Georgia O’Keeffe

“Cabeza de carnero, malva real blanca. Colinas. Nuevo México”

En pocas palabras: La propuesta del Museo Thyssen para esta primavera-verano 2021 es un paseo por los parajes áridos de Nuevo México, las flores sobredimensionadas, las calles de Nueva York y los graneros de Lake George de mano de la artista norteamericana Georgia O’Keeffe. Es la primera retrospectiva de Georgia O’Keeffe en España y el Museo Thyssen es el museo que cuenta con más obras de ella fuera de los Estados Unidos. 

Organización: Museo Thyssen, Centre Pompidou y Fondation Beyeler con la colaboración del Georgia O’Keeffe Museum de Santa Fe, Nuevo México. 

Descripción El recorrido consta de 8 salas. Se trata de un recorrido cronológico por la vida de la artista que se mezcla un poco con los principales temas de sus obras. 

Sala 1 - Carolina del Sur y Texas: obra temprana 

En Carolina del Sur y Texas, Georgia O’Keeffe comienza a pasear y experimenta conexiones con el entorno, lo que reflejó en sus acuarelas de intenso colorido con una predilección por los horizontes infinitos. En esta sala se exponen algunas de esas primeras acuarelas -técnica que empleó antes de pasar al óleo- y también se expone una obra titulada “Abstracción temprana” (1915) en blanco y negro en la que observamos la importancia que le concedía al dibujo. 

"Abstracción temprana"

Sala 2 - Nueva York: abstracciones 

Como hemos dicho, Georgia O’Keeffe realizaba grandes caminatas y luego intentaba plasmar en sus obras la naturaleza que veía con sus matices de color. Por ejemplo, en “Lucero de la tarde nº IV” (1917) intenta captar la luz crepuscular. 

"Lucero de la tarde nº IV"

En 1918, Georgia O’Keeffe se instala en Nueva York. Aquí pinta sus primeras abstracciones florales. En esta sala se pueden apreciar las formas orgánicas y líneas curvas en obras como “Línea Azul”, “Serie I. Formas de flores blancas y azules” y “Serie I. Nº 8” (todas de 1919). Cuando estas obras se expusieron en Manhattan fueron interpretadas en clave de género, como si sus formas sugirieran vulvas. Esto fue utilizado como símbolo por ciertos colectivos feministas, asociación que Georgia O’Keeffe siempre rechazó en vida. 

 

"Serie I. Nº 8" (detalle)

"Serie I. Formas de flores blancas y azules" (detalle)

Una de las intenciones de la artista era crear su propia melodía en sus obras. En “Música azul y verde” (1919/21) las líneas aportan una musicalidad sinuosa. 

"Música azul y verde"

Sala 3 - Nueva York/Lake George 

Desde que llega a Nueva York, Georgia O’Keeffe reparte su tiempo entre paseos por Manhattan con sus grandes y modernos rascacielos y las estancias en Lake George, un enclave natural al norte del estado de Nueva York donde la familia de su pareja, Stieglitz, tenía una casa. 

Fruto de este contraste, surgen obras que por un lado representan vistas urbanas de Nueva York (algo inusual en su obra que se centra principalmente en representar la naturaleza) y representaciones de la América rural con sus granjas, establos y graneros, lo que le recordaba su infancia en Wisconsin. Estos temas también aluden a la búsqueda de elementos identitarios de Estados Unidos y le permiten alejarse de formas consideradas más “femeninas”. 

Entre las vistas de Nueva York nos encontramos con “Calle de Nueva York con luna” (1925) -que fue su primer cuadro realizado en Nueva York-, y “Ritz Tower” (1928). Por otra parte, en esta sala se exponen obras que representan graneros, granjas y establos en Lake George. 

"Calle de Nueva York con luna"

Sala 4 - Flores y mundo natural 

Era una artista recolectora que caminaba, que daba paseos que alimentaban su alma y la inspiraban. Durante sus caminatas, O’Keeffe recogía flores, conchas, rocas, trozos de madera, tejas caídas, hojas y una gran variedad de objetos de la naturaleza que luego plasmaba en sus obras. Por ejemplo en “Concha y viejo tablón de madera” (1926) crea una especia de vanitas moderna. En estas obras se aprecia la concepción particular del volumen y las gradaciones de color. 

 

"Concha y viejo tablón de madera" (dos versiones)

Pero la fama de O’Keeffe reside sin duda en las representaciones de sus flores. En “Amapolas orientales” (1927) vemos que la artista, sin embargo, no hace representaciones románticas del tema. Las flores están descontextualizadas y redimensionadas. Pinta a las flores como si fueran edificios, sobredimensionadas. Las flores son lo delicado, lo femenino, pero coge la convención y le da la vuelta. Cambia la concepción de la flor haciendo una nueva lectura del tema floral. “La flor es tu mundo”, dijo. En estas obras, al cambiar el formato de las flores, invita a prestarles más atención. Además de las amapolas, O’Keeffe ha pintado lirios, narcisos y flores de calicó blancas. 

"Amapolas orientales"

Una de sus obras más famosas, “Estramonio. Flor blanca nº1” (1932), presenta una dualidad muy interesante desde el punto de vista del significado. El estramonio es una flor blanca preciosa pero que en su interior tiene un veneno letal. Esa contradicción le da una dimensión interpretativa al cuadro muy poderosa. 

"Estramonio. Flor blanca nº 1"

Tomaba notas de la naturaleza. Se acercaba a sus elementos y les hacía una especie de zoom a la manera de una cámara fotográfica como en “Hojas de otoño. Lake George. Nueva York” (1924). 

"Hojas de otoño. Lake George. Nueva York"

Otra de las obras presentes en esta sala es “Abedul blanco” (1925). El tronco del abedul es fino y de gran altura. En la obra se aprecia un tronco dúctil que parece prolongarse hasta el infinito. Es un canto a la libertad y evoca la ensoñación; es también una representación del otoño con una lectura conceptual sobre la caducidad del presente y el paso del tiempo. En éste como en otras obras de esta sala, observamos una clara tendencia de la artista hacia la luz y la abstracción. 

"Abedul blanco"

Modifica el punto de vista clásico y, en algunas obras, hace representaciones desde la abstracción. Por ejemplo, en “Nubes de tormenta. Lake George” (1923) intenta captar la huella emocional de la tormenta, haciendo abstracción de formas y sensaciones. 

"Nubes de tormenta. Lake George"

Sala 5 - Primeras visitas a Nuevo México 

En el verano de 1929, O’Keeffe viaja al norte de Nuevo México. Allí se encuentra con un majestuoso paisaje de grandes espacios sin fin. Puede pasear infinitamente y, mientras lo hace, se encuentra huesos de animales muertos lo que alimenta su imaginario. 

En “La montaña. Nuevo México” (1931) podemos apreciar esos parajes áridos donde la artista paseaba infinitamente. 

"La montaña. Nuevo México"

Pero el cuadro más famoso de esta sala es sin duda “Cabeza de carnero, malva real blanca. Colinas. Nuevo México” (1935). Como hemos dicho, O’Keeffe coleccionaba calaveras, huesos y cuernos que encontraba en el desierto de Nuevo México. Los restos óseos encarnan para ella los ciclos de la muerte y la renovación vital. La calavera evoca por tanto el ciclo de la vida: es la permanencia, lo que resiste a nuestro paso por el mundo. 

“Cabeza de carnero, malva real blanca. Colinas. Nuevo México” (detalle)

Hay una obra en esta sala que también resulta particularmente interesante aunque es más difícil de entender. Se trata de “Gris, azul y negro. Círculo rosa” (1929). En Nuevo México, O’Keeffe se encuentra con la cultura nativa americana. En esta obra, intenta recrear el movimiento y el ritmo de una danza ceremonial nativa. Se observa la importancia del color, la luz que se descompone de forma circular sobre el lienzo. Quiere sentir ritmo a través del color. Amplifica el movimiento surgido de la danza. 

"Griz, azul y negro. Círculo rosa"

Pero también hay edificios en esas llanuras como “Pueblo de Taos” (1929-34) en los que realiza una búsqueda de color y formas. 

"Pueblo de Taos"

Sala 6 - Explorando Nuevo México

En las décadas de 1930 y 1940, O’Keeffe ya era una artista consolidada. Es una etapa de madurez de la artista. Pasaba los veranos en Nuevo México, se sacó el carnet de conducir y convirtió su coche en un taller con ruedas lo que le dio mucha independencia. Descubrió unas colinas que ella bautizó como “Black Place” y “White Place”. 

"Black Place I"

También siguió pintando huesos como en “Pelvis IV” y “Pelvis con la distancia” (1943). Aquí podemos observar el hueso y su contraste con el cielo azul. En “Pelvis IV” tenemos, además, la presencia de la luna. El zoom sobre la pelvis nos hace perder la noción del objeto. También hay una tendencia a abstracción marcada por el hueco de la pelvis. 

"Pelvis con la distancia"

En contraste con sus paseos por Nuevo México, también es en esta etapa en la que O’Keeffe comienza a viajar fuera de los Estados Unidos. Fruto de esos viajes nace “Misti. Un recuerdo” (1957) como recuerdo de un viaje a Perú en el que intenta captar el colorido violeta del país. 

"Misti. Un recuerdo"

Sala 7 - Viajes por el mundo 

En 1945, O’Keeffe se compra una hacienda en ruinas en un pueblo llamado Abiquiú y se instala definitivamente en Nuevo México. El patio de su nueva casa fue un tema recurrente de su pintura entre 1946 y 1960. Fijó obsesivamente su atención en una de las puertas de su patio como se puede ver en “Puerta negra con rojo” (1954) y otras obras presentes en esta misma sala. El patio representa la relación entre el espacio público y el privado. Realizó unas 20 versiones del patio dándole protagonismo a la puerta. La artista concebía el patio como una caja cuadrada que tenía cielo arriba y tierra bajo. Su obra en este periodo tiende más hacia el minimalismo. 

"Puerta negra con rojo"

En la década de 1960, alterna sus estancias en su casa de Nuevo México con viajes internacionales en avión. La belleza del mundo desde las alturas la fascina y representa las líneas sinuosas de los ríos a vista de pájaro en obras como “Verde, amarillo y naranja” (1960). 

"Verde, amarillo y naranja"

Fruto de esa tendencia al minimalismo es la infinitud que se percibe en “Cielo sobre nubes. Horizonte amarillo y nubes” (1976-77). 

"Cielo sobre nubes. Horizonte amarillo y nubes"

Sala 8 - El taller 

Como su nombre indica, esta sala trata de recrear el estudio de la pintora. En una vitrina al fondo de la sala se exponen sus pinceles, la paleta de cristal que ella usaba para mezclar los colores, y otros utensilios. En la pared de la izquierda hay una fotografía de las vistas que tenía desde su taller en Nuevo México. No os perdáis el vídeo que se reproduce en la sala en el que se detalla el proceso creativo de la artista con una explicación detallada de su técnica denominada “Wet into Dry”. 

 

El taller de Georgia O'Keeffe y sus vistas de Nuevo México

Lo mejor: La sensación de estar paseando junto a ella por Nuevo México y sentir la misma fascinación 

Comentario: De Georgia O’Keeffe son conocidas sus flores sobredimensionadas. Más que nada porque el feminismo las convirtió en un símbolo de la lucha de las mujeres ya que sus flores se leían en clave de genitales femeninos. En vida, Georgia O’Keeffe siempre negó tal interpretación de su obra y no adhirió a las propuestas de los colectivos feministas de su época. Por otra parte, ella sí tenía la intención de introducirnos en la flor, en lo que tiene de más íntimo y delicado. Y en este sentido, la exposición permite apreciar esa cualidad de su pintura de hacernos vivir la flor. 

"Narcisos amarillos nº3" (detalle)

 

Pero aparte de sus flores, que son muy conocidas, ¿qué pintó Georgia O’Keeffee? Pues ahí es donde reside el poder de la exposición, que va desgranando sus paseos por los desiertos de Nuevo México, por las granjas de Lake George a las afueras de Nueva York y las carreteras del pueblecito de Abiquiú donde se instaló en su última etapa. Se nos explica que ella recogía objetos, desde conchas y tejas hasta cráneos y otros huesos de animales secados al sol. Tenía una necesidad imperiosa de pasear y esos paseos la inspiraban. Luego los trasladaba al lienzo con colores fuertes, que marcaban los contrastes entre el cielo y la tierra, el anochecer y la luna. 

Me ha parecido una excelente exposición en la que, durante el recorrido, el visitante tiene en todo momento la sensación de estar paseando junto a Georgia O’Keeffe sintiendo fascinación por las cosas que a ella la fascinaban. Me ha gustado mucho y os invito a verla si lo deseáis. Eso sí, hay algunas explicaciones a pie de obra pero la mayoría de las explicaciones estaban en la audioguía por lo que os recomiendo que la adquiráis para poder apreciar mejor sus obras. Se trata de obras en su mayoría abstractas y la falta de información puede hacer que paséis de largo por muchas de ellas sin entenderlas en toda su plenitud. 

Me gustaría terminar felicitando al Museo Thyssen por realizar una exposición monográfica sobre una mujer artista, algo que como sabéis, no es habitual en otros museos de la capital. 

Puntuación: Sobresaliente. 

Datos prácticos: “Georgia O’Keeffe” Museo Thyssen. Del 20 de abril al 8 de agosto 2021. La entrada ha vuelto a subir de precio y ahora cuesta 13 euros + 5 euros por la audioguía lo que hace un total de 18 euros. El horario varía: del 20/04/2021 al 28/05/2021 es de martes a viernes y domingos de 10:00 a 19:00 y sábados de 10:00 a 21.00. Del 29/05/2021 al 8/8/2021 es de de martes a sábado de 10:00 a 21:00 y domingos de 10:00 a 19:00. Los lunes está cerrado. Página web de la exposición (incluye un vídeo con la presentación de la misma)  

Pasiones mitológicas

"Diana y Calisto" de Rubens

En pocas palabras: El título completo de la exposición es "Pasiones mitológicas: Tiziano, Veronese, Allori, Rubens, Ribera, Poussin, Van Dyck, Velázquez". A mí me parece un título un poco confuso porque en realidad lo que se expone realmente son las llamadas "Poesías" de Tiziano. Y para darle un poco más de empaque al asunto, las han rodeado de algunas otras obras que abordan temas mitológicos. Eso sí, merece muchísimo la pena desplazarse para visitar la exposición porque las "Poesías" de Tiziano son una maravilla y la exposición resulta muy sabrosa solo por eso.  Organización: Museo del Prado con el patrocinio de la Fundación BBVA. 

Descripción: El recorrido consta de 4 salas. Es un recorrido corto donde casi todo está concentrado en la sala 3 que es donde se exponen las famosas "Poesías" de Tiziano. Para entender esta exposición, hay que saber que el objetivo principal era reunir estas "Poesías" que no se habían vuelto a ver juntas en España desde finales del siglo XVI. ¿Y qué son las "Poesías"? Pues son 6 cuadros mitológicos que Felipe II encargó a Tiziano y que éste realizó entre 1553 y 1562. Se llaman "Poesías" porque así las denominó el propio Tiziano. 

A continuación, vamos a describir brevemente estas 6 obras que, como decíamos, se exponen en la sala 3 de la exposición. No os las voy a contar en el orden en que están expuestas durante el recorrido sino en el orden cronológico de las "Poesías".

 

"Dánae" de Tiziano (The Wellington Collection)

Esta es oficialmente la primera "poesía" de Tiziano. Está datada en 1553. Tiziano retoma otra de sus composiciones pintada en Roma para un cardenal y le introduce cambios. La obra se expone junto con el ejemplar del mismo tema del Museo del Prado. Es una delicia compararlas y ver cómo Tiziano en la versión del Prado introduce más erotismo en la escena: añade el perrito, la mano de Venus está situada en la entrepierna y las piernas están un poco más separadas que en la versión de la Wellington Collection. Las poesías se conciben así como obras destinadas al deleite de los sentidos con una intención erótica evidente. Desde un punto de vista iconográfico, recordemos un poco la escena: Dánae es hija del rey de Argos y de Eurídce. El oráculo predijo a su padre que su nieto (el hijo de Dánae) le mataría. Para evitarlo, encerró a Dánae en una torre. No obstante, Zeus la quiso poseer y para ello se transformó en lluvia de oro. Éste es el momento que representa Tiziano.

"Venuz y Adonis" de Tiziano (Museo del Prado)

Esta es la segunda poesía de Tiziano. Está datada en 1554.  Tiziano muestra el intento de Venus por retener a Adonis que marcha hacia la muerte. Según la cartela que se puede leer junto al cuadro en la exposición, los contemporáneos de Tiziano pensaron que esta "poesía" era la mas erótica de todas debido a que Venus exhibe aquí la espalda y parte de sus nalgas, y también debido a que es ella quien toma la iniciativa y no Adonis. Se expone junto con la obra del mismo título de Veronés. Veronés en cambio muestra el momento en que Adonis descansa su cabeza sobre el regazo de Venus.

"Perseo y Andrómeda" de Tiziano (Wallace Collection de Londres) 

Esta es la tercera poesía de Tiziano. Está datada entre 1554 y 1556. Recordemos un poco el mito: La madre de Andrómeda es Casiopea y pretendía que era más hermosa que todas las Nereidas. Éstas, celosas, le piden a su padre, Poseidón, que las vengue del insulto. Poseidón manda entonces a un monstruo para que asole las tierras de Cefeo, el padre de Andrómeda. El oráculo dijo entonces que si Andrómeda, como hija de Cefeo, se entregaba, todo cesaría. La doncella fue atada a una roca. Perseo la vio, se enamoró de ella y prometió a Cefeo liberarla. Entonces Perseo mata al monstruo y se casa con Andrómeda. Tiziano representa la escena en que Perseo llega a liberar a Andrómeda del monstruo,  destaca el movimiento agitado de las figuras tanto del monstruo marino como de Andrómeda y de Perseo que llega al rescate.

"Diana y Acteón" de Tiziano (National Galleries of Scotland) 

 Es la cuarta poseía de Tiziano y está datada entre 1556 y 1559. El mito que representa este cuadro es el siguiente: Acteón es hijo de Aristeo y de Autónoe. Fue educado por el centauro Quirón que le enseñó el arte de la caza. Un día, Acteón vió a la diosa Diana cuando ésta se bañaba desnuda en un manantial. La diosa lo transforma en ciervo y enfurece a unos perros que lo devoran. Aquí se representa la sorpresa de Acteón cuando contempla a Diana. El resto de personajes son ninfas que acompañan a Diana. Tiziano transforma en ruinas la gruta que Ovidio menciona en las "Metamorfosis". El cráneo del ciervo prefigura el final de la historia. 

"Diana y Calisto" de Tiziano (National Gallery)

Es contemporánea de la anterior, también datada entre 1556 y 1559. Según algunos autores, Calisto es una ninfa de los bosques. Se había consagrado a la virginidad y se pasaba la vida en el monte cazando. Zeus la vió y se enamoró. Como consecuencia, la violó y Calisto quedó embarazada. Un día, la diosa Diana y sus compañeras decidieron bañarse en una fuente. Al desnudar a Calisto, su falta fue descubierta. Indignada, Diana la echó y la transformó en una osa. Tiziano representa el momento en que obligan a Calisto a desnudarse, una escena de gran violencia física y emocional.

"El rapto de Europa" de Tiziano (Boston)

La última de las poesías, fechada entre 1559 y 1562. La historia de este mito es quizás más conocida: Zeus vio a Europa cuando jugaba con sus compañeras en la playa de Sidón (o de Tiro, según las fuentes que se consulten). Se enamora de ella y se metamorfosea en toro blanco con los cuernos en forma de un creciente lunar. Con esta forma fue a tumbarse junto a la doncella. Al principio ésta se asusta pero luego acaricia al animal y acaba sentándose en su espalda. En ese momento, el toro se levanta y se lanza hacia el mar. A pesar de los gritos de Europa, que se aferra a los cuernos, el toro (Zeus) se adentra en las olas y se aleja de la orilla. De este modo la secuestra y la lleva a Creta donde Zeus la posee junto a una fuente. El secuestro de Europa por Zeus es lo que representa Tiziano. Hay un pathos dramático en el cuadro que queda muy patente. Un cuadro que merece la pena contemplar detenidamente porque, entre otras cosas, viene de muy lejos: el Isabella Stewart Garner Museum de Boston.

Entonces, os preguntaréis, ¿qué había en las demás salas? Pues el arte de Tiziano influyó en otros artistas como los que son nombrados en el título oficial de la exposición: Veronés, Rubens, Poussin, Velázquez etc. Por lo tanto además de las "Poesías", la exposición incluye obras de estos autores cuya comparación con la obra de Tiziano resulta interesante. Por ejemplo, en la primera sala titulada "Venus y el desnudo femenino tumbado" se exponen obras como "Venus y Cupido" de van den Broeck y de Allori. En la sala 2 titulada "Tiziano y Rubens" se exponen obras de carácter mitológico también como "La Bacanal" y "Ofrenda a Venus" de Tiziano (ambas de la colección permanente del Prado) junto con "El jardín del amor" y "Danza de personajes mitológicos" de Rubens (también del Prado). En la última sala, sala 4 denominada "Pasiones mitolóticas en el siglo XVII" se centran artistas que también representaron mitos clásicos: destaca "La caza de Meleagro" de Poussin y "El rapto de Ganímedes" de Rubens (ambas de la colacción del Prado).
 

Lo mejor: Las "Poesías" de Tiziano. 
 

Comentario:  Si os preguntáis si merece o no la pena ir a visitar la exposición, os diré mi opinión: merece, y mucho, la pena. En primer lugar, porque desde el siglo XVI no se habían vuelto a reunir las "Poesías" y porque verlas todas juntas en la misma sala es una experiencia muy agradable. Además, se pueden apreciar cuadros que vienen de lejos como "El rapto de Europa" que procede de Boston. Así que solo por eso, id a verla. Eso sí, pasaréis más tiempo en la sala 3 que en el resto de las salas de modo que yo os aconsejo ir temprano para evitar que haya mucha gente. Quizás entre semana la cosa esté más tranquila. Yo fui un sábado y, la verdad, la sala 3 estaba, como cabía suponer, muy llena porque los que sabemos lo que estamos viendo obviamente nos hemos detenido más en las "Poesías" que en el resto de obras expuestas. Finalmente, destacar que había paneles explicativos de las obras pero que conviene ir "con los deberes hechos" y repasar un poco, aunque sea por encima, los mitos que váis a ver representados para no perderos los pequeños matices de las obras expuestas. Si lo queréis, podéis imprimir el texto de las cartelas que están disponibles en la página web de la exposición. 

Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: "Pasiones mitológicas". Museo del Prado (Sala  C Edificio Jerónimos). Del 2 de marzo al 4 de julio 2021. Precio 15 euros. L-S 10h-20h. D-F 10h-17h. Página web de la exposición

Marinus: pintor de Reymerswale

"El cambista y su mujer" de Marinus

En pocas palabras: Esta es una de las dos exposiciones que el Museo del Prado nos ofrece para esta primavera 2021 junto con "Pasiones Mitológicas". En este caso, se trata de una pequeña exposición monográfica sobre Marinus van Reymerswale, un pintor neerlandés del siglo XVI. La exposición reúne 10 obras del artista (5 son del Museo del Prado pero han sido restauradas para la ocasión). 
Organización: Museo del Prado con el patrocinio de Mistubishi Corporation y de la Fundación de Amigos del Museo del Prado. Comisariada por Christine Seidel, Conservadora de la Staatsgalerie Stuttgart.  

Descripción: Ubicada en una única sala, la exposición tiene un recorrido corto pero conciso que nos permite entender un poco quién fue Marinus y qué temas solía pintar. 

El panel de la entrada a la exposicion nos sitúa indicando que Marinus inició su carrera en Amberes a principio del siglo XVI cuando la ciudad se convertía en un centro mercantil importante que atraía a viajeros, comerciantes y artesanos de toda Europa. El recorrido de la exposición nos muestra que Marimus se especializó en una reducida variedad de temas. Hay tres paredes en la sala y las obras se dividen en cuatro temas. 

De frente nos encontramos con obras que representan tanto la figura del recaudador de impuestos como las del cambista y su mujer; a la derecha nos encontramos con las obras que representan San Jerónimo en su estudio; y a la izquierda se exponen obras religiosas. 

"San Jerónimo en su estudio" por Marinus

Para sus obras sobre "San Jerónimo en su estudio", Marinus se inspiró de los grabados de Durero. Se expone uno de ellos procedente de la Biblioteca Nacional. Hay que mencionar que San Jerónimo (padre de la Iglesia) era considerado en el siglo XVI, era del humanismo, como un símbolo de lo erudito. Además, en sus obras no sólo aparece el santo sino que también hay una naturaleza muerta en primer término con una calavera que evoca la fugacidad de la vida. En esta versión de "San Jerónimo en su estudio" se aprecia también que la biblia que tiene abierta sobre la mesa incluye un grabado de Durero titulado "El Juicio Final" que también se expone en la exposición.

"El recaudador de impuestos" por Marinus

Para sus obras sobre el "Recaudador de impuestos" y "El cambista y su mujer" hay varias teorías. Principalmente, se trata de escenas de género en las que los personajes están dedicados al comercio del dinero. A menudo se ha interpretado como representación de la usura o alegoría de la codicia. En efecto, parecen reflexiones sobre el mundo financiero de la época. Pero también es posible que el artista nos quiera advertir contra esos comportamientos. En conclusión, sus obras oscilan entre lo alegórico y la representación de una actividad de la época muy concreta: la recaudación de impuestos por los funcionarios de la administración fiscal municipal. 

"La Virgen de la leche" por Marinus

Finalmente, entre las obras religiosas que se exponen, destaca "La Virgen de la leche" en la que el personaje de María se presenta vestida con la indumentaria propia de la época en un interior burgués, una pintura muy flamenca llena de pequeños detalles (fijaros en la calidad de la representación de los pliegues de la ropa y en la cesta de mimbre que aparece en la parte de atrás del cuadro).  

"La vocación de san Mateo" por Marinus

 

También se expone "La vocación de San Mateo" que es una de las obras más tempranas del artista y en la que la conversión de Mateo a la fe cristiana es una referencia a la reforma protestante. 

Lo mejor: La oportunidad de descubrir a este pintor del siglo XVI que resulta poco conocido.
Comentario: La exposición es pequeñita pero se centra en lo escencial: quién era Marinus y qué temas solía pintar. Como introducción a su figura, me parece una interesante exposición. Mencionar también el acierto de incluir alguna vitrina con elementos que ayudaban a contextualizar las obras. Por ejemplo, se expone el libro "La nave de los necios" de Sebastian Brant de 1497 que ridiculizaba los comportamientos mezquinos a través de la sátira. También se expone una moneda de plata acuñada por Carlos V en las provincias neerlandesas, moneda que también estaba presente en los cuadros del "Recaudador de impuestos".
Puntuación: Notable.
Datos prácticos: "Marinus: pintor de Reymerswale". Museo del Prado (Sala  D Edificio Jerónimos). Del 9 de marzo al 13 de junio 2021. Precio 15 euros. L-S 10h-20h. D-F 10h-17h. Página web de la exposición

 

Mondrian y De Stijl

"New York City" de Mondrian (1941)

En pocas palabras: Mondrian es un artista holandés adscrito al estilo denominado neoplasticismo: un movimiento de abstracción geométrica creado en 1917. En esta exposición podemos encontrar pintura abstracta de Mondrian pero también algunas obras figurativas de sus comienzos. Asimismo se exponen diseños y pinturas de Theo van Deosburg, co-fundador de la revista De Stijl (literalmente "El Estilo"). Una oportunidad para acercanos a la obra de estos artistas junto a otros que marcaron el rumbo del arte abstracto geométrico desde los Países Bajos.

Organizadores: Museo Reina Sofía y Stichting Kunstmuseum Den Haag. Comisario: Hans Janssen.

Descripción: El recorrido comienza con las obras que Mondrian expone en Utrecht en 1892  y que siguen la tradición pictórica del realismo holandés del siglo XVII. En estas primeras salas apreciamos obras como "Cesta con manzanas" y paisajes interesantes como "Día de verano".

 

"Cesta con manzanas" de Mondrian (1891)

"Día de verano" de Mondrian (1908)

 

A medida que vamos avanzando hacia la abstracción, las formas se van reduciendo a líneas, la paleta cromática también se reduce y nos encontramos con obras como "Composición en gris" de Theo van Doesburg y "Composición XIV" de Mondrian.  

"Composición en gris" de Theo van Doesburg (1919)

"Composición XIV" de Mondrian (1913)

En la exposición no solamente se exponía pintura sino también obras de diseño creadas por artistas adscritos a este movimiento estético tan particular como fue De Stjil.  Entre ellas se encontraban diversas sillas y también se recreaba una habitación infantil diseñada según las ideas estéticas del movimiento.

 

"Silla roja y azul" de Gerrit Thomas Rietveld (1917-23)

"Dormitorio de niños" diseñado en 1919-20 por Vilmos Huszár y Pieter Klaarhamer

Destacar que también se exponían algunas maquetas como ésta: 

"Maqueta para un párking de París" por Konstantin Melnikov

En la última parte de la exposición se podían ver las composiciones más reconocibles de Mondrian en las que ya apreciamos esa superposición de planos, la paleta monocromática y su aversión por el verde y la línea curva que le valió la separación con Theo van Doesburg. 

"Composición en rojo, amarillo y azul" de Mondrian (1927)

La exposición termina con la llegada de Mondrian a Estados Unidos. Se expone la obra "New York City" del Museo Thyssen.

Como sabéis, una de las particularidades de este blog es que siempre estamos atentas a la presencia de mujeres artistas en las exposiciones. En esta ocasión, hemos encontrado una mujer artista expuesta en el recorrido:  Jacoba van Heemskerck con obras tituladas "Bosque I" y "Bosque II". 

"Bosque I" de Jacoba van Heemskerck (1913)

Lo mejor: Descubrir la pintura figurativa de Mondrian, menos conocida que su pintura abstracta. 

Comentario: El recorrido ofrecía la posibilidad al visitante de apreciar no sólo la pintura abstracta archi-conocida de Mondrian sino también su pintura figurativa. Además, sumergía al visitante en el mundo del diseño con sillas, maquetas, dibujos de diseños y hasta la recreación de una habitación infantil según las ideas estéticas de De Stjil. Quizás destacaría que había mucha gente y que a veces se producían aglomeraciones en las salas que no eran adecuadas para tiempos de pandemia pero los vigilantes intentaban controlar el aforo. En el Museo Reina Sofía, las visitas guiadas son gratuitas pero el aforo está limitado a 3 personas por mediador debido al COVID. Esto dificulta las posibilidades de poder conseguir plaza pero si se quiere intentar, hay que ir al mostrador de Mediación Cultural media hora antes de la hora prevista para la visita (más información en este enlace). 

Puntuación: Notable.

Datos prácticos: "Mondrian y De Stijl". Museo Reina Sofía. Del 11 de noviembre 2020 al 1 de marzo 2021. Entrada 8 euros.  Página web de la exposición

Iconografía: Noli me tangere

"Noli me tangere" de Correggio (1525, Museo del Prado)

Hoy os propongo una introducción sobre uno de mis temas preferidos de la iconografía cristiana: se trata del "Noli me tangere". "Noli me tangere" es una expresión en latín que significa "No me toques" aunque según otras interpretaciones significaría también "No me retengas". 

Desde un punto de vista iconográfico, un "Noli me tangere" es una pintura en la que el tema principal es el encuentro de Jesús con María Magdalena después de que éste resucitara. Según la tradición, ella se acerca a él y él le contesta que, por favor, no le toque debido a que aún no ha subido al cielo y su naturaleza está entre el mundo terrenal y el mundo celestial. 

El texto sobre el que se basa este episodio está relatado en el capítulo 20 del Evangelio de San Juan titulado "Aparición a María Magdalena" que dice así:

"María se quedó fuera, junto al sepulcro, llorando. Sin dejar de llorar, se asomó al sepulcro y vio a dos ángeles (...). Ellos le dijeron: "Mujer, ¿por qué lloras?". Contestó: "Porque se han llevado a mi Señor y no sé dónde lo han puesto". Al decir esto, se volvió hacia atrás y vio a Jesús allí de pie, pero no sabía que era Jesús. Jesus le dijo: "Mujer, ¿por qué lloras? ¿A quién buscas?". Ella, creyendo que era el hortelano, le dijo: "Señor, si te lo has llevado tú, dime dónde lo has puesto y yo iré a recogerlo". Jesús le dijo: "¡María!". Ella se volvió y exclamó "¡Maestro!". Jesús le dijo "Suéltame, que aún no he subido al Padre; anda y di a mis hermanos que me voy con mi Padre y vuestro Padre, con mi Dios y vuestro Dios". María Magdalenta fue a decir a sus discípulos que había visto al Señor y a anunciarles lo que él le había dicho".  

Como véis, el texto es bastante reducido para un tema que ha contado con una tradición iconográfica tan amplia. En este tema iconográfico solemos encontrar tres elementos recurrentes: la figura de Cristo, la figura de María Magdalena y un paisaje o un jardín ya que el encuentro tuvo lugar al aire libre. La escena puede aparecer como algo aislado o como parte de un ciclo iconográfico más amplio sobre la Pasión o sobre María Magdalena.  

La figura de Cristo normalmente aparece de pie y separándose de María Magdalena. En algunas ocasiones, Cristo lleva una cruz como símbolo de su resurrección. En otras ocasiones, Jesús se suele representar con un atuendo o con utensilios de jardinero debido a que el texto habla de que María Magdalena le confunde con un hortelano. Una de las artistas que ha representado este aspecto es Lavinia Fontana. 

"Noli me tangere" de Lavinia Fontana (1581, Galería de los Uffizi)

En relación con la figura de María Magdalena, suele aparecer arrodillada y en ocasiones extiende el brazo para tocar a Jesús lo que da lugar a composiciones un poco más dinámicas (como por ejemplo en la versión de Alonso Cano). Sin embargo, otros la pintan prácticamente inmóvil sin movimiento de brazos (como Brueghel o Fra Angélico).  A veces María Magdalena lleva un recipiente con perfumes. 

"Noli me tangere" de Fra Angélico (1437-1446, Museo de San Marcos)

"Noli me tangere" de Jan Brueghel el Joven (1625, Museo de Bellas Artes de Nancy) 

"Noli me tangere" de Alonso Cano (1646-52, Museo de Bellas Artes de Budapest)

Alonso Cano además aporta un lado más humano a la escena ya que Jesús hace el gesto de colocar la mano en la cabeza de María Magdalena lo que humaniza la escena y la hace más cercana al espectador.

Las versiones más famosas del tema son las que hicieron Tiziano y Correggio. Tiziano representó el episodio y en su interpretación hay un movimiento de ella hacia él más explícito. Me gustaría llamaros la atención hacia los matices cromáticos de la obra tanto en el paisaje como en las prendas de él y ella. Esta obra tuvo mucha influencia en la versión de Correggio. 

En Correggio vemos que María Magdalena viste de amarillo (color de las cortesanas) y que ella está representada de forma más alterada mientras que Jesús está sereno y tranquilo. Especialmente interesante es que Tiziano pinta el paño de Jesús de color blanco mientras que Correggio lo pinta en azul que probablemente alude al cielo. 

 

"Noli me tangere" de Tiziano 

 

En el Palacio Real de Madrid contamos con un "Noli me tangere" de Mengs: 

"Noli me tangere" de Antonio Rafael Mengs (1769, Palacio Real de Madrid)

Y para terminar os pongo dos versiones realizadas por Giotto en el siglo XIV: una versión realizada para la Capilla degli Scrovegni y otra para la Basílica Inferior de Asís.

 "Noli me tangere" de Giotto (1305, Capilla degli Scrovegni)

"Noli me tangere" de Giotto (1296-1329, Capilla de María Magdalena en la Basílica Inferior de Asís)

¿Con qué versión de "Noli me tangere" os quedaríais vosotr@s?