Vogue like a painting

La joven de la perla

En pocas palabras: La relación entre moda y pintura ha sido la apuesta del verano del Museo Thysse)n. Se trata de una bonita exposición que recoge diversas fotografías de moda hechas para la revista Vogue por los mejores fotógrafos de los siglos XX y XXI (Mario Testino y Paolo Roversi entre otros). Las fotografías, por su iconografía, puesta en escena o vestuario, aluden a obras pictóricas.
Descripción:La muestra se organiza en torno a los géneros clásicos de la pintura como el retrato, el paisaje y los interiores, las naturalezas muestras, y por supuesto la mujer. Las imágenes evocan cuadros de diferentes periodos de la historia del arte; a veces, la referencia es directa pero otras veces es más sutil. En la primera sala se encuentran las fotografías que más directamente evocan obras de la historia del arte como "La joven de la perla" (cuadro de Vermeer), fotografía de Erwin Blumenfeld (1945), o "Carmen como la Santa Isabel de Zurbarán" fotografiada por Michael Thompson (2000). 

En la segunda sala, aparecen fotografías con un tono más romántico evocando los interiores del palacio de Versalles como en la fotografía que Annie Leibovitz realizó para la película "María Antonieta" de Sofia Coppola. En la sala tercera excelentes fotografías que evocaban los destinos de Ofelia (Mert Alas & Marcus Piggot, 2011) o la soledad en "Barridos por la marea" (Swept Away, 2011) de Patrick Demarchelier. Tambíen destaca en esta sala el inmenso retrato de una mujer con un gorro ruso (fotografía de Mariano Vivanco titulada "Gorro ruso"). En la parte final del recorrido se puede apreciar la fotografía geométrica de Sheila Metzner (1986).

Tim Walker, 2010

Lo mejor: Una interesante fotografía de Tim Wlaker realizada en 2010 que se titula "Clementine Keith Roach" y representa a una especie de Venus dormida dentro de una piscina en forma de concha. La alusión al nacimiento de Venus es interesante porque, a diferencia de la Venus de Boticelli, ésta está dormida como si no quisiera despertar de su sueño, es una Venus que no quiere nacer llena de sensualidad y elegancia.

Lily Cole en la escalera de caracol, 2005, Tim Walker

Comentario:Bonita exposición con la que el Museo Thyssen continúa con su práctica habitual de darle a la moda un espacio dentro del programa del museo. Me parece que es un acierto involucrar la moda en los museos ya que, como todos sabemos, la alta costura se nutre de la historia del arte toda vez que es arte en sí misma. Por tanto, relacionar arte y moda siempre es un acierto. En esta ocasión, se trata de fotografía de moda pero la apuesta es efectiva y la exposición, resultante. El título de la exposición "Vogue like a painting" también resulta poético y tiene una melódica sonoridad. Quizás habría mejorado la exposición indicando en paneles explicativos las relaciones entre las fotografías y las obras pictóricas. La exposición pecaba de cierta falta de información (tampoco había audio guías y el folleto no explicaba los detalles).

Puntuación: Notable.
Datos prácticos: "Vogue like a painting", Museo Thyssen, del 30 de junio al 12 de octubre 2015. 7 Euros.

TITANIC

En pocas palabras: La exposición que ningún fan de la historia del hundimiento se debería perder es la apuesta otoño-invierno del Centro Cultural de la Villa Fernando Fernán Gómez. Descripción:La exposición cuenta con paneles que muestran fotografías de pasajeros que estuvieron en el barco y se acompañan de vitrinas con objetos que les pertenecieron (cartas, telegramas, fotografías, un diario, un par de zapatos, un costurero o un misal). Al llegar, entregan al visitante unos auriculares que proporcionan explicaciones de todos los paneles y objetos expuestos en vitrinas lo cual permite que cada uno haga la visita a su ritmo. Durante el recorrido, cuentan la historia de los diferentes personajes y también la historia de la construcción del barco, de la compañía White Star Line y del hundimiento. Donde resulta procedente, hacen las oportunas referencias a la película de James Cameron para ayudar al visitante a contrastar la realidad del hundimiento como acontecimiento histórico con la ficción. A lo largo de la exposición, hay instalaciones que reproducen el interior del barco (los pasillos, los camarotes de primera, segunda y tercera clase, un trozo de hielo que simula el frío de un auténtico iceberg, una pasarela para "subir al barco", etc). En la mitad del recorrido, hay una maqueta del barco en la que se puede apreciar la disposición de los camarotes y las diferencias entre la primera, segunda y tercera clase.

Lo mejor: Pasear por los pasillos del barco y sentir que se está navegando en él...

Comentario: A veces, conviene dejar de lado el esnobismo intelectual y dejarse llevar por exposiciones como estas que están orientadas al gran público pero que nos permiten experimentar sensaciones nuevas combinando un acontecimiento histórico con el sensacionalismo de una tragedia que no ha dejado de fascinar a la humanidad.

Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: Centro Cultural de la Villa de Madrid (Fernando Fernán Gómez). Del 2 de octubre 2015 al 6 de marzo 2016 de 10h a 20h. Atención: Los precios cambian de lunes a domingo (el día más barato es el lunes 6 euros; el sábado cuesta 12 euros). Hay mucha cola para comprar las entradas por lo que conviene planear la visita con antelación. Más detalles en la página web: http://www.titanic.eu/pages/planea_tu_visita

Bonnard: pintar la Arcadia

En pocas palabras: La propuesta de otoño de la Fundación Mapfre es esta interesante retrospectiva sobre la obra de Pierre Bonnard, un pintor francés inclasificable de finales del siglo XIX y principios del XX, fundador entre otros artistas, del grupo de los nabis.  
Descripción: Originariamente programada por el Museo de Orsay de París, la mayoría de las obras de la muestra proceden de este museo además de algún préstamo procedente de Estados Unidos y de colecciones particulares (la conservadora mencionó en la conferencia inaugural de la exposición en París que la exposición sirvió de excusa para restaurar algunos cuadros). La exposición abre con una sala denominada "Un nabi très japonard" (Un nabi muy japonista) que alude a la influencia del arte japonés en la obra del pintor. En esta sala se puede contemplar el elegante "Femmes au jardin", concebido como biombo, que abre la exposición tras la entrada azul y sumerge al espectador en el ambiente nabi con su compleja red de puntos, líneas, espirales, retículas, arabescos y manchas de llamativos colores. Todo un acierto. Le sigue el biombo de cuatro hojas litografiadas, "Frise de fiacres. Promenade des nourrices", con alguna reminiscencia de Toulouse Lautrec en el rostro del personaje femenino. A continuación, una explosión de cuadros en los que predomina el color verde con obras como "Crépuscule". En la sala siguiente (Interior), aparecen obras como "L'homme et la femme" con cuerpos desnudos contrapuestos a cada lado de un biombo, y otras composiciones interiores con cierto erotismo. La sala Intimidad es la más interesante desde un punto de vista técnico. Presenta la reinvención del desnudo a través del color en atmósferas íntimas ("Nu de dos à la toillette", "Nu dans un intérieur"). Esta es la sala en la que se exponen los cuadros con mayores matices del pintor: obras con contrastes de colores, en los que los estratos de color organizan la composición. La siguiente sala, Retratos escogidos, incluye retratos de los mecenas del artista (los hermanos Bernheim-Jeune y la conocida Misia Natanson/Edwards que aparece retratada en obras como "L'après-midi bourgeoise". La sala Fotografía presenta numerosas fotografías de pequeño tamaño hechas por el pintor en su vida cotidiana y la sala Autorretratos incluye dibujos (destacan bocetos para abanicos). La sala Ultravioleta hace referencia al color del cielo de la Costa Azul, donde Bonnard pintó las obras aquí expuestas que representan paisajes ("Trouville, la sortie du port" con impresión de luz en blancos y amarillos y "L'enlèvement d'Europe" donde predomina el azul). Finalmente, la sala "Grandes decoraciones. Et in Arcadia Ego" incluye los paneles decorativos para murales que pintó para Misia Natanson/Edwards como "Après le déluge", "Jeux d'eaux" y "Le plaisir": sinfonías pastorales, con un marco de monos y loros en los irregulares bordes que nos remiten a un tiempo de felicidad arcádica, una suerte de paraíso terrenal a la imaginería extravagante y pasional.

Lo mejor: Lo mejor de esta exposición está al principio (con los biombos de influencia japonesa) y al final (con los grandes murales decorativos). Pero entre medias también está lo más interesante desde un punto de vista técnico, que es con lo que me quedo: son los dos cuadros de desnudos femeninos en los que el artista ha experimentado con los estratos de color para crear la composición: "Nu de dos à la toilette" y "Nu dans un intérieur".

Comentario:El título de la exposición en París fue "Pierre Bonnard: pintar la Arcadia"; en España han elegido denominarla simplemente "Bonnard", quizás porque los paneles decorativos del artista que representan ese mundo idílico de la Arcadia se reducen a una de sus salas. Sin embargo, me habría parecido un título más original para la exposición. Contemplar la retrospectiva de un artista es siempre interesante porque da una visión de conjunto de su obra. En este caso, el objetivo de la muestra está cumplido ya que permite observar los matices de su trabajo, la evolución artística en la experimentación con el color y la búsqueda de las formas. En este sentido, la exposición es un acierto. Como los artistas de su tiempo, Bonnard experimenta con luz y color, pero se aleja del impresionismo en esa búsqueda de matices que siempre persigue lo cual hace que la exposición resulte más interesante.

Puntuación: Notable.  
Datos prácticos: Fundación Mapfre. Del 19 de septiembre de 2015 al 10 de enero de 2016. Lunes de 14h a 20h. Martes-Sábados de 10h a 20h. Domingos de 11h a 19h.

El arte mochica del antiguo Perú: oro, mitos y rituales

Vasijas-estribo con (i) el símbolo de la espiral y (ii) el símbolo triangular que refleja los tres mundos de la cosmovisión mochica

En pocas palabras: Una exposición excelente; en mi opinión, una de las mejores exposiciones para ver en Madrid este verano. Se trata de la muestra de arte mochica que ofrece el Caixa Forum. La propuesta resulta original ya que ofrece una visión completa del arte mochica con muchas piezas procedentes del Museo Larco de Perú.
Organizadores: Museo Larco de Perú. Comisaria Ulla Holmquist. 
Descripción: La exposición consta de 15 ambientes: 1º Comienza con una corona de oro repujado (Atuendo de oro) y representación humana con felinos rampantes perteneciente a algún miembro de posición social elevada en la cultura mochica; 2º Siguen diversos recipientes ceremoniales (vasijas-estribo) tallados con representaciones vegetales como la yuca, la papa y el maíz propios del arte mochica (aquí aprendemos, por ejemplo, que el maíz al ser dorado se asemejaba al mundo celeste y los tubérculos al mundo de abajo); 3º Maravilloso panel que recoge a gran tamaño el desarrollo del programa iconográfico de tres vasijas-estribo expuestas en vitrina bajo el título Los mundos; 4º Más recipientes ceremoniales que muestran la representación de la trilogía sagrada del arte mochica (aves para el mundo celeste, felinos para el mundo terrestre y serpientes para el mundo subterráneo); 5º Bajo el lema Símbolos que permanecen se nos presentan objetos que reflejan la dualidad como concepto básico en la cosmogonía del arte mochica (destaca la espiral presente en un recipiente ceremonial); 6º Un acertadísimo vídeo de 10 minutos realizado por el Museo Larco de Perú al que pertenecen las piezas de la exposición y que nos descubre las claves más importantes del arte mochica (aprendemos que el museo debe su nombre al arqueólogo Larco, siglo XX, que descubrió muchas de estas piezas); 7º Piezas que reflejan la interacción entre los tres mundos (celeste, terrenal y sub-mundo) que según la cultura mochica tenía lugar durante el acto sexual por lo que en este ambiente hay representaciones eróticas; 8º Bajo el lema El brindis ceremonial se presenta una muestra de queros o vasos ceremoniales que guardaban la chicha durante los rituales (aquí destacan unas copas de plata finamente labradas); 9º Bajo el lema La decapitación mítica se muestran las famosas vasijas-estribo con representaciones de retratos (incluye cabeza-ofrendas adscritas a la cultura nazca); 10º-11º-12º Objetos relacionados con la cacería del venado, la música y la guerra ritual (destacan moluscos-trompeta); 13º Muestras de textil y vasijas bajo el lema El culto a los ancestros; 14º Una bonita muestra de orfebrería mochica con atuendos de oro repujado utilizado en ceremonias y objetos de plata así como joyas; 15º La leyenda de Ai Apaec (el héroe de la mitología mochica).

Lo mejor: La cosmogonía del arte mochica que se deduce de los objetos expuestos a lo largo de la exposición resulta fascinante. Por ello, me quedo con el recipiente ceremonial con representación de espirales entrelazadas como símbolo de su cosmovisión. Sin embargo, hay muchas piezas muy originales como la másca de Ai Apaec realizada en cobre o una vestimenta funeraria chimú hecha en algodón, alpaca y vicuña.

Cerámica erótica

Comentario: Magnífica exposición: el arte mochica es una de las culturas más interesantes del arte precolombino pero es mal conocido por el público general que tiende a asociar Perú únicamente con la cultura de los incas, muy posterior a la mochica. Por ello, esta exposición merece todos los halagos. Además, las salas están ordenadas siguiendo un orden y, si el objetivo era adentrarnos en el arte mochica y en la cosmovisión del pueblo de los antiguos peruanos, dicho objetivo se cumple a la perfección. Los paneles ilustrativos de los sacrificios y otros rituales sitúan los objetos de la exposición en su contexto ceremonial. Además, la muestra reúne objetos que reflejan todos los ámbitos en los que destaca el arte mochica: a saber, la cerámica con muchos ejemplos de vasijas-estribo, y la orfebrería que refleja el nivel de técnica en el repujado del oro y su talla, abundantes cerámicas. Todo está expuesto de forma clara y quizás lo único que lamenté fuera que en su énfasis por resultar didácticos y explicar el arte mochica al público, omitieron información sobre la técnica artística centrándose sólo en la iconografía de las piezas. Con todo, la exposición es excelente y si nunca se ha visitado el Perú, es una ocasión única de apreciar piezas de arte mochica sin moverse de España.

Máscara de Ai Aapec en cobre

Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: "El arte mochica del antiguo Perú: oro, mitos y rituales". Caixa Forum de Madrid. Del 3 de julio al 4 de octubre 2015. Entrada 4 euros.

 

Vasijas con paneles que desarrollan el programa iconográfico

Animales y Faraones: el reino animal en el Antiguo Egipto

En pocas palabras: Se trata de una exposición temática y arqueológica que versa sobre la representación de animales en el arte egipcio. La ambiciosa propuesta de primavera-verano del Caixa Forum se queda en una muestra de objetos variopintos cuyo nexo de unión (la representación de animales) resulta poco original.
Organizadores: Museo del Louvre.
Descripción: La exposición reúne objetos diversos cuyo único punto en común es que pertenecen al arte egipcio y que representan animales. Por este motivo, la muestra carece de originalidad y no aporta una visión nueva sobre el arte egipcio. La exposición comienza con una instalación cuyo objetivo parece ser adentrar al espectador en las riberas del río Nilo para luego mostrarle su fascinante fauna y la influencia que ésta tuvo en el arte. El efecto de la instalación inicial habría resultado acertado, si no fuera porque le suceden pasillos laberínticos, sin sentido ni indicaciones, en los que uno se pierde intentando averiguar cuál es el orden lógico de la exposición. A lo largo de ese confuso meandro que forma la primera parte de la exposición, se ven desfilar objetos pequeños en vitrinas. No hay ninguna sorpresa: cuencos, recipientes votivos, cajas cilíndricas, figuritas varias, amuletos, vasos canopos, estelas, varios óstrakon y alguna que otra acuarela de Boussac (siglo XX) con representaciones de cacerías, estanques o navigación que cuelgan de las paredes. En la segunda parte de la exposición, una vez fuera del laberinto, nos encontramos con una sala más oscura dedicada a seguir exponiendo objetos de pequeño y mediano tamaño. En esta sala,  destaca algo que aunque no forma parte del catálogo de la exposición, resulta didáctico: un panel con una explicación didáctica sobre ideogramas, fonogramas y el sentido de lectura de un jeroglífico. Finalmente, la tercera parte es una sala diáfana que expone objetos de mayor tamaño que siguen estando expuestos sin un orden concreto. Aquí se aprecian, por ejemplo, diversas esculturas de esfinges de gran tamaño. Destaca un grupo estatuario en granito rosa perteneciente a la base del obelisco del Templo de Luxor con representaciones de babuinos adscrito al Imperio Nuevo.

Lo mejor: La famosa Paleta de los Chacales del periodo predinástico (3.300-3.100 a.C.) adscrita a la cultura Nagada III.
Comentario: Al ser el título de la exposición "Animales y Faraones: el reino animal en el Antiguo Egipto" y al promocionarse por todas las calles de Madrid con cierta pomposidad,  sabía que me encontraría con una exposición temática cuyo objetivo sería reunir un montón de piezas de diferentes orígenes y estilos con la única excusa de representar animales, algo que, como todos sabemos, es muy corriente en el arte egipcio. Ese es el principal problema de esta exposición: el tema está trillado y verla no aporta una visión diferente del arte egipcio. Su única ventaja es ver en Madrid muchas piezas extraídas de los impresionantes fondos del Museo del Louvre de París. La frase del folleto es, en este sentido, explícita: "No es necesario ser egiptólogo para advertir la amplia presencia de la figura animal en el arte egipcio". Mi comentario sobre esta frase sería: En efecto, ¿y qué aportáis de nuevo en esto? Nada.
Puntuación: Insuficiente.
Datos prácticos: "Animales y Faraones: el reino animal en el antiguo Egipto". Caixa Forum de Madrid. Del 1 de abril al 23 de agosto 2015. Entrada 4 euros.