Derain/Balthus/Giacometti: Una amistad entre artistas

Retrato de Isabel Lambert, por Derain

En pocas palabras: Esta exposición consiste en ofrecer obras de tres artistas que compartieron una amistad y espacios comunes de encuentro así como influencias cruzadas.  
Organizadores: Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris Musées, Fundación MAPFRE. Comisariada por Jacqueline Munck, Conservadora Jefe del Musée d’Art moderne de la Ville de Paris.
Descripción: El recorrido consta de las siguientes salas:

1. Sala de introducción: En ella se exponen autorretratos cruzados como "Homenaje a Derain" de Giacometti, "Derain" por Balthus, "Autorretrato" por Giacometti, etc. También destaca el "Bodegón con peras" de Derain. 
2. Sala "La mirada cultural": Se trata de reflejar la influencia que tuvieron obras tradicionales en los maestros. Destaca la copia de Derain de "La matanza de los inocentes" de Brueghel. En esta sala se pueden comparar "Retrato de Iturrino" por Derain con la escultura de Giacometti "La mujer que camina". También destaca la copia de Balthus de "La leyenda de Santa Cruz de Piero Della Francesca" cuyo tratamiento geométrico de las formas se puede comparar con el "Sotobosque y rocas en Sausset les Pins" de Derain. 
3. Sala "Vidas silenciosas": Centrándose en el cambio que experimenta la obra de Giacometti cuando rompe con la realidad, nos encontramos con obras de Derain que representan paisajes casi suprareales con visiones melancólicas ("Vista de Saint Maximin", por ejemplo) y de Balthus con representaciones de mayor claridad, que representan a una naturaleza más luminosa como en "El valle de Yonne" o "El farallón". 
4. Sala siguiente: Destaca "El gitano" de Derain o "Geneviève con manzana". 
5. Sala "El modelo"(planta 1ª): un juego de retratos cruzados que reúne a los modelos que los tres artistas tuvieron en común. Por ejemplo, se exponen "Retrato de Pierre Colle" de Balthus y "Isabel en el estudio" de Giacometti. Los paneles informativos de esta sala hay que leerlos bien para entender cuáles son las relaciones cruzadas de estos personajes. Destaca por ejemplo un óleo de Isabel Lambert por Derain junto con dos esculturas de la misma Isabel por Giacometti. 
6. Sala "Entreacto": esta sala se centra en la creación de obras, decorados y figurines, para teatro que hicieron Balthus y Derain. Por ejemplo, "Arlequín con guitarra" de Derain y bocetos para decorados de Balthus para obras como "Julio César", entre otras. Giacometti, en cambio, solo hizo una aportación al mundo del teatro. En la exposición se puede ver dicha aportación (un único árbol para la obra "Esperando a Godot" de Beckett) en unas fotografías que no se deben pasar por alto. 
7. Sala circular: Se exponen los trajes para obras "El rapto en el serrallo" y "El barbero de Sevilla" a partir de los figurines de Derain. 
8. Sala "El sueño, visiones de lo desconocido": en esta sala se exponen obras de los tres autores con el tema clásico de la mujer tumbada como síntesis de tradición y modernidad, figuras de durmientes y soñadoras. Así, se exponen "Desnudo tumbado en sofá verde" por Derain o "Mujer acostada soñando" por Giacometti (un bronce pintado con reducción de las formas que se puede calificar de "escultura-ideograma"). 
9. Sala "La garra sombría": aquí se mezclan luz y oscuridad, pesadillas y destrucción. Se exponen obras como "La falena" con una mariposa que se presenta en la noche de una habitación, a medio camino entre el sueño y la vigilia, de Balthus. También el "Desnudo de piel en el estudio" de Giacometti o "Bodegón con fondo negro" de Derain. 
10. El recorrido termina con una cronología cruzada de los tres artistas y una fotografía enorme que les representa juntos.

    

    "La falena", Balthus (1959-60)

Lo mejor: "La falena" de Balthus, por citar una obra. 
Comentario: Resulta difícil comentar esta exposición porque en realidad el visitante tiene la sensación de estar viendo obras desfilar sin que quede muy claro cuál es la relación que se debe establecer o cuáles son los contenidos que merece la pena comparar. El ejercicio se pierde un poco por el camino. Por una parte, los paneles explicativos declaran información suficiente para hacer la comparativa. Por otra parte, sin embargo, se pierden en detalles y al final no queda muy claro en qué aspectos hay que fijarse. Quizás la mayor dificultad es que si bien Derain y Balthus son fáciles de distinguir, la presencia de Giacometti entre ellos, aunque da un contrapunto interesante, complica un poco las cosas. Es como si mentalmente fuera más fácil comparar dos obras que tres; como si con dos pintores hubiera bastado; como si metieron a Giacometti por ser más bankable que Derain o Balthus. Al volver de la exposición, leí con atención el folleto informativo y la página web de la exposición (podéis encontrarla pinchando aquí)  y me quedé con una triste sensación de "haber pasado algo por alto" mientras la visitaba. Me sigue pareciendo que el ejercicio de comparación triangular, aunque interesante en su planteamiento, ha tenido una ejecución que deja al visitante ante un complicado triángulo del que es difícil ver los lados. De todos modos la Fundación Mapfre siempre escoge bien sus exposiciones y las obras que hay en ellas; hacen sus deberes y ofrecen información a los visitantes. Por lo tanto, a pesar de que en este caso el ejercicio resultó difícil, siempre es un placer visitar sus exposiciones y todas son siempre muy recomendables por su calidad.
Puntuación: Notable
Datos prácticos: "Derain, Balthus, Giacometti:una amistad entre artistas" Fundación Mapfre Recoletos. Del 1 de febrero al 6 de mayo 2018. Horario L 14h-20h, M-S 10h-20h, D-F 11h-19h. Entrada 3 euros. La Fundación organiza un ciclo de conferencias entre el 5 y el 13 de marzo. Entre los ponentes, figuran Estrella de Diego así como numerosos conservadores y directores de museo internacionales.

Warhol: El arte mecánico

En pocas palabras: Me encanta el título del primer capítulo de "Mi filosofía de A a B y de B a A" de Warhol, cuando arranca diciendo "Cómo Andy juzga a su Warhol". Pues bien, esta exposición monográfica tiene como objetivo sumergirnos en la obra de Warhol: en sus archiconocidas serigrafías y también en otras obras como pinturas y esculturas o videoinstalaciones y diseños.
Organizadores: Obra social "La Caixa" y Museo Picasso de Málaga. 
Descripción: La sala de introducción consta de un panel con el famoso autorretrato de Warhol (o, como lo llamaría Estrella de Diego -experta reconocida de su obra- de Andy) de 1986 con peluca que se conoce como "The fright wid" (Peluca aterradora).

The fright wig

La siguiente sala incluye numerosas litografías. Entre ellas, destacaría el panel de sombreros donde hay un interesante "Witch Hat" (1958) y también la litografía de "Serpiente en la hierba", un collage de piel de reptil teñida y tejidos sobre papel (1964). Aprovecho para mencionar aquí que muchas de las obras expuestas, como ésta última, han sido prestadas por el Andy Warhol Museum de Pittsburgh, ciudad natal del artista afincado en Nueva York. La sala 2ª expone las archiconocidas serigrafías de Marilyn: en total, diez impresiones. También se incluye el "Before and After" de 1961, con los perfiles de Warhol antes y después de su famosa rinoplastia: un préstamo muy generoso del MoMa de Nueva York. También procedente del MoMa se expone "S&H Green Stamps" (1962): lienzo con uso de sellos de goma estampados mediante el procedimiento de la reproducción mecánica y la serialización. Sus "Tres botellas de coca-cola" (1963) no deben pasarnos por alto en esta sala, por tratarse de un tema tan arquetípico del pop art. La sala 3ª cuenta con diversas obras icónicas de Warhol. En primer lugar, un singular "Elvis" (1964) seriagrafiado sobre lienzo; luego y por supuesto sublimes, las famosísimas "Sopas Campbell" (1968) serigrafiadas en papel poniendo de relieve la predilección personal de Warhol por ese producto y la imitación de la naturaleza serializada de bienes de conmuso propias de la posguerra norteamericana. Le siguen el "Bodegón con kétchup Heinz, sopa de tomate Campbell y botella de coca-cola" (1972). Me gustó especialmente la obra "Gold Marilyn", una de las primeras versiones que Warhol hizo de Marilyn en 1962. No faltan tampoco las series de Elisabeth Taylor y Jackie Kennedy, a las que escogió por su fama e instantánea familiariedad.

Serie Marilyn

La sala 4ª es realmente espectacular. Consta de un panel en el que han pegado facsímil de papel pintado con el rostro de Mao Zedong, realizado por Warhol en 1974, e incluye en el centro de acrílico "Mao" sobre lienzo realizado también por Warhol en 1972. Finalmente, a cada lado han colocado las serigrafías de "Flores" y de "Vacas". El resultado es una instalación muy warholiana que se disfruta visitando.

Serie Sopa Campbell

La salita que se abre a mano derecha es la sala que contienen las videoinstalaciones realizadas por Warhol en la Factory entre 1964 y 1966. Entre las diversas pruebas de cámara realizadas destacan las de Bob Dylan, Dalí y Duchamp. La sala 5ª es una gran sala de cuyas paredes cuelgan carteles de películas y en cuyas vitrinas hay discos de vinilo. Se trata de la sala que recoge diversos objetos posteriores a 1965, cuando Warhol anuncia su retirada del "arte" para dedicarse al cine y a la música pop. El grupo musical "The Velvet Underground", una banda de música rock, fue el fruto de esta etapa en la vida de Warhol. En esta sala nos encontramos con objetos muy diversos: desde las bolsas para la compra de Sopa Campbell (1966) hasta litografías, carteles, discos, tejidos estampados por Warhol con dibujos circenses, ediciones de Harper's Bazaar, Time o Vogue, etc. En un lateral, una salita nos introduce en el mundo de las nubes plateadas que el visitante puede tocar y hacer saltar en el aire (!). Continuamos con la sala 6ª en la que se exponen grandes retratos serigrafiados de 1977 como la serie de Armani, Muhammad Ali, Debbie Harry, entre otros y otras personalidades. La sala 7ª se centra en el viaje a Italia de Warhol en 1975 y sus obras que recogen el tema de la hoz y el martillo. En esta sala, destaca el acrílico "Skull" (1976) que forma parte de la serie de varias calaveras pintadas en la década de los 70 como reflejo del tema del "memento mori" o recordatorio de la fugacidad de la vida y la inminencia de la muerte. La última obra que cierra el recorrido de la exposición es la curiosa y muy warholiana "Pintura de oxidación" (1978) cuya técnica merece que se comente: sobre un lienzo imprimado con gesso se ha añadido pintura al cobre, luego Warhol le aplicó su propia orina. Al actuar la orina sobre el cobre se crea un dibujo de carácter físico y sensual que un escritor europeo tildó de "Warhol en estado puro". Solo me queda mencionar que en el último espacio, antes de abandonar la exposición, el visitante puede realizar en unos trozos de papel de colores sus propias reproducciones mecánica y alterarla, si así lo desea, con unos pasteles que ponen a disposición.

Sala de la exposición con nubes plateadas

Lo mejor: ¡Todo! Warhol en estado puro.

Comentario: En su "Filosofía de A a B y de B a A", Warhol dijo: "Me gusta ser la cosa adecuada en el espacio equivocado y la cosa equivocada en el espacio adecuado". Pues bien, yo creo que esta exposición no es ni lo uno ni lo otro. Me parece que el recorrido está bastante bien organizado teniendo en cuenta que han pretendido dividirlo por décadas pero que tampoco se han centrado mucho en la cronología de la obra o del artista sino más bien en darnos unas pinceladas por el conjunto de su obra. Por otra parte, había suficientes paneles informativos en los que se podía encontrar información genérica sobre su obra si bien no han profundizado mucho en sus aspectos técnicos ni biográficos. El pop art o su importancia histórica apenas son mencionados. En cambio, han optado por sumergirnos de inmediato en un baño warholiano de serigrafías, mostrando las obras más icónicas y conocidas del artista (quizás, con el objetivo de atraer público). En cualquier caso la exposición está muy bien y merece la pena hacer filas para apreciar las obras que se amontonan en alguna sala. Os recomiendo darle a las nubes plateadas y sentir esa sensación de ingravidez.
Puntuación: Sobresaliente
Datos prácticos: "Warhol: El arte mecánico" CaixaForum Madrid del 1 de febrero al 6 de mayo 2018. Entrada 4 euros (clientes La Caixa gratis). Todos los días de 10h a 20h.

Manolo Blanhík: El arte del zapato

En pocas palabras: Esta original propuesta es una exposición que recoge las obras más significativas de Manolo Blanhík, el maestro del zapato originario de las Islas Canarias cuyas creaciones aparecen, entre otras, en la película "Maria Antonieta" de Sofia Coppola.
Organizadores: Ministerio de Educación, Museo Nacional de Artes Decorativas, Manolo Blahník Ltd. y Condé Nast España. Comisariada por Cristina Carrillo de Albornoz.
Descripción: El recorrido consta de 10 espacios o salas.

Zapatos de la película "MARIA ANTONIETA"

1. "Blanhík y su taller": En esta primera sala se pone el énfasis en las características generales de la obra de Blanhík. Por ejemplo, se realzan su virtuosismo técnico, dominio del color y técnica depurada. De esta sala destacan los primeros paneles con acuarelas de sus obras, fotografías originales de Blanhík con su madre y por supuesto, vitrinas con sus obras. Entre ellas, que son las auténticas protagonistas de la exposición, se encuentran "Aubrey" (2010) o "Josefa", zapato en napa y piel de becerro inspirado en Zaha Halid.
2. "Arte y Arquitectura": Esta sala se centra en el estudio de Blanhík sobre las proporciones del pie y su tratamiento como si de una obra arquitectónica se tratara. En sus obras, podemos apreciar el movimiento, la inspiración de cúpulas bulbosas, etc.
3. "Botánica": Una sala muy original que pone el énfasis en la relación de Blahník con la naturaleza de las Islas Canarias, de la que tomó inspiración para crear algunas de sus obras más originales como las sandalias verdes con cintas con detalles en forma de hoja de hiedra y cerezas. 

   

   Acuarelas

4. "Geografía": Su amor por los viajes le llevaron a crear zapatos que combinaban la sobriedad y la excentricidad. Aquí se exponen zapatos inspirados en África, Sicilia, Palermo, el estilo clásico inglés, Japón, Grecia, Roma... 
5. "Maria-Antonieta": Para los amantes del cine, esta sala incluye dos trajes que aparecen en la película "Maria Antonieta" de Sofia Coppola así como zapatos que se pueden también ver en la película. Inspirados en artistas de la época (Watteau, Fragonard, Boucher, Gainsborough), nos encontramos con obras muy elegantes del maestro como "Fragonard", "Orleana", "Toinette" o "Tourzel". 

   

   Sala Geografía

   
   

   

   Sala Botánica

6. "Bajo la luna": Blanhík también se inspiró en lo español. En esta sala se exponen obras inspiradas en el flamenco, en autores españoles como Unamuno u Ortega y Gasset, y en las canciones populares españolas. Destaca una bellísima foto de Lola Flores con la Duquesa de Alba en 1964.
7. "Obsesiones": La fascinación de Blahník por el mundo del cine con obras inspiradas en las películas de Almodóvar o Visconti, en actores como Romy Schneider o Brigitte Bardot. 
8. "Gala": En esta sala se exponen modelos más extravagantes, más excepcionales. Destacan los zapatos de noche con tacones muy finos, tocados venecianos y zapatos hechos en piel de cocodrilo. 
9. "Vogue": La relación de Blanhík con la revista surge en 1971. También colaboró con Rihanna o Angelica Houston. Lo más hollywoodiense del creador se expone en estas vitrinas que no os dejarán indiferentes. 
10. La última sala no tiene nombre y en ella se exponen unas acuarelas con dibujos de sus obras y también un pequeño vídeo con una entrevista al creador que da consejos sobre la vida en general. 

Lo mejor: La sala que expone los zapatos que salen en la película "Maria Antonieta" de Sofia Coppola con Kirsten Dunst.
Comentario: El recorrido por la exposición muestra la obra de Blanhík de forma muy completa. Su organización por temas de inspiración resulta todo un acierto para ir comprendiendo la obra y el trabajo artístico que subyace detrás de cada uno de los zapatos. Los paneles explicativos aportan información sobre la fabricación: para cada zapato se explica el material que compone la obra. En los paneles que introducen las salas se expone el por qué del título escogido y hace que nos fijemos en algún aspecto concreto de los zapatos que se exponen en ella.
Puntuación: Sobresaliente 
Datos prácticos: "Manolo Blanhík: El arte del zapato". Museo Nacional de las Artes Decorativas. Del 28.11.2017 al 8.03.2018. Entrada gratuita.

Mariano Fortuny y Marsal (1838-74)

Detalle de la "Batalla de Wad Ras", Fortuny

En pocas palabras: Se trata de una exposición monográfica sobre Fortuny, un artista español originario de Reus que desarrolló su trayectoria artística en el último tercio del siglo XIX. En la muestra se incluyen pinturas al óleo y en acuarela -técnica que dominó con maestría-, así como dibujos y aguafuertes. También se incluyen diversos objetos que formaban parte de su colección personal.
Organizadores: Museo del Prado. Comisario:Javier Barón (Museo del Prado). 
Descripción: El recorrido es bastante extenso: 12 salas. Para que la reseña no resulta demasiado extensa, destacaremos solo aquellos aspectos más relevantes. Las salas están organizadas de forma cronológica:

1. La formación en Roma (1858-61): De esta primera etapa se exponen dibujos de estudios de anatomía como "Desnudo de espaldas con escultura" que constituyen su aprendizaje y sus obras más tempranas como "Odalisca" de 1861 (primera obra en recibir reconocimiento público). 
2. África y el descubrimiento de la pintura (1860-62) : La Diputación de Barcelona encarga a Fortuny un viaje a Marruecos para representar imágenes de la guerra hispano-marroquí. Fortuny se siente atraído por las costumbres árabes y las plasmará en sus obras hechas a la vueltas. Destacan acuarelas pequeñas como "Campamento árabe" (1862); un paisaje panorámico titulado "Vista de Tetuán" en acuarela también o el óleo de la "Batalla de Wad-Ras" (1860-61).
   
3. Entre España e Italia (1863-68): Durante su estancia en Roma representa a los tipos populares de la calle. Obras de este periodo que están expuestas y destacan son por ejemplo la "Fantasía sobre Fausto" y entre los tipos populares destaca "Fraile mendigando".
4. La Reina Mª Cristina y su hija la reina Isabel pasando revista: Esta sala tiene un gran óleo en el techo en el que se ve a la reina y su hija pasando revista a las baterías de artillería que defendían Madrid en 1837.
   
5. Aguafuertes (grabados): Fortuny destacó en el ámbito de los grabados (aguafuertes). Se exponen varias obras entre las que destaca sin duda "El anacoreta" del que se exponen (i) la lámina de cobre grabada y niquelada, (ii) dos pruebas de estado de las 7 que se conoce (2º y 4º estado), (iii) y 1 estampa definitiva.
   
6. Los maestros antiguos y el Prado (1866-68): Se trata de copias que realizó Fortuny durante sus estancias en el Museo del Prado de obras de los grandes maestros como "Inocencio X" (detalle de copia de Velázquez).
7. El triunfo internacional (1868-70): De su fascinación constante por lo oriental se exponen en esta sala "El vendedor de tapices" (1870) donde podemos apreciar su dominio de las texturas en la representación de textiles y alfombras. También hay otras obras de renombre internacional como "La vicaría" (un cuadro de costumbres, ambientado en la época de Goya).
8. Granada (1870-72): Fortuny pintó escenas inspiradas en un pasado medieval islámico pero también vivió en Granada. A este periodo pertenecen obras expuestas en esta sala como "Paisaje de Granada" pintada desde su estudio situado en Campo de los Mártires y otros dibujos hechos de las calles del Albaicín. En la segunda parte de esta sala se exponen obras deliciosas realizadas en los jardines granadinos de su casa como "Malvas Reales".
9. El atelier: Se exponen objetos que se encontraban en su taller como un gran tapiz de la fábrica de Tournai, dibujos de jarrones nazaríes adquiridos por Foruny, un arcón de bodas y un espejo, entre otros. 
10. Los últimos años (1873-74): De los últimos años se exponen obras que siguen en la línea de lo expuesto hasta ese momento:  destacan "Marroquíes", que fue pintada en su último viaje a África; "Fantasía árabe ante la puerta de Tánger" o "Músicos árabes", obra que queda inconclusa a la muerte del artista.
11. Obras familiares: Esta sala no tiene nombre oficial durante el recorrido pero se distingue del resto por exponerse en ella diversas obras de los hijos del pintor y una acuarela que representa a su mujer: "Cecilia de Madrazo" (escena de género en el que pinta a su mujer ensimismada en sus labores de costura) y "Los hijos del pintor en el salón japonés" (con sus hijos Maria Luisa y Mariano jugando en un entorno decorativo colorido con influencias del arte japonés).
12. Fortuny: La última sala o ámbito de la exposición presenta últimas obras junto con una fotografía de Fortuny en su lecho de muerte, como era costumbre en el siglo XIX. 

Lo mejor: La visión de conjunto de su obra.
Comentario: La exposición monográfica cumple bien su cometido al incluirse en ella diversas obras del artista, organizadas de forma cronológica, que nos adentra en los promenores de su técnica, de las fuentes de inspiración, y ello a lo largo de un discuros que discurre por los años de su vida y sus diferentes viajes. Todo esto supone un gran acierto a la hora de mostrar las obras al público. La información presente en la exposición al lado de las obras resultaba suficiente y era relevante. Destacar que además de exponerse obras que ya figuran en la colección permanente del Museo del Prado, también se han reunido obras procedentes del Museo Fortuny de Venecia así como del Museu Nacional d’Art de Catalunya.
Puntuación: Notable. 
Datos prácticos:  "Fortuny". Museo del Prado. Del 21 de noviembre de 2017 al 18 de marzo de 2018.

El mundo de Giorgio de Chirico. Sueño o realidad

"Las musas inquietantes" de Chirico

En pocas palabras: La muestra que propone el CaixaForum de Madrid se centra en los temas abordados en la obra pictórica de Chirico. Para situarnos: De Chirico es un artista italiano nacido en Grecia adscrito a lo que se denomina "pintura metafísica" cuya obra tuvo un gran impacto en el surrealismo. Todos tenemos en la cabeza esos cuadros de De Chirico con figuras enigmáticas sobre fondos de ciudades en ruinas y plazas desoladas. Esta exposición intenta presentar los diversos aspectos iconográficos de su obra para que entendamos su mundo visionario. 
Organizadores: Fundación Obra Social La Caixa con la colaboración de la Fondazione Giorgio e Isa de Chirico.
Comisarias: Mariastella Margozzi y Katherine Robinson.
Descripción: El recorrido está dividido en 6 secciones, cada una de ellas dedicada a un aspecto iconográfico de la obra pictórica y escultórica de Chirico con el objetivo de dar una visión de conjunto de su obra. Comenzamos con "Retratos y Autoretratos" donde se exponen diversos autorretratos del pintor disfrazado a la manera de grandes pintores como Rembrandt, Frans Hals y Van Dyck. Destacan "Autorretrato con vestido negro" de 1948, entre otros. Aparte de estos autorretratos, podemos apreciar retratos como el titulado "La española" de 1934 en el que, a la manera de Renoir, De Chirico retrata a una mujer (vestida de negro) que destaca por la suavidad de los tejidos y la naturalidad de la pose. La segunda sección, "Interiores metafísicos", se centra en el nacimiento del tema del maniquí (ser de cabeza ovoide y cuerpo de elementos geométricos y cartabones de dibujo) y su desarrollo en escenarios con paisajes arqueológicos o naturales como fábricas y plazas. Por ejemplo, se exponen obras como "Habitaciones del pensamiento" en la que se aprecia claramente el binomio interior/exterior. En esta sección se exponen también diversos "interiores metafísicos": por ejemplo, interior metafísico con cabeza de Esculapio (1969); con óvalo negro (1968); con bola y galletas (1971); con paisaje romántico (1968); y con cabeza de caballo (1968). En ellos se aprecian los colores intensos, la condensación de elementos, el rico repertorio de imágenes de interior que se juntan con las visiones de las plazas. En "Sol sobre el caballete" (1972) se puede ver el contraste entre el sol apagado del cielo con el sol encendido del interior. De Chirico los usó para ilustrar los "Caligramas" de Apollinaire publicados en 1930. La sección 3 titulada "Plaza de Italia y Maniquíes" incluye una gran instalación que reproduce la plaza que Chirico representa en sus obras y en cuyas arcadas están expuestas las obras. La plaza de Italia es uno de los temas más famosos del arte denominado "metafísico" de De Chirico. En los paneles, se explica que el tema nace en Florencia en 1910 a partir de una revelación que Chirico plasma en "El enigma de una tarde de otoño" (obra no incluida en la exposición) y que luego desarrollará entre 1911 y 1915 en París con imágenes que pierden la objetividad de la perspectiva renacentista para expresar los sentimientos fuertes y misteriosos que el artista sintió al leer a Nietzsche. Se exponen para ilustrar todo esto obras tan famosas como "Las musas inquietantes", "Las máscaras" o "Plaza de Italia con fuente". También se exponen "Los arqueólogos" tanto en óleo (1927) como en bronce (1968) y terracota; el tema de los "arqueólogos" es un tema que presenta por primera vez en 1927. Se trata de un maniquí humanizado (solo o en pareja), sentado, con acumulación de ruinas en su regazo (símbolo de la historia de la humanidad). En una vitrina se acompañan dibujos preparatorios para "Las musas inquietantes" a lápiz, carboncillo y acuarela.

Instalación de "Plaza de Italia" con obras de la exposición y bronce de "Los Arqueólogos"

En la sección 4ª, titulada "Baños misteriosos", se nos explica que este tema nació en 1934 a partir de unas litografías publicadas en "Mythologie" de Cocteau. En la exposición se incluyen diversas de estas litografías y otras posteriores como "El centauro misterioso", "La huida inexplicable", "El huésped misterioso", "En la piscina inquietante", "El bañista solitario" y "Aparición del cisne". En ellas podemos apreciar múltiples escenas ambientadas en paisajes abiertos con hombres desnudos o vestidos; en algunas de ellas se presentan esas líneas entrecruzadas características de De Chirico que representan el agua como una trama densa de líneas dispuestas en zigzag. En la sección 5ª que se titula "Historia y Naturaleza" nos encontramos con naturalezas muertas con ecos barrocos acompañadas de elementos antiguos como estatuas o templos, que De Chirico llamaba "vidas silentes" (derivación de la palabra alemana para naturaleza muerta).

El retorno de Ulises (1973)

Aparición del cisne- detalle

Se exponen por ejemplo "Fruta con templo" (1957) o "Vista de Venecia" (1957). Finalmente, la sección 6 titulada "Mundo clásico y gladiadores" incluye, por un lado, obras de gladiadores y combates y, por otro lado, cuadros con caballos. Para De Chirico, los gladiadores se consideran como actores, héroes destinados a morir, cuyo objetivo final es la muerte en la arena como si se tratara de una escenografía teatral. Se exponen obras como "El retorno de Ulises" (1973) en el que Ulises navega en un mar-alfombra que está dentro de una habitación. En la segunda parte dedicada a los caballos, se incluyen obras como "El desembarco de Alejandro" o "Dos caballos a orillas del mar con ruinas y una tela roja" (1971). El vídeo que se incluye en el recorrido es una entrevista cortada en varios trozos de De Chirico durante viajes a Venecia y Atenas entre otros. En él, el artista se expresa sobre su fascinación por Nietzsche, se define a sí mismo como veneciano pero nacido en Grecia, y habla de algunos temas de sus obras como los gladiadores y los arqueólogos.
Lo mejor: La instalación de la "Plaza de Italia" que hay a mitad del recorrido con sus arcadas en las que están expuestas las obras. 
Comentario: La instalación de la exposición (tanto de la entrada como del interior) es realmente muy acertada. La recreación de la plaza en el centro de la sala funciona muy bien para adentrar al espectador en el mundo casi onírico de Chirico incluso antes de mirar sus obras. Por otra parte, la exposición cuenta con numerosos paneles informativos que ilustran adecuadamente lo que se pretende enseñar. Quizás no ahonde mucho en detalles técnico-artísticos porque se centra en aspectos iconográficos, pero aún así resultan interesantes porque en definitiva lo que hace que entedamos a De Chirico es la significación de sus obras. En particular, destacan las numerosas explicaciones sobre el origen y desarrollo de cada uno de sus temas (destacados en negrita en esta reseña) que resultan suficientes para poder disfrutar de esta exposición y conocer en profundidad la obra de este artista. Destacar el esfuerzo de las comisarias por reunir obras de distinta procedencia ya que, si bien la mayoría proceden de la Fundación De Chirico, también hay varias procedentes de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma.
Puntuación: Sobresaliente. 
Datos prácticos: "El mundo de Giorgio de Chirico", CaixaForum de Madrid, del 23 noviembre 2017 al 18 febrero 2018. Precio 4 Euros. Horario L-D 10h-20h.

Cubismo(s) y experiencias de la modernidad

"Cocteau" por Gleizes

En pocas palabras: La exposición reúne obras de la colección Telefónica y de la colección permanente del Museo Reina Sofía. Las obras de la colección Telefónica han sido depositadas por un periodo inicial de 5 años en el Museo a raíz de un convenio firmado en 2016. Se trata de unas 40 obras, fechadas entre 1912 y 1933. El hilo argumental de la exposición son las diferentes formas del cubismo que se desarrollaron durante esos años tanto en Europa como en Iberoamerica. La muestra incluye numerosas obras de Juan Gris junto con otras de Picasso y Braque, también cuenta con la presencia de algunas mujeres artistas como Marie Blanchard o Sonia Delaunay. Entre los artistas iberoamericanos se encuentran Diego Rivera, Xul Solar, Pettoruti y Do Rego Monteiro. 
Organizadores: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Comisario Eugenio Carmona. 
Descripción: El recorrido consta de 5 salas. La exposición se ha concebido como un recorrido por  obras que ilustran distintas versiones del cubismo. La primera sala propone partir del cubismo sintético y analítico según los conceptos acuñados por Khanweiler. Esta sala se titula "Cubismo fundacional (1907-1914)" y en ella nos encontramos con las obras cubistas más tempranas de las colecciones. Destacan "Le compotier" de Picasso que se puede apreciar junto con "Botella y Frutas" de Braque. También se exponen "Violín y guitarra" de Juan Gris y textos de Khanweiler sobre la obra del artista. Se incluye la escultura "Cabeza de mujer" que representa a Fernande Olivier (1909) de Picasso. Entre los artistas iberoamericanos, se expon "Racimos de uvas" de Pettoruti (1914), un artista originario de Argentina; "La sombra del caminante" de Xul Solar (1917) y "Chimenea" de Diego Rivera (1913).

"Mujer con guitarra", Marie Blanchard (1917)

La sala siguiente se titula "Cubismos transicionales y nueva visualidad (1915-1917)". En esta sala se plantean las bases del "nuevo cubismo" desarrollado con posterioridad a la primera guerra mundial. Destacan obras de Gleizes como "Casas en Bermudas" (1917) y de Juan Gris como "Las uvas" (1916) o "Molinillo de café".

"Molinillo de café", Juan Gris

En esta sala  se exponen dos obras de Marie Blanchard: "Mujer con guitarra" (1917) y "Composición cubista" (1916-19). La sala 3 se titula Nuevo cubismo: arte puro nuevo (1915-1919)" e incluye obras de André Lhote como "Naturaleza muerta cubista, botella y capa" (1917) con sus textos sobre el cubismo a priori y a posteriori. También se incluye la obra de Metzinger "Naturaleza muerta con fruta y jarra" (1917) con un texto que habla de su visión de la perspectiva metafísica (por contraposición a la perspectiva romántica de Picasso y la materialista de Juan Gris). En esta sala se expone el retrato cubista de "Cocteau" por Gleizes y otra "Naturaleza muerta cubista" de Marie Blanchard (1919). Particularmente interesante es la escultura "Marinero con guitarra" de Juan Gris (1918). La sala 4, titulada "Del cubismo constructivo a las rimas plásticas (1918-1923)", presenta a varios creadores cubistas que aportan cierto cambio de posición. Por ejemplo, cuando Juan Gris sustituye el dibujo ortogonal por las curvas y los arabescos (de ahí que se hable de "rimas plásticas"). Esto se ilustra en obras como "Ventana abierta con colinas" de Juan Gris (1923) que se expone junto con un texto de Khanweiler que hace alusión a las curvas. También se exponen los poemas pintados de Huidobro como "Caleidoscopio" (1921). Finalmente, la sala 5, que se titula "Diseminaciones y derivas de la experiencia cubista (1919-1923)", pone punto y final al recorrido con obras cubistas como "Retrato de Alberto Lasplaces" (1920) de Rafael Barradas que según Julio Casal presenta una "sana obsesión naturalista", alejándonos ya del cubismo inicial.

Juan Gris "Ventana abierta" (1927)

Lo mejor: La presencia de mujeres artistas (Marie Blanchard y Sonia Delaunay) es siempre una buena noticia. También es notable la presencia de artistas iberoamericanos.
Comentario: La exposición se centra en destacar las nuevas adquisiciones (en depósito) de obras procedentes de la colección Telefónica. Resulta interesante apreciar obras nuevas pero es una pena que no hayan destacado cuáles pertenecen a la Colección Telefónica y cuáles son de la colección permamente del Museo. Se podía observar esta información en el folleto que reparten a la entrada, pero no estaba en los carteles informativos colocados al lado de las obras. Como consecuencia de este detalle, las obras que forman el recorrido se complementan pero no se diferencian.Por otra parte, uno de los puntos fuertes de esta exposición es la visión que aporta sobre el cubismo o los cubismos. Por ejemplo, incorporando artistas iberoamericanos como Xul Solar o Pettoruti. También resulta interesante el foco que han puesto en artistas menos conocidos como Gleizes y Metzinger que, según la nota de prensa de la exposición, "significaron el tránsito de la herencia del simbolismo final a un nuevo sistema figurativo basado en el predominio de la forma y en la articulación dinámica de facetas y figuras". En conclusión, la exposición aporta algo nuevo a lo que sabemos ya del cubismo y lo hace aprovechando la reciente adquisición en depósito de las obras de la Colección Telefónica.  
Puntuación: Aprobado. 
Datos prácticos: "Cubismo(s) y experiencias de la modernidad", a partir del 22 de noviembre 2017. Museo de Arte Reina Sofía.

Carlos III: Majestad y Ornato

Dormitorio de Carlos III

Busto de Carlos III

En pocas palabras: Esta exposición, que se puede visitar en el Palacio Real de Madrid hasta el 7 de enero 2018, se centra en la figura de Carlos III, monarca de la España ilustrada. La muestra ha sido organizada por Patrimonio Nacional: un organismo público responsable de los bienes titularidad del Estado que proceden del legado de la Corona española. La institución gestiona palacios, monasterios, conventos reales y otras edificaciones que constituyen la red de "Reales Sitios" albergando unas 154.000 piezas históricas y artísticas.

Organizadores: Patrimonio Nacional. La exposición está comisariada por Pilar Benito, Javier Jordán de Urríes y José Luis Sancho. 
Descripción: El recorrido consta de 10 secciones. La primera sala se titula "Carlos III en Nápoles". Carlos III, hijo de Felipe V y de Isabel de Farnesio, ocupó el trono de Nápoles. De esta primera sala, destacan los lienzos de Pietro Fabris representando travesías de barcos en Nápoles con el Vesubio al fondo. La siguiente sala titulada "El Real Dormitorio de Carlos III" incluye una instalación de su dormitorio en la que destacan los impresionantes tapices que cuelgan de las paredes. Por ejemplo, la "Cortina de Cama".

"Noli me tangere" de Raphael Mengs

También destaca en esta sala el "Noli me tangere" de Raphael Mengs, un artista muy vinculado a Carlos III del que podemos apreciar numerosas obras a lo largo de la exposición. La tercera sala se titula "Los Tipos Populares de Lorenzo Tiépolo". En ella se expone una destacable colección de pasteles obras de Lorenzo Tiépolo (el menor de los hijos de Giambattista Tiépolo) que representan a personajes típicos del pueblo de la época como "La Naranjera" (1775) o "Pareja de majos" (1775). En la sala "La religiosidad del rey" se pone el énfasis en su devoción. Destaca la "Inmaculada Concepción" de Mengs. La sala "El rey de monte en monte" destaca la afición de Carlos III por la caza. En una vitrina, se expone una colección de sus armas y en el resto de las paredes, por ejemplo, tapices como el de "La caza del jabalí" de Goya.

Chinoiserie

Una de las salas más elegantes es, sin embargo, la siguiente sala: titulada "Chinoiseries", ofrece al visitante la oportunidad de apreciar esos finos tejidos de seda llamados "pequines", pintados al temple con adornos florales y vegetales con los que se confeccionaban en el siglo XVIII todo tipo de cortinas, gabinetes privados, camas, etc. En la siguiente sala titulada "Reales Fábricas" se exponen tapices de Goya como "La vendimia" o "La nevada". A continuación, la visita continúa con "El obrador de marfiles del Buen Retiro" donde se expone una pequeña colección de piezas de eboraria magníficamente talladas, algunas de Andrea Pozzi.

Buró

En "Carlos III y los Talleres Reales" podemos contemplar algunos ejemplos de fina ebanistería como la "Cómoda" o el "Buró" y, por supuesto, el espléndido óleo con el retrato de Carlos III realizado por Mengs en 1765. Finalmente, la visita termina con dos salas dedicadas a la muerte del Monarca: "La muerte del Rey" (en la que se expone la cama mortuoria de los monarcas españoles) y "Exequias y Elogios" (que expone libros con estampas de cenotafios).
Para más información, su descripción oficial se puede leer en el siguiente enlace: https://www.patrimonionacional.es/carlosiii/acerca_exposicion.htm.

Lo mejor: La posibilidad de contemplar piezas pertenecientes a Patrimonio Nacional; la sala "Chinoiseries"; y el tapiz de Goya "La nevada".

Tapiz de Goya "La nevada o Invierno"

Comentario: El principal interés de esta exposición radica en que ofrece al visitante la oportunidad de contemplar obras que han sido poco o nunca expuestas al público antes. Su hilo conductor queda claro también: objetos que se pueden vincular al monarca Carlos III y a su época. Quizás el único aspecto mejorable de la exposición sea que, en definitiva, se habla poco de la política de Carlos III, de su importancia como figura histórica, o incluso de su vida en general. La exposición se centra en aspectos de su vida cotidiana sin profundizar demasiado. Dicho esto, el recorrido cuenta con numerosos carteles explicativos de todos los contenidos que permiten guardar un buen sabor de boca porque se trata de objetos, en efecto, bastante interesantes. Así, por ejemplo, la abundancia de hermosos tapices y pequines o también la cantidad de obras de Raphael Mengs y de Lorenzo Tiépolo, cuyos "tipos populares" se exponen todos juntos por primera vez desde 1946.
Puntuación: Sobresaliente. 
Datos prácticos: "Carlos III: Majestad y Ornato". Palacio Real de Madrid, del 19 de mayo 2017 al 7 de enero 2018. Entrada 11 euros. Todos los días de 10:00 a 18:00 h. Nota: Aunque la cola de la entrada para comprar los tickets os parezca larga, no es así: va muy deprisa y hay entradas (no hace falta comprarlas con antelación, aunque se puede). También me gustaría decir que la página web de la exposición está bastante bien y permite una visita virtual de la misma:
Visita virtual de la exposición