de ver reunidas todas las obras del expresionismo alemán de la colección Thyssen (tanto las del barón como las de Carmen Thyssen). El expresionismo alemán no es un movimiento muy conocido del gran público y la exposición es la ocasión de adentrarse un poco más en este estilo tan particular. Para esta exposición se han elegido cartelas esquemáticas que exponen a modo de bullet points cuatro o cinco características o datos de las obras que se incluyen en la sección. No es suficiente para comprender en profundidad los matices de las obras ni del movimiento pero encuadran algo lo que se va a ver. En mi opinión, eran demasiado escuetas para un público que no contara con conocimientos previos del expresionismo. Por ello, os voy a recomendar que antes de visitar la exposición alquiléis por unos 3 euros el vídeo de Aularte sobre "Expresionismo alemán" que os dará algunas claves del movimiento (para más información sobre Aularte pincha aquí). Si tenéis la "Guía oficial de la colección del Museo Thyssen" podéis leer sobre las obras de la exposición en las páginas 280 a 328 de la Guía (edición de 2019). Respecto de las medidas de seguridad por el COVID, os confirmo que el aforo de la exposición es limitado y hay que comprar las entradas con anterioridad pero también os tengo que advertir que el aforo dentro de la misma exposición está muy controlado. Los guardias de seguridad os indicarán cuándo podéis pasar a la sala siguiente en función del aforo y no se permite ir para atrás durante el recorrido (es decir, una vez que paséis a la siguiente sala no se os permitirá volver a la anterior). Esto garantiza la distancia interpersonal durante la visita.

Puntuación: Notable.  

Datos prácticos: "Expresionismo alemán en la colección del barón Thyssen-Bornemisza". Museo Thyssen. Del 27 octubre 2020 al 14 de marzo 2021. Entrada 9 euros (se puede visitar la colección permanente con la misma entrada). Obligatorio comprar de forma anticipada la entrada por razones de aforo. Página web de la exposición  Horario: M-D 10h-19h. S 10h-21h. Lunes cerrado.