Mariano Fortuny y Marsal (1838-74)

Detalle de la "Batalla de Wad Ras", Fortuny

En pocas palabras: Se trata de una exposición monográfica sobre Fortuny, un artista español originario de Reus que desarrolló su trayectoria artística en el último tercio del siglo XIX. En la muestra se incluyen pinturas al óleo y en acuarela -técnica que dominó con maestría-, así como dibujos y aguafuertes. También se incluyen diversos objetos que formaban parte de su colección personal.
Organizadores: Museo del Prado. Comisario:Javier Barón (Museo del Prado). 
Descripción: El recorrido es bastante extenso: 12 salas. Para que la reseña no resulta demasiado extensa, destacaremos solo aquellos aspectos más relevantes. Las salas están organizadas de forma cronológica:

1. La formación en Roma (1858-61): De esta primera etapa se exponen dibujos de estudios de anatomía como "Desnudo de espaldas con escultura" que constituyen su aprendizaje y sus obras más tempranas como "Odalisca" de 1861 (primera obra en recibir reconocimiento público). 
2. África y el descubrimiento de la pintura (1860-62) : La Diputación de Barcelona encarga a Fortuny un viaje a Marruecos para representar imágenes de la guerra hispano-marroquí. Fortuny se siente atraído por las costumbres árabes y las plasmará en sus obras hechas a la vueltas. Destacan acuarelas pequeñas como "Campamento árabe" (1862); un paisaje panorámico titulado "Vista de Tetuán" en acuarela también o el óleo de la "Batalla de Wad-Ras" (1860-61).
   
3. Entre España e Italia (1863-68): Durante su estancia en Roma representa a los tipos populares de la calle. Obras de este periodo que están expuestas y destacan son por ejemplo la "Fantasía sobre Fausto" y entre los tipos populares destaca "Fraile mendigando".
4. La Reina Mª Cristina y su hija la reina Isabel pasando revista: Esta sala tiene un gran óleo en el techo en el que se ve a la reina y su hija pasando revista a las baterías de artillería que defendían Madrid en 1837.
   
5. Aguafuertes (grabados): Fortuny destacó en el ámbito de los grabados (aguafuertes). Se exponen varias obras entre las que destaca sin duda "El anacoreta" del que se exponen (i) la lámina de cobre grabada y niquelada, (ii) dos pruebas de estado de las 7 que se conoce (2º y 4º estado), (iii) y 1 estampa definitiva.
   
6. Los maestros antiguos y el Prado (1866-68): Se trata de copias que realizó Fortuny durante sus estancias en el Museo del Prado de obras de los grandes maestros como "Inocencio X" (detalle de copia de Velázquez).
7. El triunfo internacional (1868-70): De su fascinación constante por lo oriental se exponen en esta sala "El vendedor de tapices" (1870) donde podemos apreciar su dominio de las texturas en la representación de textiles y alfombras. También hay otras obras de renombre internacional como "La vicaría" (un cuadro de costumbres, ambientado en la época de Goya).
8. Granada (1870-72): Fortuny pintó escenas inspiradas en un pasado medieval islámico pero también vivió en Granada. A este periodo pertenecen obras expuestas en esta sala como "Paisaje de Granada" pintada desde su estudio situado en Campo de los Mártires y otros dibujos hechos de las calles del Albaicín. En la segunda parte de esta sala se exponen obras deliciosas realizadas en los jardines granadinos de su casa como "Malvas Reales".
9. El atelier: Se exponen objetos que se encontraban en su taller como un gran tapiz de la fábrica de Tournai, dibujos de jarrones nazaríes adquiridos por Foruny, un arcón de bodas y un espejo, entre otros. 
10. Los últimos años (1873-74): De los últimos años se exponen obras que siguen en la línea de lo expuesto hasta ese momento:  destacan "Marroquíes", que fue pintada en su último viaje a África; "Fantasía árabe ante la puerta de Tánger" o "Músicos árabes", obra que queda inconclusa a la muerte del artista.
11. Obras familiares: Esta sala no tiene nombre oficial durante el recorrido pero se distingue del resto por exponerse en ella diversas obras de los hijos del pintor y una acuarela que representa a su mujer: "Cecilia de Madrazo" (escena de género en el que pinta a su mujer ensimismada en sus labores de costura) y "Los hijos del pintor en el salón japonés" (con sus hijos Maria Luisa y Mariano jugando en un entorno decorativo colorido con influencias del arte japonés).
12. Fortuny: La última sala o ámbito de la exposición presenta últimas obras junto con una fotografía de Fortuny en su lecho de muerte, como era costumbre en el siglo XIX. 

Lo mejor: La visión de conjunto de su obra.
Comentario: La exposición monográfica cumple bien su cometido al incluirse en ella diversas obras del artista, organizadas de forma cronológica, que nos adentra en los promenores de su técnica, de las fuentes de inspiración, y ello a lo largo de un discuros que discurre por los años de su vida y sus diferentes viajes. Todo esto supone un gran acierto a la hora de mostrar las obras al público. La información presente en la exposición al lado de las obras resultaba suficiente y era relevante. Destacar que además de exponerse obras que ya figuran en la colección permanente del Museo del Prado, también se han reunido obras procedentes del Museo Fortuny de Venecia así como del Museu Nacional d’Art de Catalunya.
Puntuación: Notable. 
Datos prácticos:  "Fortuny". Museo del Prado. Del 21 de noviembre de 2017 al 18 de marzo de 2018.

El mundo de Giorgio de Chirico. Sueño o realidad

"Las musas inquietantes" de Chirico

En pocas palabras: La muestra que propone el CaixaForum de Madrid se centra en los temas abordados en la obra pictórica de Chirico. Para situarnos: De Chirico es un artista italiano nacido en Grecia adscrito a lo que se denomina "pintura metafísica" cuya obra tuvo un gran impacto en el surrealismo. Todos tenemos en la cabeza esos cuadros de De Chirico con figuras enigmáticas sobre fondos de ciudades en ruinas y plazas desoladas. Esta exposición intenta presentar los diversos aspectos iconográficos de su obra para que entendamos su mundo visionario. 
Organizadores: Fundación Obra Social La Caixa con la colaboración de la Fondazione Giorgio e Isa de Chirico.
Comisarias: Mariastella Margozzi y Katherine Robinson.
Descripción: El recorrido está dividido en 6 secciones, cada una de ellas dedicada a un aspecto iconográfico de la obra pictórica y escultórica de Chirico con el objetivo de dar una visión de conjunto de su obra. Comenzamos con "Retratos y Autoretratos" donde se exponen diversos autorretratos del pintor disfrazado a la manera de grandes pintores como Rembrandt, Frans Hals y Van Dyck. Destacan "Autorretrato con vestido negro" de 1948, entre otros. Aparte de estos autorretratos, podemos apreciar retratos como el titulado "La española" de 1934 en el que, a la manera de Renoir, De Chirico retrata a una mujer (vestida de negro) que destaca por la suavidad de los tejidos y la naturalidad de la pose. La segunda sección, "Interiores metafísicos", se centra en el nacimiento del tema del maniquí (ser de cabeza ovoide y cuerpo de elementos geométricos y cartabones de dibujo) y su desarrollo en escenarios con paisajes arqueológicos o naturales como fábricas y plazas. Por ejemplo, se exponen obras como "Habitaciones del pensamiento" en la que se aprecia claramente el binomio interior/exterior. En esta sección se exponen también diversos "interiores metafísicos": por ejemplo, interior metafísico con cabeza de Esculapio (1969); con óvalo negro (1968); con bola y galletas (1971); con paisaje romántico (1968); y con cabeza de caballo (1968). En ellos se aprecian los colores intensos, la condensación de elementos, el rico repertorio de imágenes de interior que se juntan con las visiones de las plazas. En "Sol sobre el caballete" (1972) se puede ver el contraste entre el sol apagado del cielo con el sol encendido del interior. De Chirico los usó para ilustrar los "Caligramas" de Apollinaire publicados en 1930. La sección 3 titulada "Plaza de Italia y Maniquíes" incluye una gran instalación que reproduce la plaza que Chirico representa en sus obras y en cuyas arcadas están expuestas las obras. La plaza de Italia es uno de los temas más famosos del arte denominado "metafísico" de De Chirico. En los paneles, se explica que el tema nace en Florencia en 1910 a partir de una revelación que Chirico plasma en "El enigma de una tarde de otoño" (obra no incluida en la exposición) y que luego desarrollará entre 1911 y 1915 en París con imágenes que pierden la objetividad de la perspectiva renacentista para expresar los sentimientos fuertes y misteriosos que el artista sintió al leer a Nietzsche. Se exponen para ilustrar todo esto obras tan famosas como "Las musas inquietantes", "Las máscaras" o "Plaza de Italia con fuente". También se exponen "Los arqueólogos" tanto en óleo (1927) como en bronce (1968) y terracota; el tema de los "arqueólogos" es un tema que presenta por primera vez en 1927. Se trata de un maniquí humanizado (solo o en pareja), sentado, con acumulación de ruinas en su regazo (símbolo de la historia de la humanidad). En una vitrina se acompañan dibujos preparatorios para "Las musas inquietantes" a lápiz, carboncillo y acuarela.

Instalación de "Plaza de Italia" con obras de la exposición y bronce de "Los Arqueólogos"

En la sección 4ª, titulada "Baños misteriosos", se nos explica que este tema nació en 1934 a partir de unas litografías publicadas en "Mythologie" de Cocteau. En la exposición se incluyen diversas de estas litografías y otras posteriores como "El centauro misterioso", "La huida inexplicable", "El huésped misterioso", "En la piscina inquietante", "El bañista solitario" y "Aparición del cisne". En ellas podemos apreciar múltiples escenas ambientadas en paisajes abiertos con hombres desnudos o vestidos; en algunas de ellas se presentan esas líneas entrecruzadas características de De Chirico que representan el agua como una trama densa de líneas dispuestas en zigzag. En la sección 5ª que se titula "Historia y Naturaleza" nos encontramos con naturalezas muertas con ecos barrocos acompañadas de elementos antiguos como estatuas o templos, que De Chirico llamaba "vidas silentes" (derivación de la palabra alemana para naturaleza muerta).

El retorno de Ulises (1973)

Aparición del cisne- detalle

Se exponen por ejemplo "Fruta con templo" (1957) o "Vista de Venecia" (1957). Finalmente, la sección 6 titulada "Mundo clásico y gladiadores" incluye, por un lado, obras de gladiadores y combates y, por otro lado, cuadros con caballos. Para De Chirico, los gladiadores se consideran como actores, héroes destinados a morir, cuyo objetivo final es la muerte en la arena como si se tratara de una escenografía teatral. Se exponen obras como "El retorno de Ulises" (1973) en el que Ulises navega en un mar-alfombra que está dentro de una habitación. En la segunda parte dedicada a los caballos, se incluyen obras como "El desembarco de Alejandro" o "Dos caballos a orillas del mar con ruinas y una tela roja" (1971). El vídeo que se incluye en el recorrido es una entrevista cortada en varios trozos de De Chirico durante viajes a Venecia y Atenas entre otros. En él, el artista se expresa sobre su fascinación por Nietzsche, se define a sí mismo como veneciano pero nacido en Grecia, y habla de algunos temas de sus obras como los gladiadores y los arqueólogos.
Lo mejor: La instalación de la "Plaza de Italia" que hay a mitad del recorrido con sus arcadas en las que están expuestas las obras. 
Comentario: La instalación de la exposición (tanto de la entrada como del interior) es realmente muy acertada. La recreación de la plaza en el centro de la sala funciona muy bien para adentrar al espectador en el mundo casi onírico de Chirico incluso antes de mirar sus obras. Por otra parte, la exposición cuenta con numerosos paneles informativos que ilustran adecuadamente lo que se pretende enseñar. Quizás no ahonde mucho en detalles técnico-artísticos porque se centra en aspectos iconográficos, pero aún así resultan interesantes porque en definitiva lo que hace que entedamos a De Chirico es la significación de sus obras. En particular, destacan las numerosas explicaciones sobre el origen y desarrollo de cada uno de sus temas (destacados en negrita en esta reseña) que resultan suficientes para poder disfrutar de esta exposición y conocer en profundidad la obra de este artista. Destacar el esfuerzo de las comisarias por reunir obras de distinta procedencia ya que, si bien la mayoría proceden de la Fundación De Chirico, también hay varias procedentes de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma.
Puntuación: Sobresaliente. 
Datos prácticos: "El mundo de Giorgio de Chirico", CaixaForum de Madrid, del 23 noviembre 2017 al 18 febrero 2018. Precio 4 Euros. Horario L-D 10h-20h.

Cubismo(s) y experiencias de la modernidad

"Cocteau" por Gleizes

En pocas palabras: La exposición reúne obras de la colección Telefónica y de la colección permanente del Museo Reina Sofía. Las obras de la colección Telefónica han sido depositadas por un periodo inicial de 5 años en el Museo a raíz de un convenio firmado en 2016. Se trata de unas 40 obras, fechadas entre 1912 y 1933. El hilo argumental de la exposición son las diferentes formas del cubismo que se desarrollaron durante esos años tanto en Europa como en Iberoamerica. La muestra incluye numerosas obras de Juan Gris junto con otras de Picasso y Braque, también cuenta con la presencia de algunas mujeres artistas como Marie Blanchard o Sonia Delaunay. Entre los artistas iberoamericanos se encuentran Diego Rivera, Xul Solar, Pettoruti y Do Rego Monteiro. 
Organizadores: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Comisario Eugenio Carmona. 
Descripción: El recorrido consta de 5 salas. La exposición se ha concebido como un recorrido por  obras que ilustran distintas versiones del cubismo. La primera sala propone partir del cubismo sintético y analítico según los conceptos acuñados por Khanweiler. Esta sala se titula "Cubismo fundacional (1907-1914)" y en ella nos encontramos con las obras cubistas más tempranas de las colecciones. Destacan "Le compotier" de Picasso que se puede apreciar junto con "Botella y Frutas" de Braque. También se exponen "Violín y guitarra" de Juan Gris y textos de Khanweiler sobre la obra del artista. Se incluye la escultura "Cabeza de mujer" que representa a Fernande Olivier (1909) de Picasso. Entre los artistas iberoamericanos, se expon "Racimos de uvas" de Pettoruti (1914), un artista originario de Argentina; "La sombra del caminante" de Xul Solar (1917) y "Chimenea" de Diego Rivera (1913).

"Mujer con guitarra", Marie Blanchard (1917)

La sala siguiente se titula "Cubismos transicionales y nueva visualidad (1915-1917)". En esta sala se plantean las bases del "nuevo cubismo" desarrollado con posterioridad a la primera guerra mundial. Destacan obras de Gleizes como "Casas en Bermudas" (1917) y de Juan Gris como "Las uvas" (1916) o "Molinillo de café".

"Molinillo de café", Juan Gris

En esta sala  se exponen dos obras de Marie Blanchard: "Mujer con guitarra" (1917) y "Composición cubista" (1916-19). La sala 3 se titula Nuevo cubismo: arte puro nuevo (1915-1919)" e incluye obras de André Lhote como "Naturaleza muerta cubista, botella y capa" (1917) con sus textos sobre el cubismo a priori y a posteriori. También se incluye la obra de Metzinger "Naturaleza muerta con fruta y jarra" (1917) con un texto que habla de su visión de la perspectiva metafísica (por contraposición a la perspectiva romántica de Picasso y la materialista de Juan Gris). En esta sala se expone el retrato cubista de "Cocteau" por Gleizes y otra "Naturaleza muerta cubista" de Marie Blanchard (1919). Particularmente interesante es la escultura "Marinero con guitarra" de Juan Gris (1918). La sala 4, titulada "Del cubismo constructivo a las rimas plásticas (1918-1923)", presenta a varios creadores cubistas que aportan cierto cambio de posición. Por ejemplo, cuando Juan Gris sustituye el dibujo ortogonal por las curvas y los arabescos (de ahí que se hable de "rimas plásticas"). Esto se ilustra en obras como "Ventana abierta con colinas" de Juan Gris (1923) que se expone junto con un texto de Khanweiler que hace alusión a las curvas. También se exponen los poemas pintados de Huidobro como "Caleidoscopio" (1921). Finalmente, la sala 5, que se titula "Diseminaciones y derivas de la experiencia cubista (1919-1923)", pone punto y final al recorrido con obras cubistas como "Retrato de Alberto Lasplaces" (1920) de Rafael Barradas que según Julio Casal presenta una "sana obsesión naturalista", alejándonos ya del cubismo inicial.

Juan Gris "Ventana abierta" (1927)

Lo mejor: La presencia de mujeres artistas (Marie Blanchard y Sonia Delaunay) es siempre una buena noticia. También es notable la presencia de artistas iberoamericanos.
Comentario: La exposición se centra en destacar las nuevas adquisiciones (en depósito) de obras procedentes de la colección Telefónica. Resulta interesante apreciar obras nuevas pero es una pena que no hayan destacado cuáles pertenecen a la Colección Telefónica y cuáles son de la colección permamente del Museo. Se podía observar esta información en el folleto que reparten a la entrada, pero no estaba en los carteles informativos colocados al lado de las obras. Como consecuencia de este detalle, las obras que forman el recorrido se complementan pero no se diferencian.Por otra parte, uno de los puntos fuertes de esta exposición es la visión que aporta sobre el cubismo o los cubismos. Por ejemplo, incorporando artistas iberoamericanos como Xul Solar o Pettoruti. También resulta interesante el foco que han puesto en artistas menos conocidos como Gleizes y Metzinger que, según la nota de prensa de la exposición, "significaron el tránsito de la herencia del simbolismo final a un nuevo sistema figurativo basado en el predominio de la forma y en la articulación dinámica de facetas y figuras". En conclusión, la exposición aporta algo nuevo a lo que sabemos ya del cubismo y lo hace aprovechando la reciente adquisición en depósito de las obras de la Colección Telefónica.  
Puntuación: Aprobado. 
Datos prácticos: "Cubismo(s) y experiencias de la modernidad", a partir del 22 de noviembre 2017. Museo de Arte Reina Sofía.