Bartolomé Bermejo

La Piedad Desplá

En pocas palabras: Se trata de una exposición monográfica sobre el pintor Bartolomé Bermejo de la segunda mitad del siglo XV. 

Organizadores: Museo del Prado y Museu Nacional d’Art de Catalunya, con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de la Fundación Banco Sabadell. Comisario: Joan Molina (Universidad de Gerona). 

Descripción: El recorrido consta de 4 salas organizadas en 8 secciones. 

• Nada más entrar, en la sala 1, nos encontramos con un panel que introduce la figura de Bermejo, pintor de origen cordobés y vida itinerante, con una cronología de su vida junto a un mapa. La sala 1 incluye la sección titulada "Un pintor judeoconverso en Daroca" en la que se expone la obra "Escenas del Cristo Redentor" (c. 1470-80) de rico cromatismo y efectos de luz. La siguiente sección se titula "Los inicios: entre Flandes y Valencia". En ella se expone "Muerte y asunción de la Virgen" (c.1468-72). Culmina la sala 1 la obra "San Miguel triunfante sobre el demonio con donante" con fondo dorado y tratamiento técnico de tradición hispana pero inspirado en modelos flamencos. 
• La sala 2 consta de la sección "Lujo y sofisticación en el retablo de Santa Engracia". En ella se exponen obras en las que se aprecia la aplicación de lacas y transparencias y la riqueza cromática como en "Arresto de Santa Engracia" con figuras que lucen accesorios procedentes de la cultura nazarí como una túnica y un turbante. También en esta sala hay otra sección titulada "Apoteosis del Santo y excomunión del pintor". En esta sección se expone un pequeño panel con una hipótesis de reconstrucción del retablo de Santo Domingo de Silos junto con las tres piezas de dicho retablo que se han podido reunir: "Fernando I de Castilla acogiendo a Santo Domingo de Silos", "Muerte de Santo Domingo" y la obra pertenciente al Museo del Prado "Santo Domingo de Silos entronizado como obispo". Es decir, la exposición permite apreciar esta obra de la colección permanente del Prado con dos cuadros del retablo del que formaba parte originariamente. También se incluye una reflectografía infrarroja de la obra en la que se aprecia el inciso del trazado, cómo éste fue repasado a pincel y el dibujo hecho a mano alzada para resaltar los detalles de la obra. La siguiente sección se titula "Bermejo y sus socios" y se centra en aquellas obras en las que el Bermejo se vió obligado a asociarse con otros pintores (para sortear las limitaciones gremiales de la época), a veces con menos dotes artísticas que él. En una panel explicativo se indica que a veces le confiaban a Bermejo el diseño de las composiciones y la realización de las figuras principales mientras que el resto lo hacían sus colaboradores, entre quienes destaca Martín Bernat. Esto se puede apreciar en obras como "San Damián" o "El descendimiento". Se incluye un panel con una hipótesis de reconstrucción del retablo "Virgen de la Misericordia" con tres piezas del retablo que se han podido reunir: "San Vicente y San Lorenzo", "Virgen de la Misericordia" y "El milagro de la nieve" (con una profusión de relieves en yeso dorado, fórmula artesanal característica del taller de Bernat). 
• La sala 3 incluya la sección titulada "Una obra internacional, un pintor cosmopolita". Aquí se exponen dos trípticos: "Tríptico de la Piedad" del Museo Thyssen (atribuida al Maestro de la Leyenda de Santa Lucía) y "Tríptico de la Virgen de Montserrat" de Bermejo. 
• La sala 4 consta de las dos últimas secciones. En "La Piedad Desplá, una obra maestra a dos manos" se expone la obra "La Piedad Desplá". Se trata de una hermosa obra de la que también se expone la reflectografía infrarroja en la que se aprecia el dibujo subyacente a pincel con incisiones realizadas sobre la capa preparatoria blanca. Para poder compararla con otra obra contemporánea, se expone también "La piedad" de Fernando Gallego de factura más sobria y tradicional. La última sección se titula "El renacimiento de Bermejo" y en ella se expone falsificaciones de su obra del siglo XX como "San Sebastián" y "San Miguel" (1920-30).

Santo Domingo de Silos entronizado como obispo

Lo mejor: La posibilidad de apreciar la obra "Santo Domingo de Silos entronizado como obispo" de la colección permanente del Prado junto con 2 de las obras que originariamente formaban parte del mismo retablo. 
Comentario:  La exposición permite profundizar sobre la obra de este pintor considerado como uno de los más fascinantes del siglo XV español por su destreza técnica y la riqueza cromática de sus composiciones. Tras su muerte, cayó en el olvido y no fue recuperado hasta finales del siglo XIX. La exposición permite apreciar algunas de sus obras junto con otras que formaban originariamente parte del mismo retablo. A lo largo del recorrido, hay muchos paneles explicativos que permiten apreciar y entender sus obras. Además, la organización de las secciones aporta una visión completa de los diferentes aspectos a tener en cuenta.

Puntuación: Sobresaliente. 
Datos prácticos:  "Bartolomé Bermejo". Del 9 de octubre 2018 al 27 de enero 2019. Museo del  Prado. Entrada 15 euros. Horario L-S 10h-20h. D-F 10h-19h.  Página web de la exposición

Restauración de "Santa Catalina de Alejandría" de Caravaggio

"Santa Catalina" de Caravaggio

En pocas palabras: Si vais al Museo Thyssen estos días a visitar la exposición sobre Beckmann (pincha aquí para leer la reseña) y queréis amortizar un poco la entrada os recomiendo entrar en la colección permanente para visitar un espacio dedicado a la restauración de la obra "Santa Catalina de Alejandría" de Caravaggio. Este espacio se sitúa en la Sala 11 de la Planta 2ª de la Colección Permanente.
Organizadores: Museo Thyssen con la colaboración de Asisa.  
Descripción: Se trata de un único espacio dedicado a la reciente restauración de la obra "Santa Catalina de Alejandría" de Caravaggio que ha llevado a cabo el Museo Thyssen. En el panel de la izquierda os encontraréis explicaciones detalladas sobre el proceso de restauración y los hallazgos que se han producido. Por ejemplo, se explica que durante el proceso de restauración se han eliminado capas de barniz y se ha recuperado movimiento en los volúmenes, sutileza en las carnaciones y delicadeza en las texturas. En el panel central, de frente, podréis contemplar la obra restaurada. En la pared de la derecha se expone un vídeo sin audio en el que se explica detalladamente todo el proceso de restauración que comienza con el traslado de la obra a la sala de restauración. En el vídeo se pueden apreciar las diferentes correcciones que hizo Caravaggio en la obra; por ejemplo, con pinceladas oscuras en la parte superior de la rueda. Se explica también que se han obtenido micromuestras del vestido para analizar los materiales empleados por Caravaggio. 

Lo mejor: Las explicaciones sobre el uso de los materiales utilizados por el artista en el manto de la Santa.
Comentario: No dejéis de aprovechar la ocasión de poder visitar esta pequeña sala del museo en la que se puede apreciar todo el trabajo realizado por el equipo de restauración en esta obra así como el resultado final.
Puntuación: Sobresaliente.
Datos prácticos: Restauración de la obra "Santa Catalina de Alejandría" de Caravaggio. Museo Thyssen. Planta 2ª Sala 11. Horario Lunes de 12:00 a 16:00. Martes a domingo: de 10:00 a 19:00. Entrada 12 euros. https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/caravaggio-michelangelo-merisi/santa-catalina-alejandria

Dalí y el surrealismo en la Colección de Arte ABANCA

En pocas palabras: Tanto si vais al Museo Thyssen estos días a visitar la exposición sobre Beckmann (pincha aquí para leer la reseña) y queréis amortizar un poco la entrada o si deseais ir al Thyssen a ver una exposición gratuita, no dudéis en acercaros al balcón de la planta primera para visitar esta pequeña pero interesante colección de obras de arte surrealista.
Organizadores: Museo Thyssen y Abanca (banco gallego que colecciona obras de arte). 
Descripción: Se trata de 13 obras que giran en torno al surrealismo. Están todas expuestas en el balcón de la planta primera del museo y su acceso es gratuito. Destacan las primeras obras expuestas entre las que se encuentran "Cabeza. Pájaros" (1976) de Miró, "La confusión del traumaturgo" de De Chirico (1926), "El salto" de Maruja Mallo (1931), "Vasos comunicantes" de Max Ernst (1923) y "Las rosas sangrantes" de Dalí (1930). La muestra engloba obras cuyo arco cronológico se sitúa entre 1923 y 1976. Las obras están situadas en función de su cronología lo que permite entender un poco la evolución de un movimiento tan dispar y complejo como fue el surrealismo. La selección termina con obras realizadas tras la Segunda Guerra Mundial por artistas como Matta, Wilfredo Lam y Eugenio Granell.  

"Las rosas sangrantes" de Dalí

Lo mejor: Las primeras obras de la selección.
Comentario: Un recorrido corto pero agradable en el que se pueden contemplar diversas obras y tener una visión general sobre el movimiento surrealista.
Puntuación: Notable.
Datos prácticos: "Dalí y el surrealismo en la Colección de Arte ABANCA". Museo Thyssen. Del 6 de noviembre de 2018 al 27 de enero de 2019. Lunes de 12:00 a 16:00. Martes a domingo: de 10:00 a 19:00. Balcón planta primera (acceso gratuito)

Beckmann. Figuras del exilio

"Los Argonautas" (1949-50)

En pocas palabras: Se trata de una exposición monográfica sobre Beckmann, un artista alemán que debido a la Segunda Guerra Mundial tuvo que abandonar Alemania y vivir en el exilio en Ámsterdam para luego pasar a Estados Unidos donde murió en 1950. Aunque al principio su estilo se puede asociar al expresionismo, Beckmann dio un giro de signo realista con resonancias simbólicas lo que convierte su pintura en algo muy personal.
Organizadores: Museo Thyssen. Comisario: Tomàs Llorens. 
Descripción: El recorrido consta de 7 salas estructuradas en dos grandes bloques. En el primer bloque, las obras están organizadas de forma cronológica y cubren la etapa en que Beckmann vivía aún en Alemania. Este bloque consta de 3 salas:

• Sala 1: En esta sala se exponen autorretratos del artista como "Autorretrato con la mano levantada" (1908), "Autorretrato con copa de champán" (1919) y "Autorretrato como payaso" (1921). También se espone un autorretrato escultórico de 1936. 
• Sala 2: En ella se puede apreciar una interesante colección particular de litografías titulada "Carpeta El Infierno" (1918/19) en la que destaca la litografía "La calle". También se exponen diversas obras de composición vertical como "La barca" (1926). 
• Sala 3: La obra más interesante de esta sala es sin duda el retrato de "Quappi con suéter rosa" (1932). También se exponen bodegones como "Bodegón con rosas amarillas" (1937).

En el segundo bloque se engloban las obras que el artista realizó en Holanda y Estados Unidos (donde vivió en el exilio tras abandonar Alemania). En este segundo bloque, las obras están organizadas siguiendo un criterio temático. La organización de la exposición considera que los temas funcionan como metáforas relacionadas con el exilio "entendido no sólo literalmente, sino como condición existencial de hombre moderno". Este bloque comienza en la sala 4. Sin embargo, como bisagra entre ambos bloques, se ha incluido en la pared derecha que el visitante se encuentra al principio de la sala 4 el tríptico "El principio" del Metropolitan Museum de Nueva York (1946-49). Esta obra está considerada como una de las más autobiográficas del artista.

"El principio" (1946-49)

Destacar también que las paredes de este segundo bloque están pintadas de color lila para que el visitante sea consciente de que hay un cambio en el criterio seguido a la hora de exponer las obras.

• Sala 4: Una vez que entramos en la sala 4, nos encontramos con una sección titulada "Máscaras". Con esta palabra se hace referencia a la pérdida de identidad que se asocia con el exilio. En ella se exponen cuadros como "Autorretrato con corneta" (1938) y obras relacionadas con el mundo del carnaval. Destacan "Actrices" (1946), "Encantadora de serpientes" (1940) que se expone junto con una escultura en bronce de 1936 titulada "Adán y Eva", o "Artistas de circo" (1948). Al final de esta sala se expone el interesante tríptico "Carnaval" (1943). 
• Sala 5: Esta sección se titula "Babilonia eléctrica" y hace referencia al vértigo de la ciudad moderna como capital del exilio. En ella se exponen "Plaza. Vestíbulo de hotel" (1950) o "Interior de café con juego de espejos" (1949). 

  

  "Plaza" (1950)

• Sala 6: Esta sección se titula "El largo adiós" que plantea la equivalencia entre exilio y muerte. En ella se exponen obras como "Muerte" (1938) o "Globo con molino" (1947). 
• Sala 7: Esta sección se titula "El mar". El mar funciona aquí como metáfora del infinito. En ella se exponen obras como "Camarotes" (1948), "Hombre cayendo" (1950) y el tríptico "Los argonautas" (1949-50).

Al final del recorrido hay una última sala en la que se proyecta un vídeo titulado "Max Beckmann. Tránsito" (2007). El vídeo dura 52 minutos por lo que conviene saberlo de antemano ya que, si lo queréis ver entero, la visita puede durar algo más de lo previsto. El espacio para sentarse a la hora de ver el vídeo es muy limitado y la mayoría de la gente se tiene que quedar de pie lo que no es muy cómodo para el visitante. No se trata de un documental en el que aprenderéis algo acerca de la obra del artista; se trata más bien de una narración sobre cómo se sentía Beckmann como exiliado durante la guerra. En el video se escuchan testimonios de personas que le conocieron y se hace lectura de algunas cartas que se han conservado del artista en las que habla del exilio y de los sentimientos que éste le producen así como de los estragos que la Segunda Guerra Mundial y el hecho de "seguir vivo" le generan. También se menciona de pasada la admiración que Beckmann sentía por Cézanne y las diferencias entre sus obras (que utilizan el trazo gruseo de la línea negra para los contornos) y las de Cézanne (que formaba los volúmenes con el color). La narración del vídeo es bastante lenta y debido a la falta de espacio para sentarse verlo entero resulta bastante incómodo. 
Lo mejor: "Globo con molino" (1947).

"Globo con molino" (Detalle)

Comentario: Ya es habitual que digamos lo mismo de las exposiciones temporales del Museo Thyssen: son buenas, pero todo el trabajo que realiza el equipo se pierde por el camino ya que no aportan ningún tipo de información a pie de obra. Esto significa que si el visitante, además de mirar, quiere aprender algo sobre lo que está mirando, se ve obligado a adquirir la audioguía cuyo precio se suma a la de por sí cara entrada. Esto hace que la gente que tenía alrededor durante la visita se viera obligada a sacar el móvil para buscar las obras y poder así entender algo. Esto se hace aún más necesario cuando se pretende entender obras cargadas de simbolismo como las de Beckmann. El folleto que dan a la entrada (que hay que coger, porque no lo dan para ahorrarse también ese coste) cuenta con muy poca información. En conclusión, como no aportan nada de información, el visitante tiene la sensación de ver desfilar ante sus ojos un montón de obras de las que no puede entender casi nada y, como consecuencia de ello, todo el trabajo que ha hecho el equipo al montar la exposición se pierde porque no lo brindan al visitante a no ser que adquiere la audioguía cuyo precio se sumaría entonces a la costosa entrada.
Puntuación: Notable
Datos prácticos: "Beckmann. Figuras del exilio". Museo Thyssen.  Del 25 de octubre de 2018 al 27 de enero de 2019. Precio 12 euros. M-D de 10:00 a 19:00 y S de 10:00 a 21:00. https://www.museothyssen.org/exposiciones/beckmann-figuras-exilio

Roy Lichtenstein: Posters

Entrada a la exposición

En pocas palabras: Exposición monográfica que presenta 76 carteles (principalmente litografías y serigrafías) creados por Lichtenstein para eventos, publicaciones, causas sociales o para sus propias exposiciones en museos y galerías de arte. 
Organizadores: Fundación Canal en colaboración con Museum fur Kunst und Gewerbe de Hamburgo y con la colaboración de Arthemisia. 
Descripción: La exposición consta de 6 secciones articuladas en torno a la función del  cartel atribuida por el artista.

• La entrada a la exposición incluye diversas litografías que ponen de manifiesto el vínculo de Lichtenstein con el movimiento del Pop Art. 
• "Carteles para exposiciones en museos": Se trata de carteles realizados por el artista para exposiciones que le dedicaban museos de Nueva York, Londres y otras ciudades. Destacan la obra "Arte sobre Arte" (1978) y el cartel para el Stedelijk Museum de Amsterdam (1967).

  

  Stedelijk Museum de Amsterdam (1967)

• "Carteles de exposiciones en galerías de arte": Se trata de obras del artista expuestas en galerías europeas. Destacan la litografía "Poster retrato" (1978) o el "Anuncio para calcetín" (1963).
• "Carteles para exposiciones en la Galería Leo Castelli": Esta sección se centra en las obras que Lichtenstein realizó para esta galería desde principios de los sesenta. Destacan la serigrafía "Brochazo" (1965) y la litografía "Crack" (1963). Entre las obras más tardías, se expone  "Paisaje al estilo chino"(1996).

  

  "Posters originales" (1966)

• "Carteles creados por museos con consentimiento del artista": Esta sección se centra en su faceta de artista gráfico, su vínculo con el grafismo y la importancia del diseño gráfico en su obra. Se exponen obras famosas como "Posters originales" para el Museo de Estocolmo (1966) y el "Poster tríptico de la abstracción de la vaca" (1982). 
  
  

  

  "Poster tríptico de la abstracción de la vaca" (1982)

• "Carteles para causas politicas y sociales": Se exponen carteles realizados para apoyar causas políticas y sociales como "Care" contra el hambre en el mundo (1993) o "Amo la libertad" (1982).
• "Carteles para acontecimientos culturales": Se exponen carteles para dar a conocer eventos y celebraciones como "Festival de Salzburgo" (1991) o "Festival de Música Americana para el New York City Ballet" (1988). 

  

  "Tintin leyendo" (1995)

Lo mejor: "Tintin leyendo" (Bruselas, 1995)
Comentario: La exposición está diseñada como una instalación que nos recuerda que sus carteles estaban repartidos por vallas y paredes de calles de ciudadaes como Nueva York o París.Esto supone un acierto ya que nos sumerge de lleno en la función de los carteles y el estilo de Lichtenstein. Como uno de los máximos exponentes del pop art americano, Lichtenstein tiene un lenguaje artístico propio muy reconocible y la muestra que se expone da una buena visión de ello. No había explicaciones a pie de obra, pero es verdad que la obra de Lichtenstein al tratarse de carteles es auto-explicativa y no precisa de mucha información para ser entendida.

Vista de la instalación de la exposición (vallas rojas)

"Crack" (1963)

Puntuación: Notable
Datos prácticos: "Roy Lichtenstein: Posters". Fundación Canal (Calle Mateo Inurria, 2). Del 4 octubre 2018 al 5 de enero 2019.  L-D 11-20h. X de 11-15h. Entrada gratuita.

Nosotros Robots

En pocas palabras: No todo es arte, estas navidades si estás en el centro de Madrid y quieres hacer una pequeña pausa entre compras y compras, puedes visitar esta exposición de entrada gratuita en la Fundación Telefónica que nos hace reflexionar sobre el papel que tienen los robots en la actualidad y el posible rol que adquirirán en el futuro. 
Organizadores: Fundación Telefónica y Casual Robots. 
Descripción: El recorrido consta de 5 secciones distribuidas en un espacio diáfano. 

Caballero Mecánico (c. 1495)

• Antepasados: La primera parte de la exposición incluye un panel con una línea del tiempo que pone de manifiesto los principales hitos de la robótica desde la antigüedad hasta el siglo XXI pasando por la Edad Media. En una pequeña sala titulada "Leonardo y el primer humanoide" se expone la reconstrucción de un "Caballero Mecánico" realizada a partir de diseños de Leonardo da Vinci.
  
• Conócenos: Esta sección está dedicada a la definición del robot y a sus principales características. Se expone un robot utlizado en grandes superficies llamado "Yume Maru". En un panel se indican las diferencias entre las distintas tipologías de robots (androide, drones, nanorobot, plantoide, animaloide, etc.). Se exponen, entre otros, un robot humanoide realizado por la Universidad Carlos III de Madrid así como diversos robots animaloides (con forma de perro y arañas, por ejemplo). Al lado de un panel titulado "La influencia de la cultura" se exponen portadas de cómics que tratan el tema del robot.
• Emociones: Esta sección se centra en cómo los robots son capaces de detectar cambios en los estados de ánimo, reconocer los rasgos faciales o interpretar textos. Diversos paneles como "La teoría del Valle Inquietante" y "Robots con emociones" plantean si las máquinas podrán llegar a tener sentimientos.
• Imagina: Una divertida sección en la que se habla de la relación de los robots con la ciencia ficción. Se exponen réplicas de R2D2 de "Star Wars" y el mítico Cortocircuito. En una sala de esta sección se encuentra un panel titulado "Robots y cine" con pantallas que proyectan extractos de películas como "El mago de oz" en el que robots conviven con humanos. En la otra pared de esta sala hay un panel titulado "Robots y literatura" y diversas portadas de libros como "Yo, robot" de Isaac Asimov.
• A tu servicio:  Se trata de una sección dedicada a los robots que nos pueden ayudar en nuestro quehaceres diarios: robots industriales, robots de servicio, termostatos, móviles y similares. El panel "Robots y empleo" nos hace reflexionar sobre la robotización del trabajo. La exposición termina con un interesante panel que nos recuerda las cuatro leyes de la robótica planteadas por Isaac Asimov. 

R2D2

Cortocircuito

Lo mejor: La reflexión que permite la exposición sobre el futuro de la robotización.

Espacio diáfano de la exposición

Comentario: Lo dicho, una buena exposición sobre los robots que nos permite plantearnos  preguntas al respecto y descansar en medio de la vorágina del centro durante las compras navideñas.
Puntuación: Notable
Datos prácticos:"Nosotros Robots" - Espacio Fundación Telefónica (3ª planta). Del 5 de octubre de 2018 al 3 de febrero de 2019. Entrada gratuita. M-D de 10-20h salvo los días 25 de diciembre, 1 y 6 de enero que permanecerá cerrado.

Van Gogh Alive - The Experience

Así ves el recinto al entrar: lleno de gente por todas partes

En pocas palabras: La exposición "multisensorial" que todo el mundo estaba esperando ver ha llegado a Madrid y se puede visitar en el Círculo de Bellas Artes. Desafortunadamente, se queda en un intento fallido de sumergirnos en la obra de Van Gogh. La afluencia de público y la nefasta organización convierten la experiencia multimedia en un decepcionante "Quítate que no veo" que deja con muy mal sabor de boca al visitante. 
Organizadores: Nomad Art, Grande Exhibitions y Sensory4. 
Descripción: Lo primero con lo que el visitante se topa al llegar al Círculo de Bellas Artes es con dos colas: una para los que teníamos entradas compradas por internet y otra para los que querían comprarla en taquilla. En cualquiera de los dos casos, había que esperar. Una vez que llega la hora del pase (porque las entradas van por horas), te hacen pasar. En mi caso, nadie miró si llevaba entrada o no.  Lo dieron por hecho y pasamos. Es decir, que no controlan las entradas. Primer aspecto que pone de manifiesto la falta de organización.

Así dejas el recinto al salir: con más gente aún, si cabe

Subimos las escaleras y de pronto, tras una puerta, aparecerieron unos grandes paneles con la obra de Van Gogh proyectada sobre ellos y un montón de gente sentada por los suelos. No sabíamos por dónde teníamos que ir. Si te ibas hacia los paneles, no dejabas ver a la gente que estaba sentada. Si te quedabas donde estabas, molestabas a los que venían detrás tuya para entrar. Si avanzabas, te ibas hacia unos paneles explicativos pero te perdías la proyección. No había nadie que organizara todo aquello. Un auténtico desastre.

Al final, opté por ir hacia los paneles explicativos. Se trataba de tres paredes con paneles explicativos de la vida y obra de Vincent Van Gogh. Una vez que terminamos de leerlos, pasamos a una reproducción a tamaño natural de la famosa habitación de Van Gogh. Después, quisimos disfrutar de la tan prometida "experiencia multisensorial". Así que volvimos a los paneles que proyectaban la obra de Van Gogh con música clásica de fondo.

Reproducción a tamaño natural de la habitación de Van Gogh

 

A los 35 minutos, terminó el vídeo que estaba siendo proyectado sobre los paneles y esperamos a que la gente se moviera del suelo para ocupar su lugar. Pero muy poca gente se movía de modo que había que estar al acecho para coger sitio. Algunos nos dejaron su hueco de suelo y así encontramos un puf donde tirarnos (porque decir que nos sentamos en él sería una cortesía y no reflejaría la realidad). La verdad es que te tenías que dejar caer al suelo donde podías ponerte y no molestaras demasiado. En última instancia, te podías quedar de pie pero entonces molestabas a los que estaban sentados. Para complicar aún más las cosas, la gente iba y venía constantemente, pasando por delante de los paneles hubiera imágenes o no.

Así se tendría que haber visto la exposición

La "experiencia multisensorial" se reducía a ver desfilar primeros planos de la obra de Van Gogh con música clásica de fondo y algunas de sus frases proyectadas en otro panel. En otras palabras, aquella experiencia multimedia por la que habíamos pagado 16 euros por entrada fue un auténtico fracaso. Durante mi visita, lo que más oí fueron comentarios de "Vaya estafa" , "Menudo engaño" y cosas por el estilo. 

Así es como se veía la exposición en la realidad

El recorrido era realmente muy pequeño para lo que se paga de entrada. Solo había tres salas con proyecciones de paneles. Yo me esperaba más paneles, un recorrido más largo y lineal y, por supuesto, organización - algo que en esta exposición brilló por su ausencia. No había más que caos alrededor. Todo ello amenizado con una música clásica que supuestamente estaba ahí para que nos sumergiéramos en la obra de Van Gogh pero que al final no hacía más que contribuir a la sensación de caos que allí reinaba.

Cuando terminó el vídeo me levanté enfadada y salí a tomar el aire.

Lo mejor: Nada. Un intento fallido de sumergirnos en la obra de Van Gogh.
Comentario: Me remito a la descripción. No se merece más comentario. Lo único que me gustaría añadir es que la exposición mejoraría un poco si, cuando terminan las proyecciones, los organizadores desalojaran completamente la sala e hicieran pasar al siguiente grupo de personas. De ese modo, la gente dejaría huecos libres para que los siguientes en pasar pudieran sentarse y disfrutar algo del vídeo. También habría que insistir en que, una vez que empieza la proyección, nadie puede pasar por delante de los paneles. Pero dudo mucho que consigan organizarlo así...

Puntuación: Suspenso sin posibilidad de recuperación
Datos prácticos: Nada más salir, llamé a mi mejor amiga y le dije que ni se le ocurriera comprar las entradas. Así que os recomiendo que no tiréis el dinero. Si queréis vivir una experiencia "multisensorial" id a ver la obra de Van Gogh a algún museo y, puestos, con el mp3 escuchando música clásica y os ahorraréis el tener que ir a esta decepcionante exposición. Si aún así, queréis ir a verla estará expuesta del 26 de diciembre 2018 al 26 de febrero 2019. La entrada cuesta 16 euros. Está en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (Calle Alcalá 42) y el horario es de L-D 10h-23h. https://vangogh.es/es/inicio/