Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia

Cartel de la exposición en la entrada exterior del Museo del Prado

En pocas palabras: Exposición en la que se aprovecha la restauración de "La Anunciación" de Fra Angelico para exponer la obra restaurada junto a otras obras de Fra Angelico y algunos de sus contemporáneos.
Organizadores: Museo del Prado con el patrocinio de la Fundación Amigos del Museo del Prado. Comisario: Carl Brandon Strehlke, Conservador Emérito del Philadelphia Museum of Art y experto en Fra Angelico. 
Descripción: El recorrido consta de 8 salas y 1 sala de introducción. En la sala de introducción hay un panel que indica que la exposición pretende construir dos relatos: Florencia vista por Fra Angelico y Fra Angelico visto con ojos españoles. En ella se expone un capitel florentino de Brunelleschi.

• Sala 1: Esta sala se centra en los comienzos de la obra de Fra Angelico. Se exponen obras del artista en el taller de su maestro Lorenzo Monaco como "La Virgen y el Niño entronizados". De Lorenzo Monaco se expone "La Virgen y el Niño entronizado con 6 ángeles". También podemos apreciar 2 miniaturas atribuidas a Lorenzo Monaco y Fra Angelico con "El milagro de los panes y los peces" y "Cristo lavando los pies de los apóstoles". Particularmente elegantes las "Santa Paula" y "Santa Eustaquia" de Ambrogio di Baldese expuestas también. 
• Sala 2: Aquí nos encontramos con la tabla de predela de Fra Angelico con "San Miguel Arcángel" que pertenece al periodo anterior al momento en que el artista tomó los hábitos. También se expone "La Crucifixión" de Fra Angelico contemporánea del momento en que  tomó los hábitos en San Domenico de Fiésole. En unas vitrinas se exponen 3 relieves de Donatello como "La creación de Eva" con restos de vidriado. Estos relieves influyeron en obras de Fra Angelico como "La Virgen y el Niño entronizados con 2 ángeles" expuesta en esta sala.
• Sala 3: En esta sala hay muchas obras destacables; por ejemplo "La Virgen y el niño con 12 ángeles" de Fra Angelico representados bajo un baldaquino con influencia de la cúpula de la catedral de Florencia de Brunelleschi. También se exponen tablas del retablo mayor de San Domenico de Fiésole de Fra Angelico como "San Miguel Arcángel", "Cristo glorificado" o "Los precursores de Cristo". Se pueden apreciar 2 obras que influyeron en "La Anunciación" de Fra Angelico como "La Virgen con el Niño" representados en un jardín con frutas simbólicas de Gentile da Fabriano y "La presentación de Jesús en el templo" (también de Gentile da Fabriano) que sitúa al templo de Jerusalén en una calle florentina con damas y mendigos en una composición que influirá en la escena de la predela del retablo de "La Anunciación". 

  

  "La Anunciación" de Fra Angelico

• Sala 4: Esta sala presenta algunas obras interesantes como "San Julián el Hospitalario" de Masolino que utiliza una hoja de plata usada también por Fra Angelico en las rosas de "La Anunciación". Se exponen otras obras de Fra Angelico como "La Virgen de la Humildad" y "La Virgen de la Granada" que fue propiedad del Duque de Alba por lo que también se expone una escultura del Duque. 

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  "Virgen de la Granada" de Fra Angelico

  Sala 5: Es la sala estrella de la exposición porque en ella se expone "La Anunciación" tras el proceso de restauración. Si recordáis cómo era la obra antes de la restauración, apreciaréis mejor las tonalidades luminosas y el brillo espectacular de los colores que presenta ahora. El Museo del Prado ha hecho un gran trabajo. Junto a ella se exponen cuadros contemporáneos como "La Anunciación" de Masaccio y "La Anunciación" de Robert Campin que permite ver las diferencias en el tratamiento del tema entre Flandes y Florencia. En un panel se puede ver una ilustración con la colocación original del retablo de "La Anunciación". En una vitrina hay un tratado de botánica con una granada. 
• Sala 6: Entre otras obras se puede ver "Cabeza y torso de San Francisco de Asís" por Fra Angelico procedente del Museo de Filadelfia que se puede contemplar junto con "Cristo crucificado con San Nicolás de Bari y San Francisco de Asís" procedente de Florencia.   
• Sala 7: Esta sala se centra en Fra Angelico como narrador de historias y destacan las obras "San Antonio Abad rechazando el oro" que viene de Houston reunida con la obra "Funeral de San Antonio Abad" procedente de la misma predela y perteneciente al Museo del Prado.  
• Sala 8: Nos encontramos con obras como "El nacimiento de San Nicolás de Bari" de Fra Angelico que se expone junto con un dibujo de "Cristo muerto".

Al terminar el recorrido hay un pasillo con un panel cronológico del retablo de "La Anunciación" desde 1425-26 hasta su proceso de restauración en 2019. No os perdáis en la Sala D el documental "La Anunciación de Fra Angelico. El arte de la contemplación". En él profundizamos sobre las características de la obra y su proceso de restauración (limpieza, reflectografía, reintegración cromática y de las capas de dorado).
Lo mejor: "La Anunciación" restaurada. 
Comentario: La exposición merece la pena aunque sea para ver cómo ha quedado la obra "La Anunciación" tras el proceso de restauración (si bien esta obra pertenece a la Colección Permanente del Museo por lo que después de la exposición se podrá ver igualmente en cualquier visita que efectuemos al Prado). Dicho esto, la exposición es también la oportunidad de profundizar un poco más en la figura de Fra Angelico -cuyo nombre era Guido di Pietro- y apreciar diversas obras suyas reunidas. Las obras de sus contemporáneos que se han escogido para la muestra resultan relevantes y se ha tomado la precaución (en mi opinión, acertada) de poner paneles explicativos a pie de todas las obras indicando aquellos aspectos que tienen relación con la obra de Fra Angelico de manera que el visitante sabe en todo momento porqué han escogido esa obra en particular y qué relación tiene con la obra de Fra Angelico. No se trata por tanto de una exposición monográfica ni cronológica sobre el artista, sino que parte de Fra Angelico para darnos una visión un poco más amplia sobre los inicios del Renacimiento tanto en Florencia como, en alguna ocasión, en Flandes.
Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: "Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia". Museo del  Prado. Del 28 de mayo al 15 de septiembre 2019. Entrada 15 euros. Horario L-S 10h-20h. D-F 10h-19h. 
Página web de la exposición

Giacometti en el Museo del Prado

"Eli Lotar (sentado)"

En pocas palabras: Si entras en el Museo del Prado estos días, puedes visitar esta exposición que consiste en ver 20 obras de Giacometti repartidas por diversas salas del Museo.
Organizadores: Museo del Prado con la colaboración de la Comunidad de Madrid y la Fondation Beyeler y el apoyo de la Embajada de Suiza y el Grupo Mirabaud.
Descripción: Para poder ver las obras de Giacometti tienes que subir a la Planta 1ª del Museo. Una vez en ella, busca las siguientes salas:
- Sala 9B: en ella se expone "Mujer de pie", una escultura estilizada y vertical que se expone junto a las obras de El Greco con gran acierto.
- Sala 10 A: aquí podrás ver una obra titulada "La pierna".
- Sala 12: justo delante de "Las Meninas" de Velázquez, en el centro de la sala, han colocado una pequeña tarima circular sobre la que han expuesto "Hombre que camina II", "Mujer grande III" y "Mujer grande IV" y "Gran cabeza".

Sala 12 donde se exponen obras de Giacometti frente a "Las Meninas"

- Salas 25 a 28 (la gran sala rectangular de la primera planta): aquí se exponen las obras "Lotar II", "Mujer Grande I", "Mujer Grande II", un grupo de 7 esculturas tituladas "Mujer de Venecia" y el solemne "Eli Lotar (sentado)". Cuando os encontréis en esta gran sala rectangular, frente a la sala de "Las Meninas", fijaos en que hay una escultura titulada "El carro" y, a cada lado de la sala de "Las Meninas" se exponen dos cuadros titulados "Cabeza de hombre" y "Isaku Yanaihara".

Grupo "Mujer de Venecia"

Lo mejor: La sensación de que las esculturas de Giacometti son visitantes que están caminando por el Museo del Prado. 
Comentario: Las esculturas de Giacometti -que estarán expuestas hasta el 7 de julio- se tienen que buscar por las salas donde se exponen las obras de la Colección Permanente por lo que al principio puede resultar un poco complicado encontrarlas. No obstante, si coges el folleto de la exposición de Giacometti que están repartidos por toda la planta primera y te orientas bien dentro del Museo no tiene pérdida. Además, algunas de estas obras se ven desde lejos. Resulta particularmente interesante entenderlas como personajes en movimiento que deambulan por las salas del Museo como si se tratara de visitantes. Esa sensación de movimiento de las esculturas resulta aquí bastante peculiar. Algunas esculturas como "Mujer de pie" se han colocado estratégicamente para que se pueda comparar su estilizada figura con la de las figuras que pueblan los cuadros de El Greco. 

Puntuación: Notable.

Datos prácticos:  "Alberto Giacometti en el Museo del Prado". Museo del  Prado. Del 2 de abril al 7 de julio 2019. Entrada 15 euros. Horario L-S 10h-20h. D-F 10h-19h. Página web de la exposición

Ópera: pasión, poder y política

Instalación sala 5

En pocas palabras: Se trata de una exposición centrada en la historia de la ópera contada a través de ocho óperas y su vínculo con la ciudad en la que se estrenaron y el contexto histórico-político de la época.

Organizadores: Exposición organizada por el Victoria and Albert Museum de Londres (en colaboración con la Royal Opera House) y producida por "la Caixa". 
Descripción: El recorrido consta de 11 salas. Los 8 espacios se han dividido por óperas y ciudades.

• La primera sala es de introducción. En ella se escucha la bienvenida a la exposición de la audioguía (obligatoria en esta exposición). Así aprendemos, por ejemplo, que el género de la ópera nació a finales del siglo XVI y que en sus orígenes se asocia principalmente a un público aristócrata. 
• La segunda sala se centra en la ópera "La coronación de Popea" de Monteverdi en la Venecia de 1642.  En esta sala se exponen un grabado con vista de Venecia (1650-1700) y diversos objetos que contextualizan la ópera en una época como cofres, espejos de aseos, peines y vajilla de la época. Destaca el traje de cortesana revelando sus encantos y zapatos para "Les fêtes vénitiennes". También se pueden contemplar instrumentos como un laúd, una viola y una corneta. Finalmente, se expone el manuscrito de Monteverdi de principios de la década de 1650.
• La sala 3ª sigue dedicándose a la ópera anterior. En ella se exponen un retrato de Monteverdi por Strozzi y un clavicémbalo de 1531 decorado con representaciones de Venus y Cupido. 
• La sala 4ª se centra en la ópera "Rinaldo" de Händel (Londres, 1711). Aquí nos encontramos con un óleo que representa el "Mercado de Covent Garden" en 1737 por Nebot. También se expone un grabado titulado "La reina Ana I de Inglaterra" (1744) y diversos grabados con vistas de Londres. Destaca el retrato de Händel (1726-28) por Denner y el magnífico grabado de tinta y aguada de Tiépolo "Rinaldo y Armida" (1740). Hay también aguafuertes con escenografías para la ópera. 
• La sala 5ª es una continuación de la anterior pero está formada por una interesante instalación que recrea el decorado de un teatro con un fondo marítimo que incluye un barco. Aquí se expone un traje masculino que sirvió como vestuario de teatro y data de c. 1750. Se exponen objetos como tabaqueras, taza y tapa de plata y un abrigo de hombre de lana del siglo XVII-XVIII. Especialmente interesante es el grabado "Bailes de máscaras y ópera (el mal gusto de la ciudad)" (1799) donde se evidencia la tensión entre la ópera italiana y el teatro shakespeariano. Se expone también un abanico de marfil pintado con una representación del auditorio del teatro de Haymarket (1787). 
• La sala 6ª se dedica a la ópera "Las bodas de Fígaro" de Mozart vinculada a la ciudad de Viena en 1786. Tras un grabado con la escenografía de la ciudad de Viena y su periferia en 1778, nos encontramos con el cartel para el estreno de la ópera en el Burgtheatre (01.05.1786). Se puede contemplar en otro grabado las vistas de la ciudad de Viena desde el Belvedere (1784). Dado que ésta fue la primera ópera que representaba personajes de diferentes clases sociales, en sus representaciones no se utilizó un vestuario teatral sino que el vestuario era el fiel de la época; por ello, se exponen abrigos, chalecos y bombachos de 1770 que podían haber sido utilizados por el Conde de Almaviva en el escenario. En una vitrina se contextualiza la época de la Ilustración con objetos como un busto de Voltaire, un ejemplar del "Contrato Social" de Rousseau y un globo celeste de Reino Unido (1790-1800). Pero la pieza más singular de esta sala es sin duda el piano tocado por Mozart en Praga en 1787 procedente del Museo Nacional de Praga. Lo acompaña en una vitrina una majestuosa arpa clásica de 1780. También se expone un ejemplar de la obra de teatro de Beaumarchais que inspiró el libreto titulada "La folle journée ou le mariage de Figaro" junto con un vestido francés de aristócrata de 1750. Finalmente, la sala termina con un vídeo de la representación de "Las bodas de Figaro" en la Ópera de Paris en 2010. 
• La sala 7ª se centra en el "Nabucco" de Verdi de Milán en 1842. En esta sala hay que esperar a que empiece el nuevo pase para que el audio se acople bien a lo que se está viendo. En la parte frontal de la sala, hay una representación de la Scala de Milán en la que se van a proyectar diversas imágenes mientras en la audioguía se escucha primero a los espectadores sentándose -como si de una representación se tratara- y luego comienza la música. Se explica la función narrativa del coro dentro de una ópera para dar paso al "Coro de la Libertad" de Nabucco. Recordemos que a mediados del siglo XIX, Milán está bajo dominio de Austria. En esta sala se exponen, junto a la partitura de "Nabucco" (1842), diseños para el vestuario (1853), el libreto (1842), y una partitura autografiada del "Va pensiero" (1841). También se expone un retrato de Verdi por Torriani. Destaca un óleo de Induno (1865) con una escena del Risorgimiento (movimiento decimonónico en favor de la unificación de Italia) que representa a dos mujeres cosiendo la bandera italiana mientras otra vigila la puerta. 
• La sala 8ª está dedicada a "Tannhäuser" de Wagner (París, 1861). Primero nos encontramos con una panorámica de Paris en 1864. A continuación, se exponen fotografías de la Nueva Ópera de Paris (1867) y un óleo pequeño que representa "La Rue du Marché" por Sunyer de Miró (1902). También se exponen otro óleo titulado "El baile de la Ópera" de Gervex (1890) y un pastel titulado "El palco" de Vuillard (1890). Destaca una obra realizada en tiza sobre papel que representa una "Escena de Tannhäuser" (1863). En una vitrina se exponen vestidos para ir a la ópera, un canesú de noche y una capa de encaje; también hay un sombrero para ir a la ópera, un abanico y unos anteojos de ópera. En los paneles informativos que acompañan estos objetos se explica que Tannhäuser transgredió las normas del "grand opéra" al pretender crear un nuevo lenguaje musical. Se hace hincapié en que intelectuales como Baudelaire y Fantin-Latour defendieron a Wagner cuya idea era crear una obra de arte total o Gesamtkunstwerk. Se expone un retrato de Wagner (1860) en fotografía y otro en escultura de mármol por Melani. 
• La sala 9ª se dedica a la ópera "Pepita Jiménez" de Albéniz (Barcelona, 1896). Se expone un vestido negro de 1900-1909 junto al cartel de la exposición de Bellas Artes de Barcelona (1896). Podemos apreciar también un retrato de Albéniz por Ramón Casas (1897-99) y una partitura manuscrita y firmada (1895). Destaca el panel del fondo titulado "Arte y género" en el que se exponen un gran óleo de Ramón Casas titulado "El Liceo" (1902), un autorretrato de Lluisa Vidal (1899) y una litografía de Ramón Casas "Auto-Garage Central" (1901). Finalmente, también hay acuarelas coloridas con escenografías de la ópera. 
• La sala 10ª se centra en "Salomé" de Richard Strauss (Dresde, 1905). Esta parte de la exposición resulta especialmente interesante para los amantes de la historia del arte y conviene llegar a ella con fuerzas para no perderse nada. Recordemos que Dresde es famosa, entre otras cosas, por ser la sede del grupo expresionista "Die Brücke". La especial apertura intelectual de la época hacen que fue ésta la ciudad que acogió esta ópera psico-sexual que había sido censurada en Viena y rechazada en Berlín. La ópera se basaba en la obra "Salomé" de Oscar Wilde. Tras contemplar una visión de la ciudad de Dresde en 1907, nos encontramos con el espectacular traje para Herodías realizado por Versace en 1986-87 en seda y terciopelo. Pero las obras de arte que destacan en esta sala son sin duda las obras del grupo Die Brücke que se exponen. Entre otras: la portada de la revista de Kirchner "Zeit im Bild", el "Desnudo de mujer recostada" por Schmidt-Rottluff (1911), la litografía elegande de Charles Buchel (1908) "Maud Allan. The vision of Salomé",  y las cuatro fantásticas ilustraciones de Beardsley para la obra de Oscar Wilde ("La recompensa de la bailarina", "Herodías hace su entrada", "La capa negra" y "El aseo de Salomé"). Termina el recorrido la litografía archi-conocida de Loïe Fuller como Salomé de Georges de Feure (1895). Se aprecian también la partitura de dirección de Richard Strauss (1905), el libro de Wilde con ilustraciones de Beardsley y un ejemplar de "Estudios sobre la histeria" de Freud. 
• Finalmente, la sala 11ª está dedicada a "Lady Macbeth del distrito de Mtsensk" de Shostakovitch (Leningrado, 1934). Tras el consabido mapa de Leningrado (1932), se expone el cartel para el estreno de la ópera (1934), diseño de vestuario de Tatiana Bruni (1931) y proyectos variados de diseño para la ópera. En una instalación que representa un despacho, se proyecta el vídeo con Shostakovitch componiendo y tocando su obra.
  

  

  "Salomé" por Beardsley

 Lo mejor: Las litografías de "Die Brücke" que se exponen en la sala dedicada a la ópera de "Salomé". 
Comentario: La exposición se ha concebido como una experiencia envolvente para el visitante porque incluye no sólo la parte visual de la exposición sino también la audioguía que es obligatoria y gratuita y que va sonando con la música de las diferentes óperas, cambiando de forma automática a medida que se va cambiando de sala. La experiencia resulta muy interesante porque es didáctica y ayuda a contextualizar lo que se está viendo con la música de la ópera en cuestión. Además de la audioguía, el visitante debe coger una especie de libreto en el que se dan detalles de todos los objetos que se exponen durante el recorrido. No hay por tanto muchas explicaciones a pie de obra, porque estas explicaciones están contenidas en el libreto. El argumento de las óperas está expuesto de forma sucinta en cada uno de los espacios. Además del sonido, hay vídeos con representaciones de las óperas en casi todas las secciones. En definitiva, se trata de una experiencia envolvente en la que el visitante tiene la sensación de meterse dentro de cada una de las óperas.     

Piano tocado por Mozart en Praga (1787)

Puntuación: Sobresaliente. 
Datos prácticos: "Ópera: pasión, poder y política". CaixaForum de Madrid. Del 26 de abril al 11 de agosto de 2019. Entrada 5 euros. Audioguía gratuita. De lunes a domingo y festivos de 10 a 20 h.

 

Balthus

"La partida de naipes" (1948-50)

En pocas palabras:  Se trata de una exposición retrospectiva que reúne 47 obras de este artista francés de principios del siglo XX con orígenes alemanes que desarrolló un estilo figurativo propio en la época de las vanguardias pero manteniéndose al margen de ellas.
Organizadores: Museo Thyssen y Fondation Beyeler en Riehen/Basilea. Comisariada por Raphaël Bouvier con el apoyo de Michiko Kono y Juan Ángel López-Manzanares.
Descripción: El recorrido consta de 8 salas.

• La sala 1 se titula "El desarrollo de un lenguaje visual. Obras de juventud". En ella nos encontramos con un panel biográfico del artista en el que se describe su cronología y se expone la reproducción de una fotografía de él en el estudio de Picasso.

  

  Fotografía de Balthus y Picasso (1944)

  También hay otro panel que nos introduce en la figura de este artista francés nacido en 1908 en París en el seno de una familia de origen alemán. En él se cuenta que fue autodidacta y que copió a los grandes maestros del pasado. Se exponen obras donde nos encontramos con elementos recurrentes en su obra como los personajes infantiles. Destacan "El jardín de Luxemburgo" (1928) y "Plaza del Odéon" (1928). En esta última obra apreciamos una composición de planos paralelos y colores pardos y grisáceos. 

  

  Plaza de l'Odéon (1928)

• La sala 2 se titula "Provocación y transgresión". Esta sala se centra en la primera exposición individual de Balthus en la Galeria de Pierre de París en 1934. Se exponen tanto obras de abierto erotismo como "El aseo de Cathy" (1933) como obras con un lenguaje más realista como "La calle" (1933) con su calculada ordenación matemática.

  

  "La calle" (1933) 

  
  

• La sala 3 se titula "Representación e intimidad. Retratos de los años treinta". En esta sala nos encontramos con las obras posteriores a su intento fallido de suicidio en 1934. Se trata de obras con sobrios tonos tierra, en las que podemos apreciar la fragilidad de los retratados. Destaca la obra "Los hermanos Blanchard" (1937) que son dos hermanos vecinos del estudio de Balthus en París. En esta obra de aprecia un rígido esquema piramidal en los cuerpos. En "El rey de los gatos" (1935) Balthus se representa a sí mismo como un intelectual romántico, como un dandy a la manera de Lord Byron. 
• La sala 4 tiene una primera parte que continúa siendo la sección anterior en la que se exponen las deliciosas obras de "Thérèse" (1938) y "Thérèse soñando" (1938).

  

  "Thérèse" (1938)

  Luego empieza la sección titulada "Los años de Champrovent, Friburgo y Ginebra". Esta sección trata los años posteriores al inicio de la segunda guerra mundial. Durante esta etapa, Balthus hace escenas de interior con adolescentes en austeras estancias; sus obras tienen un carácter intimista y silencioso. Se exponen obras como "Muchacha dormida" (1943), "El salón" (1941-43) y "Los buenos tiempos" (1944-46).

  

  "Los buenos tiempos" (1944-46) 

  
  

  También se exponen obras en las que contrasta el ambiente pastoral con los tiempos bélicos que vivía el artista como "El cerezo" (1940).

  

  "El cerezo" (1940)

  
  
• La sala 5 se titula "De vuelta en París. Obras de la segunda mitad de los años cuarenta". Se trata de la etapa más creativa de su carrera con composiciones de carácter escenográfico o teatral y escenas de aseo de adolescentes. Se exponen obras como "El aseo de Georgette" (1948-49) y "Muchacha ante el espejo" (1948).

  

  "El aseo de Georgette" y "Muchacha ante el espejo"

  Pero la obra que destaca de esta sala es "La partida de naipes" (1948-50), que es la única obra de la exposición perteneciente a la colección permanente del Museo Thyssen y que ha sido restaurada recientemente. 
• La sala 6 se titula "El periodo de Chassy. Obras de los años 50". Aquí se exponen obras como "Patio de una granja de Chassy" (1960) en la que se somete las formas a un entramado geométrico de horizontales y verticales propio de arquitecturas. También se exponen escenas de interior como "Colette sentada" (1954). En "El sueño II" (1956-57) se aprecia la síntesis de una perspectiva frontal contrapuesta con una perspectiva elevada a la manera oriental con posible influencia de Matisse. También se aprecia la influencia de Matisse en la ventana abierta de "La toalla azul". 
• La sala 7 se titula "De Roma a Rossinière. Obras tardías". En esta sala se exponen obras como "Las tres hermanas", "Desnudo recostado" y "La habitación turca". En esta última, cuya textura recuerda a los frescos, nos encontramos con una mujer posando como una odalisca en una habitación con arabescos. 

  

  "La habitación turca"

• La sala 8 es la última sala del recorrido. En ella se proyecta un vídeo del estudio técnico de la obra "La partida de naipes" por el Museo Thyssen durante el proceso de restauración del cuadro. Nos enteramos de datos interesantes como las diversas rectificaciones sufridas por el cuadro en la posición de las manos de la niña y en el hecho de que el personaje de la derecha fuera primero una mujer para luego convertirse en un hombre.

Lo mejor: La sensualidad de "Muchacha dormida"(1943).

"Muchacha dormida" (1943)

Comentario: Por una vez podemos decir que en esta exposición sí se incluían paneles informativos a pie de obra y también paneles introductorios en cada una de las secciones. Durante todo el recorrido había información para seguir el hilo narrativo de la exposición que, en esta ocasión, consistía en una retrospectiva de la obra del artista cuyas obras estaban colocadas siguiendo un orden cronológico. No hacía falta adquirir la audioguía para entender los diferentes periodos de la obra del artista y se podían disfrutar de forma correcta sus obras. También ofrecían los folletos a la entrada. Además se permitía hacer fotografías a casi todas las obras salvo las que estaban señaladas con una imagen que indicara lo contrario. En conclusión, se trata de una exposición organizada por el Museo Thyssen pero que no cuenta con los aspectos más negativos que solemos comentar de sus exposiciones sino todo lo contrario: en esta había información, las obras estaban expuestas siguiendo un orden lógico y la selección resultaba de lo más interesante y permitía obtener una visión del conjunto de su obra.
Puntuación: Notable.
Datos prácticos: "Balthus", Museo Thyssen, del 19 de febrero al 26 de mayo 2019. Entrada 13 euros. M-D 10-19h. S 10h-21h.  Página web de la exposición

Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre

Cubierta para "La Vie à Montamartre"

En pocas palabras: Excelente exposición que reúne numerosas obras de Henri de Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos, consiguiendo recrear la atmósfera de Montmartre a finales del siglo XIX con sus cafés-concerts y cabarets, sus ambientes bohemios y peculiares personajes callejeros.

Organizadores: Concepción y producción: Obra
Social ”la Caixa”. Comisariado: Phillip Dennis Cate, crítico de arte y comisario
independiente.
Descripción: El recorrido es largo, consta de 14 salas pero os aseguro que si llegáis con fuerza al final, no lo lamentaréis pues cada sala tiene numerosas obras interesantes y al final hay alguna que otra sorpresa. La organización de las salas es la siguiente:

En la sala 1 hay una obra espectacular que se titula "Cubierta para La Vie à Montmartre" de Pierre Marie Louis Vidal (1897). Esta obra se expone junto con un panel de introducción titulado "Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre" en el que se explica que no se trata de una exposición monográfica sobre Toulouse-Lautrec sino de recrear el espíritu bohemio y vanguardista de un barrio, Montmartre, a finales del siglo XIX, cuando se convierte en un centro de artistas de diversa procedencia. Se exponen, enfrentados, dos óleos sobre "El bosque sagrado": el original de Pierre Puvis de Chavannes (1884) y la parodia de Toulouse-Lautrec.

"El bosque sagrado", parodia de Toulouse Lautrec (1884) 

 En la sala 2 nos encontramos con la sección "París y Montmartre" que sitúa al visitante en el barrio de Montmartre a finales del siglo XIX -con obras como "Vista de Montmartre" de Charles Lacoste (1900)- y en la realidad de sus calles con "Desamparados" de Fernand Pelez (1883). 

"Vista de Montmartre" de Charles Lacoste (1900)

"Desamparados" de Fernand Pelez (1883)

La sala 3 expone una gran litografía titulada "La calle" de Steinlen (de quien veremos numerosas obras a lo largo de toda la exposición). Se puede contemplar también una pequeña obra muy bonita de Paul Signac titulada "Le Moulin de la Galette".

"Le Moulin de La Galette" de Paul Signac

La sala 4 se titula "El primer Le Chat Noir" y, como es lógico, se centra en la figura del mítico cabaret abierto en 1881 por Rodolphe Salis. Se expone por supuesto la famosa litografía de Steinlen para la gira del "Chat Noir". Otra de las joyas de esta sala es la exposición de una partitura de "La ballade du Chat Noir" (1884) ilustrada también por Steinlen. No paséis por alto la litografía de Manet "El encuentro de los gatos" (1869).

Cartel para una gira de "Le Chat Noir" por Steinlein 

La sala 5 se titula "El segundo Chat Noir". En 1885, Rodolphe Salis traslada el "Chat Noir" a otro edificio y el primer "Le Chat Noir" es adquirido por el cantante Aristide Bruant que lo convierte en "Le Mirliton". En este "segundo Chat Noir", Rodolphe Salis crea un teatro de sombras que se expone en la sala 6 de la exposición. Al margen de esta explicación histórica, mencionar que las obras que se exponen en esta sala son divertidas y están fundamentalmente dedicadas a la representación de gatos como "La apoteosis de los gatos" de Steinlen.

"La apoteosis de los gatos" de Steinlen (1885)

La sala 6 incluye una instalación muy bien realizada que sumerge al visitante en el interior del Chat Noir. De frente, nos encontramos con una fotografía gigante del interior del cabaret y a mano derecha con el teatro de sombras creado por Henri Rivière para el segundo "Le Chat Noir". En las paredes de la sala, se exponen las diferentes placas de zinc utilizadas para las representaciones. Se han esforzado por sumergir al visitante en el ambiente bohemio del cabaret incluso haciendo sonar canciones originales de la época. ¡Ojo! Que no os distraiga mucho la instalación porque en la parte superior hay cuatro litografías de Jules Chéret que no deberíais pasar por alto. Finalmente, un detalle muy curioso si os gusta lo anecdótico es que en esta sala se expone el menú del "Chat Noir" con su lista de platos y precios :-)

Instalación de la sala 6

Menú del "Chat Noir"

La sala 7 contiene un gran panel con una fotografía del cabaret "Quat'z'arts" (1900). En las vitrinas se exponen diversas obras como "Mona Lisa con pipa" de Eugène Bataille. También hay litografías como "La vaca rabiosa" de Toulouse-Lautrec (1896). 

Fotografía del cabaret "Quat'z'arts" (1900)

La sala 8 consta de dos secciones. La primera sección se titula "El arte periodístico y la vanguardia". En 1875 el grabador Charles Gillot inventó un nuevo sistema para imprimir lo que dió mayor importancia al dibujo como técnica artística. Gracias a esta nueva técnica, aparecieron numerosas ilustraciones para revistas y libros. Destaca la representación de Toulouse Lautrec por Louis Anquetin para la revista "Le Rire" (1894).  También se exponen la litografía "La Reine de joie" (1892) de Toulouse-Lautrec y "Los soliloquios del pobre" de Steinlen (1906).  La segunda sección se titula "Grabados y carteles originales". Entre otros aspectos, esta sección se centra en la publicación de grabados "L'estampe originale". Se exponen litografías como "La fuente del mal" (1894) de Georges de Feure que aparecieron en esa publicación.

"Reine de Joie" de Toulouse-Lautrec

En la sala 9 se encuentra una sección titulada "Cafés, cafés concierto y salas de baile". Conviene llegar a ella con fuerzas ya que es sin duda una de las mejores salas de la exposición. Se divide en dos espacios. En el primer espacio hay pequeñas joyitas como el óleo de Van Gogh "Mesa de café con absenta" (1887). 

"Mesa de café con absenta" de Van Gogh

En el segundo espacio de esta sección se exponen un buen número de litografías de Toulouse-Lautrec. Por ejemplo: "May Belfort" (1895), "Jane Avril en el Jardin de París" (1893), "Moulin Rouge: la Goulue" (1891), "La troupe de Mlle Églantine" (1896), "Le divan japonais" (1893). También se expone el óleo "Jave Avril saliendo del Moulin Rouge" de Toulouse-Lautrec. Destaca una pequeña y simpática caricatura de "Toulouse-Lautrec enfrente del Moulin Rouge" hecha por Ferdinand Bac (1890).

La sala 10 se titula "Teatro y espectáculo" y se centra en la figura del teatro con obras de Toulouse-Lautrec realizadas para programas de obras de teatro como "Raphaël y Salomé" (1896) o "El dinero" (1895). En la sala 11 se exponen obras como "Bailarina" de Louis Legrand (1895) y la representación de Loïe Fuller, la bailarina americana, por Charles Maurin (1895). La sala 12 se titula "El circo". En ella se expone por ejemplo un retrato de "Toulouse-Lautrec en el circo" realizado por Jean de Rasty (1895). En un vitrina se exponen dibujos de Toulouse-Lautrec en el circo como "Au cirque" (1905) realizado con lápices de colores sobre papel. La sala 13 se dedica a "La representación de la mujer" y en ella nos encontramos con las famosas representaciones de prostitutas y mujeres "caídas" como "Mujer con sombrero azul" de Luis Anquetin (1890), "Eva caída" de Georges Rouault (1912) y "Mujer en el jardín de Mr. Forest" de Toulouse-Lautrec (1889) procedente del Metropolitan Museum de Nueva York. La sala 14 es la última sala del recorrido y es una continuación de la anterior con obras de Toulouse Lautrec como "Mujer sentada sobre la cama" (1897). Las joyitas que están justamente al final de la exposición son dos obras de la única mujer artista de la muestra, la artista Suzanne Valadon: "Jugadoras de cartas" (1912) y "Después del baño" (1908).
Lo mejor: Las litografías de Toulouse-Lautrec, las numerosas partituras ilustradas y la presencia de Suzanne Valadon entre los artistas expuestos. 
Comentario: Lo primero que conviene saber antes de ver la exposición es que no se trata de una exposición monográfica sobre Toulouse-Lautrec. Como se pone de manifiesto en el panel de introducción a la exposición, el objetivo de la muestra es sumergir al visitante en el espíritu bohemio y artístico de Montmartre a finales del siglo XIX como centro neurálgico de artistas. En este sentido, para que os hagáis a la idea de la proporción, de las 345 obras expuestas solo hay 61 obras de Toulouse-Lautrec. Éstas se encuentran diseminadas a lo largo del recorrido. Sin embargo, este hecho no desmerece en absoluto el resultado ya que durante la visita se pueden apreciar obras de artistas todos ellos vinculados con Montmartre y se ponen de relieve los intercambios entre ellos. De hecho, uno de los aspectos relevantes de la exposición es la variedad de técnicas artísticas que se exhiben. Además de las consabidas litografías y carteles que se han hecho famosos, y de algunos óleos realmente interesantes, se pueden apreciar producciones artísticas más efímeras como la estampación, la ilustración de libros y revistas, el diseño de partituras y otras obras en papel. Entre ellas, la que me ha resultado más interesante es la de las partituras pues nunca antes las había visto en una exposición dedicada a esta época y me ha resultado fascinante. También me gustó el hecho de que el cierre de la exposición fuera con Suzanne Valadon, una mujer artista que se distancia un poco más en el tiempo respecto de Toulouse Lautrec pero que se ha ganado su presencia entre los artistas de la bohemia. Durante el recorrido, había numerosos paneles explicativos que contextualizaban las obras pero pocos datos técnico-artísticos. Es decir, que el contenido de las explicaciones eran históricas o anecdóticas pero poco artísticas (no trataban temas de composición, ni estilo, ni técnicas artísticas como las diferencias entre litografías y fotograbados que podrían haber explotado más). Quizás esto último fuera lo único negativo de la exposición que, a pesar de ello, resulta un paseo muy agradable y ameno por el París fin-de-siècle. Llevad una buena cámara de fotos porque permitían hacer fotografías sin flash.
Puntuación: Sobresaliente
Datos prácticos: "Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre". Caixaforum Madrid.  Del 20 de febrero 2019 al 19 de mayo 2019. L-D 10h-20h. Página web de la exposición

De Chagall a Malévich: el arte en revolución

"La catedral de San Basilio" de Lentúlov (1913)

En pocas palabras: La propuesta de esta exposición es ofrecer una visión del arte de vanguardia ruso de principios del siglo XX. Las figuras de Chagall y Malévich deben tomarse como marco temporal de la exposición ya que no se trata de una exposición centrada en sus obras. De hecho, hay pocas obras de Chagall durante el recorrido; Malévich cuenta con más representación pero lo que realmente destaca es el esfuerzo de la Fundación por reunir artistas diferentes entre sí que conjugan en sus obras aspectos de las vanguardias con las tradiciones pictóricas rusas. Destaca la presencia de numerosas mujeres artistas.

Organizadores: Fundación Mapfre en colaboración con Grimaldi Forum Monaco. Comisario: Jean-Louis Prat.
Descripción: El recorrido consta de 9 salas y 8 secciones. En la entrada a la exposición (sala 1) se pueden ver un panel de introducción y otro panel con la cronología de la historia de Rusia de 1905 a1930 junto con referencias a los hitos artísticos más importantes. La sala 2 incluye 2 secciones. La primera sección se titula "Clasicismo y neoprimitivismo". Esta es la sala más figurativa del recorrido. Nos encontramos con obras que reflejan la tradición de las artes populares rusas pero también otras obras que muestran la influencia de Cézanne como en "Barcos en Cassis" (1913) y "San Gimignano" (1912) de Konchalovski. La obra que más destaca es "La catedral de San Basilio" de Lentúlov (1913) que refleja la combinación entre la visión cubista, el dinamismo cromático del orfismo y el color brillante de raíz fauvista.

"San Gimignano" de Konchalovski (1912)

Al final de la sala 2 se pueden apreciar obras como "El paseo" de Chagall (1917), "El segador" de Malévich (1911-12) y "El baño de los caballos" de Natalia Goncharova (1911). 

"El segador" de Malévich (1911-12)

"El baño de los caballos" de Goncharova (1911)

Dentro de la sala 2, a mitad de recorrido, se encuentra la sección 2 que se titula "Nuevos libros para nuevos lenguajes" y en ella se exponen vitrinas con antologías y libros futuristas. Destaca el collage de Olga Rózanova "Linograbado y collage para Guerra" (1916). En la sala 3, que es una continuación de la sección 1, se exponen obras como "Modelos en el estudio" de Iliá Mashkov (1916).

"Modelos en el estudio" de Mashkov (1916)

Ya en la segunda planta, la sala 4 incluye la sección 3 que se titula "Cubofuturismo y rayonismo". El cubofuturismo es un movimiento ruso que combina características del cubismo y del futurismo. Nos encontramos con obras como "El ciclista" de Goncharova y  "Hombre, arte y espacio" de Popova.

El rayonismo es una fusión entre cubismo, futurismo y orfismo. Destaca la obra "Lirios rayonistas" de Goncharova. La sala 5 contiene la sección 4 que se titula "Camino a la abstracción". En ella se exponen obras más abstractas como "Composición" de Alexandra Exter. De hecho, la pared de la derecha de esta sala incluye solo obras de Alexandra Exter y Liubov Popona, dos mujeres artistas. En la pared de la izquierda se exponen, entre otras, obras de Kandinski como "Murmau. Jardín II" (1910) o "Nublado" (1917). La sala 6 es circular y en ella se exponen litografías de Malévich y una obra pequeña de Chagall titulada "El espejo". La sala 7 contiene la sección 5 que se titula "Suprematismo" (movimiento artístico creado por Malévich). En ella se exponen obras como "Cuadrado negro" (1923) y "Cruz negra" (1923) de Malévich.

"Cruz  negra" de Malévich (1923)

Finalmente, la sala 8 incluye tres partes. La primera parte la constituye la sección 6 titulada "Constructivismo" (movimiento de principios pragmáticos y funcionales). Destacan la obra de Popova "Construcción dinámico-espacial" (1921) y "Composición nº 125" de Ródchenko.  La segunda parte la constituye la sección 7 titulada "La escuela de Matiushin". Matiushin fue un músico asociado a la vanguardia rusa. Se expone una obra suya titulada "Composición en el espacio" (1921).  En la mitad de la sala 8, nos encontramos con la sala 9 que incluye litografías relacionadas con la obra "Victoria sobre el sol" como "Sepultureros".  La tercera parte de la sala 8 consiste en la sección 8 titulada "Hacia una nueva representación" con obras de los años treinta como "Fórmula de la primavera" de Filónov (1927-29). La última obra de la exposición que cierra el recorrido es "Deportistas" de Malévich (1930-31).

"El ciclista" de Goncharova

Lo mejor: La presencia de numerosas mujeres artistas: Xenia Ender, Alexandra Exter, Natalia Goncharova, Liubov Popova, Olga Rózanova, Varvara Stepánova y Nadiezhda Udaltsova. 
Comentario: No se trata de una exposición centrada en obras de Chagall y Malévich. Estos nombres deben tomarse como marco temporal de la exposición que traza un camino entre el arte más figurativo y onírico de Chagall para terminar con las obras más abstractas de Malévich. Entre estos dos artistas, a lo largo de los años que van desde principios del siglo XX hasta la década de 1930 aproximadamente, Rusia ha tenido numerosos artistas menos conocidos para el gran público que la exposición ayuda a descubrir. Entre ellos, figuran numerosas mujeres artistas. La selección de obras de las dos primeras salas contrasta con las siguientes ya que al ser más figurativas son, en general,  más reconocibles. Sin embargo, incluso en obras abstractas como "Cuadrado negro" de Malévich se han incluido paneles explicativos al lado de las obras que facilitan su entendimiento. Una vez más, debemos felicitar a la Fundación Mapfre cuyas exposiciones son siempre interesantes y muy completas. En esta ocasión, se trata de una muestra variada de arte de vanguardia ruso que deja con buen sabor de boca. 
Puntuación: Sobresaliente
Datos prácticos: "De Chagall a Malévich: el arte en revolución". Fundación Mapfre. Del 9 de febrero 2019 a 5 de mayo 2019. Entrada 3 euros. L 14-20h. M-S 10h-20h. D 11-19h. Página web de la exposición

Man Ray. Objetos de ensueño

En pocas palabras: Se trata de una exposición de recorrido corto pero interesante que combina fotografías con objetos creados por Man Ray. Fue el poeta francés Robert Ribemont-Dessaignes quien calificó los objetos creados por Man Ray como “objetos de ensueño”, por situarse a medio camino entre los recuerdos, los sueños y los deseos. La exposición brinda la ocasión de contemplar un buen número de estos objetos reunidos por primera vez.

Organizadores: Fundación Canal. Comisaria: Pilar Parcerisas, historiadora y crítica de arte.
Descripción:El recorrido consta de 7 secciones distribuidas en 3 salas. Cada sección gira en torno a un aspecto temático de la obra del artista (no son de carácter cronológico).

•  En la Sala 1, que consiste en un gran espacio diáfano, nos encontramos con las tres primeras secciones. En el panel introductorio, se incluye una breve introducción sobre Man Ray en el contexto surrealista. La sección 1 se titula "Amigos, retratos y autorretratos" y en ella se exponen, en primer lugar, diversos autorretratos del artista como "Autorretrato con Emak Bakia" y retratos de personajes que son el reflejo de la cultura de la época como Mina Loy, Gertrude Stein, Tristan Tzara, Jean Cocteau, Picasso, etc.

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  "Grupo Surrealista" (1930)

   
• La sección 2 se titula "Objetos de ensueño". Esta sección consta de fotografías expuestas en la pared de la derecha y vitrinas distribuidas por la sala. Se trata de contemplar los objetos creados por Man Ray. Recordemos que Man Ray creaba objetos nuevos a partir de la asociación de dos objetos, a diferencia de Marcel Duchamp que con sus "ready-made" convertía objetos de la vida cotidiana en obras de arte. Entre los objetos expuestos, destacan un retrato imaginario del Marqués de Sade realizado en bronce, un accesorio para fumar, y las obras "Regalo" y "Objeto indestructible".

  

  "Regalo" (1921-74)

• La sección 3 se titula "Rayogramas" y en ella se pueden apreciar fotografías sin cámara que consistían en registrar siluetas de objetos sobre papel fotosensible gracias a la incidencia de la luz. 
• Pasamos a la sala 2 donde se encuentra la sección 4 titulada "Mujeres y Venus". En esta sala se exponen fotografías de mujeres como objetos de deseo. Destacan las fotografías de Lee Miller y  Dora Maar. Especialmente bella es la fotografía de manos pintadas por Picasso. 

  

  "Manos pintadas por Picasso" (1935)

• En la última sala nos encontramos con las últimas secciones. La sección 5 se titula "Man Ray y Marcel Duchamp: máquinas poéticas". En ella se exponen fotografías hechas por Man Ray de obras de Duchamp como "Fotografía de Sonata-January October 1911". Destaca la fotografía "Cela vit" de un retrato desaparecido de Duchamp. 
•  La sección 6 se titula "La realidad inquietante de los maniquíes". En ella se exponen fotografías de maniquíes que para Man Ray simbolizan lo femenino. 
•  La sección 7 se titula "El azar y la mente: el ajedrez" y en ella se exponen tableros de ajedrez como "Atracción permanente".

  

  "Atracción permanente"

Lo mejor: Las fotografías de la primera sección (retratos de artistas de la época de Man Ray). 
Comentario: Los objetos creados por Man Ray son objetos cotidianos que pasan a ser elementos simbólicos alejados de su función original. En esta exposición se pueden apreciar estos objetos junto con fotografías. A lo largo de la exposición, hay paneles explicativos de cada una de las secciones pero nuestra recomendación es que imprimáis, desde la página web de la exposición el "dossier de prensa" y os lo llevéis a la exposición con el objetivo de ir leyendo las explicaciones de sus obras. El dossier de prensa es más completo que los paneles que hay en la exposición y os permitirán aprender más sobre el carácter simbólico de sus obras más destacadas.
Puntuación: Notable. 
Datos prácticos:  "Man Ray: Objetos de ensueño". Fundación Canal. Del 31 de enero al 21 de abril de 2019.  Laborables y festivos: 11:00 - 20 h. Miércoles: hasta las 15 horas.  Página web de la exposición y dossier de prensa